Annina Grupp

annina.grupp@gmail.ch

Major-Projekt

Mentorat: Simone Etter

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Ich backe Brot. Mit Sauerteig.Brot ist etwas Alltägliches. Zumindest hier bei uns. Für mich. Für dich? Ich sammle die Geschichten, die um das Brot auftauchen. Schneide in Scheiben und verteile sie weiter. Eine uralte Geste. So vertraut, dass wir gar nicht gross darüber nachdenken. Dass wir einfach essen. Das ist nicht für alle so. Und ist keine Selbstverständlichkeit.Brot hat eine Sprengkraft.Kein Brot.

Zurzeit suche ich Backöfen. Ich suche sie für den Teig, der langsam reift, sich bläht, sauerer wird. Ich suche in der Umgebung und darüber hinaus. Reise mit dem reifenden Teig im Zug. Zu Fuss. Trage ihn vor mich hin.
Der Geschmack ist der seiner Umgebung. Er nimmt in sich auf. Wir essen ihn mit.

Jedes Brot hat eine Geschichte. Und für die Dauer des Backens wirst du Teil davon. Du riechst wie es wird. Sich die Kruste bräunt. Wenn ich gehe, bleibt der Duft zurück.

Strategie: Ich suche mir eine fremde Tür. Stelle mich davor. KLingle. Hallo. Ich habe hier einen Brotteig und suche einen Ofen, indem ich es backen kann. Es dauert etwa eineinhalb Stunden...

Eine Recherche.

Juri Schmidhauser und Hanna Wächter

Major

Mentorat: Tine Melzer und Simone Etter

Wandtext:

Hier findet ein Archiv statt. Unsere Audio-Installation besteht aus klingenden Erinnerungsfragmenten, die wir kollektiv zusammengetragen haben: Texte, Gespräche, Lieder und Geräusche. Diese gesammelten Aufnahmen lagern in unserem Archiv, in der Installation werden sie heute hörbar. Zusammen mit euch möchten wir daraus neue Erzählungen flechten. Mit den Reglern am Mischpult könnt ihr die Aufnahmen lauter und leiser stellen. Wir möchten euch einladen, es auszuprobieren. So werdet ihr selbst zu Erzähler:innen. Ihr könnt aber auch einfach stehen, liegen oder sitzen und den Erzählungen beim Entstehen zuhören.

Dank an:
 Ahmad, Annina, Astrid, Ben, Carol, D., Ina, Jonas, Lena, Mael, Maia, Matthias, Miguel, Mina, Monika, Nives, Nora, Rea, Sophia, Zoe.

Bilder: Installation am 22.01.2023

Jeanine Burkard

jeanine.burkard@gmail.com

Major

Mentorat: Markus Weiss

Die Gadgets können nichts. Sie sind weich und soft. Leicht und flauschig. Einzig die imitierten Kabel lassen sich mit den zugehörigen Teilen zusammenschliessen. Die Gadgets laden ein, um gewohnte Handlungsabläufe durchzuspielen, zu erproben und zu testen.

Hannah Hänggi 

hannah.haenggi@gmail.com

Major

Mentorat: Markus Weiss, Roland Roos 

17 Ideen. 

Die Ideen sind die Arbeit. 

Sie werden nie durchgeführt, jedenfalls nicht von mir. 

Was unterschiedet eine Idee von einem Projekt? Eine Idee kann im Kopf stattfinden. Sie ist vorhanden, sobald sie gedacht wird. Ein Projekt ist ein Vorhaben, dass auf Umsetzung hofft.

Der Inhalt meines Projektes sind die Ideen. Im Zentrum stehen Gedanken, die während einer Zeitspanne von 17 Tagen zusammengetragen wurden. Jeder Idee wurde eine halbe Stunde gewidmet. Durch das Arbeiten mit den Ideen, sind neue entstanden. Die Ideensammlung wurde von Text in Sprache umgewandelt. Entstanden ist eine Audioinstallation, welche die Hörer:Innen einlädt sich den Ideen zu widmen, eine durchzuführen, oder es auch sein zu lassen. 

Benjamin Heller

Kontakt: benjamin.heller@windowslive.com

Major

Mentorat: Stefan Sulzer, Markus Fehlmann

Textfragmente, Erinnerungsstücke, Interviewtranskripte. Die Soundinstallation «Kürzlich hatte ich einen Traum» beruht auf unterschiedlichen Textquellen und lädt zum gemeinsamen Erinnern ein. 

Gian Losinger

gianlosinger@gmail.com

Major Kunstvermittlug

Mentorat: Andrea Gohl und Simon Küffer

Sieben Tintenstrahldrucke auf mattem Papier, Bulldogklemmen. Fotografie, an die Wand projiziert

Ursprünglich stammt die Tulpe aus dem trockenen Hochland Zentralasiens und wurde von den seldschukischen Türken nach Persien gebracht. Von dort aus gelangte die Tulpe in die Gärten des osmanischen Sultans bis hin zum Habsburgerreich in Wien und wurde in den folgenden Jahrhunderten zu einem Statussymbol im gesamten Nahen Osten.Die Entdeckung, dass der salzige und sandige Boden an der niederländischen Westküste für das Wachstum der Blumen geeignet war, fiel mit dem Goldenen Zeitalter der Niederlande zusammen: Kaufmannsfamilien in Ams- terdam und anderen Orten wurden innerhalb weniger Jahrzehnte zu den reichsten Menschen der Welt. Die noch immer vorherrschende calvinistische Kultur in den Niederlanden des 17. Jahrhunderts förderte jedoch Nüch- ternheit. Die einzige Möglichkeit, seinen Reichtum zu zeigen, war, ein paar Tulpen ins Fenster zu stellen. (2) Die holländischen Stillleben aus diesem Jahrzehnt unterstreichen diese Tendenz: Sie wurden zu einer Form der Dokumentation und Darstellung dessen, was man sich leisten konnte: Die opulente Blumenpracht war plötzlich nicht mehr nur für ein paar Tage da, sondern konnte über Jahrzehnte hinweg bewahrt und gezeigt werden. Vor diesem Hintergrund ist es besonders bemerkenswert, dass wir bei genauerem Hinsehen feststellen, dass viele der abgebildeten Blumen in diesen Stillleben unmöglich zur gleichen Zeit geblüht haben können. Dies deutet darauf hin, dass die Maler für ihre neuen Gemälde keine echten Requisiten verwendeten, sondern das Beste, was die je- weilige Jahreszeit zu bieten hatte, abbildeten: eine noch raffiniertere Art, den Reichtum des Besitzers zu zeigen. Die sozioökonomischen Faktoren jener Zeit liessen den Tulpenmarkt in kürzester Zeit expandieren und wach- sen. Die Amsterdamer Börse war der größte Finanzmarkt der Welt, und der Tulpenanbau war in vollem Gange. Investoren begannen, Geld in das Tulpengeschäft zu stecken, und die Preise stiegen. In den Jahren 1632 und 1633 fielen die Tulpenernten eher schlecht aus, was den Wert einer einzigen Zwiebel noch weiter in die Höhe trieb. Im Jahr 1634 führten die Amsterdamer Behörden ein System ein, bei dem die Händler Verträge für die Ernte der Blüten des folgenden Jahres kaufen konnten. Damit war der Grundstein für die ersten spekulativen In- vestitionen gelegt: Die Menschen begannen, Geld zu leihen, um in die Ernte des nächsten Jahres zu investieren, und so begann die Tulpenmanie, wie sie heute genannt wird. Sie dauerte von 1634 bis 1637 und gilt allgemein als die erste Spekulationsblase, die in der Geschichte geplatzt ist. Eine einzige gesprenkelte Tulpenzwiebel (in den 1630er Jahren war die gesprenkelte Tulpenzwiebel die attraktivste, und wie wir heute wissen, trug sie einen Virus in sich, der die Flecken verursachte) wurde für den Preis eines großen Kaufmannshauses oder für mehr als ein Jahresgehalt eines geschickten Handwerkers verkauft. Doch irgendwann begannen die Menschen ihr Vertrauen in den Markt zu verlieren: Es kamen Fragen auf, wie diese enormen Summen zu rechtfertigen waren und viele begann zu verkaufen. Innerhalb kurzer Zeit stürzten die Preise für die Blüten ab. Mehrere Menschen begingen Selbstmord, weil sie das Geld, mit dem sie spekuliert hatten, nicht zurückzahlen konnten. (3)
Seitdem sind viele Blasen geplatzt, und doch sind Kapitalismus und Spekulation so stark wie eh und je: Heute werden jährlich dreihundert Millionen Tulpenblüten aus den Niederlanden exportiert. (4)

Der Prozess der Erstellung der Bilder für May You Bloom Eternally folgt einer Reihe von Regeln: Zu- nächst wird die gesamte verfügbare Menge an verschiedenfarbigen Tulpen in einem durchschnittlich großen Einkaufszentrum gekauft. Dann werden sie in einem einzigen Bild fotografiert, das stilistisch in der Tradition der niederländischen Stilllebenmalerei des 17. Jahrhunderts steht. Das Bild wird mit der vollen Auflösung einer modernen Digitalkamera aufgenommen. Aus diesem Bild werden dann digital Bilder in der Größe von 100 x 150 Pixeln ausgeschnitten, da das Verhältnis 2:3 in der Fotografie am häufigsten verwendet wird.Die neu erstellten Ausschnitte werden dann auf 110x165 cm vergrößert, dem Standardformat von Vollformat- Rollenpapier für Tintenstrahldrucker. Um die für Kunstdrucke erforderliche Auflösung von 300 dpi wieder- herzustellen, verwendet Photoshop die Interpolation, eine Methode, bei der die umliegenden Pixel gemessen werden, um neue Pixel zu erzeugen, die die Lücken füllen. Es gibt zwar verschiedene Formen der Interpolation mit unterschiedlichen Stärken und Schwächen, aber wenn die automatische Einstellung gewählt wird, erstellt Photoshop das, was es für jeden Teil des Bildes als am besten geeignet hält.Mit dieser Methode wird jedes ausgeschnittene Bild, das ursprünglich 100 x 150 Pixel groß war, auf 12992 x 19488 Pixel bei 300 dpi vergrößert. Photoshop hat also 253'173'096 (zweihundertdreiundfünfzig Millionen einhundertdreiundsiebzigtausendsechsundneunzig) neue Pixel erzeugt. Oder, um es allgemeiner auszudrücken, das ursprüngliche Bild von 0,85 x 1,27 cm ist jetzt 110 x 165 cm groß, Photoshop hat also eine zusätzliche Fläche von 18148,9205 cm2 oder 1,8 m2 Bildfläche geschaffen.

Bei diesem Verfahren und dem daraus resultierenden Bild stellt sich natürlich die Frage, was wir uns ansehen. In Zeiten von "Everything AI" mag diese fast schon antike Methode der Hochskalierung von Bildern überflüssig erscheinen. Sie wird jedoch tagtäglich und ohne jede Form der kritischen Auseinandersetzung, mit der KI seit ihrer Geburt betrachtet wird, eingesetzt. Irgendwie wird der Fotografie in der Popkultur bis heute die Glaubwürdigkeit zugeschrieben, die sogenannte reale Welt abzubilden. Im akademischen Bereich ist die Tat- sache, dass ein Foto nur sehr wenig - wenn überhaupt - Wahrheit oder Realität enthält, eine seit langem bekannte Diskussion, von Susan Sontag (die dies behauptet) bis Roland Barthes (der das Gegenteil behauptet). Dennoch ist sie noch nicht in den Diskurs des alltäglichen Bildkonsums in den sozialen Medien, Nachrichten und allen anderen Formen eingeflossen.

Wenn ich heute einen Tulpenstrauß kaufe, dann kaufe ich nicht die so genannte natürliche Blume, für die ich sie halte. Vielmehr kaufe ich ein Simili einer Blume, ein deep fake, einen Platzhalter, eine Idee. Tulpen kann man heute in allen Formen und zu jeder Zeit kaufen. Längst sind die Zeiten vorbei, in denen sie an eine bestimmte Jahreszeit gebunden waren. Die Her- steller werben stolz mit der Möglichkeit, Tulpen das ganze Jahr über anzubauen und weltweit zu versenden: «Diese wunderbaren Blumen sind das ganze Jahr über erhältlich - dank erstaunlicher Innovation und Technologie - sowie weltweiter Beschaffung. Tulpen sind 24 Stunden am Tag, 7 Tage die Woche und 365 Tage im Jahr erhältlich - auf den Sun Valley Flower Farms in Arcata, Kalifornien» (1) Diese Blume ist zu einem perfekten Beispiel für einen fortlaufenden Mechanismus des Kapitalismus geworden: Etwas Hochgeschätztes wird - durch Globalisierung, Züchtung und Optimierung der Arbeitsabläufe - zu etwas jederzeit Verfügbarem. Während es anfangs noch teuer sein mag, macht der mythische (und wohl nicht oder nur teilweise existierende) Trickle- Down-Effekt das Produkt für fast jeden im globalen Westen verfügbar.In diesem Licht erscheint der Titel der Arbeit als ein als Wunsch getarnter Fluch. Mögest du ewig blühen wird zum Zauberspruch von Goethes Zauberlehrling, wenn er verzweifelt feststellt: «Die ich rief, die Geister / Werd ich nun nicht los»(5) Was wir uns einst wünschten - dass die Dinge immer am besten seien, nicht blühend, sondern in voller Blüte, nicht vorübergehend, sondern ewig - ist dasselbe, was den Planeten zerstört, auf dem wir heute leben. Dennoch sind die Arbeiten nicht als Propaganda für eine andere Gegenwart zu verstehen: Die Bil- der, die genau diese Mechanismen kritisieren, sind nur durch die Werkzeuge möglich, die aus ihnen entstanden sind: Von den Tulpen und dem Geschäft, in dem sie gekauft wurden, über die Kamera und das Objektiv, die die Bilder aufnahmen, bis hin zum Programm, das sie vergrösserte, und dem Drucker, der die Tinte auf das Papier brachte. All diese Dinge wurden - teilweise oder nicht - in einem kapitalistischen System geschaffen und ent- wickelt, mit einem finanziellen Interesse im Hinterkopf. Das Werk nimmt sogar an der Erschaffung des immer Neuen teil: Die Erschaffung neuer, noch nicht gesehener Farben, die einst durch die Züchtung von Tulpen erfolg- te, erfolgt durch Interpolation und Druck, wobei der Tintenstrahldrucker in der Lage ist, Farben darzustellen, die über die eines jeden anderen Mediums hinausgehen.(6) Die Bilder stellen die Ideen und Werkzeuge, die sie hervorgebracht haben, in Frage, indem sie sie an ihre relativen Grenzen und darüber hinaus treiben und die Un- vollkommenheiten hinter ihrer Fassade des ewigen Wachstums und Strebens nach Perfektion offenbaren. Die Bilder werden gerade deshalb interessant, weil sie nicht ohne Fehler vergrößert werden können, so wie Tulpen immer noch interessant sind, weil sie fehlerhaft sind (erinnern Sie sich an die Flecken?) und weil sie nur eine bestimmte Zeit lang blühen.

1)https://ubloom.com/blog/2019/05/11/episode-6-tulips-year-round-spring/
2)https://medium.com/illumination/the-teachings-of-the-tulip-aea27f50e440
3)Ibid.
4)Ibid.
5)https://kalliope.org/da/text/goethe2000010804
6)https://www.artforum.com/print/201207/michelle-kuo-talks-with-wolfgang-tillmans-31942

Luisa Morell
luisamorell@rocketmail.com
Major

Mentorat: Karoline Schreiber


Projizierte Videosequenzen, Beamer 

Tasten, kratzen, streicheln. Unsere Hände sind konstant auf der Suche nach taktilen Impulsen. Sie ertasten Oberflächen, spielen mit Schmuck, klauben Etiketten von Bierflaschen ab oder zupfen an Augenbrauen. Zwischen beruhigend, nervös, bis hin zu zwanghaft. Beamer projizieren Videos dieser Bewegungen in unterschiedlich dichten Clustern an zwei Wände.

Die Videos erforschen die Rastlosigkeit, das konstante Bewegen der Hände, welches normalerweise in der Peripherie unserer Wahrnehmung stattfindet.  Die Arbeit lädt dazu ein, den Blick auf diese unbewusst stattfindenden Bewegungen zu fokussieren und sie stellt Fragen zu Nähe und Distanz, Intimität und dem Eindringen in den persönlichen Raum.

Lea Lüscher

lea.luescher@wynspeed.ch

Major

Mentorat: Karin Lehmann

Das isländische Wort «Rétt» bedeutet Gehege oder Pferch. Auf ganz Island verteilt gibt es viele verschiedene «Rétt»; alle sind nach der gleichen Grundform, aber in unterschiedlichen Variationen aufgebaut. Die Schafe werden jedes Jahr im Frühling ins Hochland gelassen, wo sie den Sommer ganz ohne Zivilisation verbringen, und im September werden sie für den Winter wieder in die Ställe zurückgeholt. Das Gehege befindet sich das gesamte Jahr an diesem Ort, wird aber nur wenige Tage pro Jahr tatsächlich genutzt. An dem «Réttir», wie die Veranstaltung heisst, werden über mehrere Tage die Schafe aus Hochland hoch zu Pferd in die Mitte des Pferches getrieben und nach Bauernhof getrennt. Die Menschen kommen zusammen, es wird einander geholfen, und es wird gefeiert.

Mit ihrer Arbeit Mens View zeigt Janne Edel, wie der weibliche Menstruationszyklus in unserem kulturgeschichtlichen Umfeld über die Jahre hinweg dargestellt und behandelt wurde. Ausgehend von verschiedenen Mythen und Geschichten aus unterschiedlichen Epochen hat sie eigene Kleidungsstücke angefertigt, Looks entworfen und diese schließlich mit Models in Szene gesetzt. Das Ergebnis ist eine fotografische Porträtserie von sieben Mythen über die Menstruation.

Sivathas Shrijan ist in der Schweiz geboren und aufgewachsen. Seine Eltern stammen aus Sri Lanka. Der Inselstaat im Indischen Ozean ist von einer kriegerischen Geschichte geprägt, weshalb es nur verständlich ist, dass dieses Thema bei den betroffenen Angehörigen auf Unbehagen stösst. In seiner Graphic Novel Am Ende sterben sie alle, greift Sivathas eine dieser Geschichten auf. Mit großer Sorgfalt und Nachdenklichkeit zeigt er in dieser Geschichte die Brutalität und Verzweiflung, die der Krieg mit sich bringt.

Ausgehend von seinen eigenen Erfahrungen als professioneller Tänzer und einer kurzfristigen Unfähigkeit, seine Leidenschaft aufgrund eines Unfalls fortzusetzen, hat sich Antonin Hausamman aus Lausanne der Herausforderung gestellt, in einer Videoinstallation, L'importance du peu, Gleichgewicht durch Ruhe und Spannungsaufbau darzustellen. Das Werk wirkt zunächst statisch und ruhig, birgt aber im weiteren Aufbau eine nervenaufreibende Dramaturgie.

Selina Hofer

selina.hofer@sunrise.ch

Major

Mentorat: Tine Melzer und Robin Mettler

Moon dust is catching you,
glitter dust falling from the underground.
    1967 Weltraumabkommen
Los, lass uns nukleare Energie packen
und zum Mond reisen.
Ich nehme kurz den Weltraumlift und sende
rote Nelken
zur Bergbaukolonie auf den Mond.
Interplanetarer Frachttransport.
Es geht um Transportkostenoptimierung auf der Erde. Schwerlasten-Arbeit wird versetzt.
Auf den Mond.
More security.
Come and live in the Moon village.
    2015 Barack Obama erlässt US-Personen
    Anrecht auf erlangte Mond-Ressourcen
In Abwesenheit der Sonne.
Ummantelt durch die Venus.
Utopie als Nirgendwo, Heterotopie als Gegenort.
    2008 Giandrian 1 Sonde entdeckt
    gefrorenes Wasser auf dem Mond.
Some water, some ice. Let’s drink
an iced cosmopolitan under planted palm trees.
Ewiges Leben.
    16.06.2021 1200 SpaceX Satelliten umkreisen 
    die Erde 
    25.12.2021 Weltraumteleskop James Webb ins
    All gesendet
Die Suche nach den ersten leuchtenden Objekten
in der Galaxie hat begonnen.
Die Fragen nach der Namensgebung,
seiner Homophobie überblendet.
A shared moment
    1969 The Harlem Cultural Festival.
Written history, not known history.
Selected parts, picturing my own reality. Contamination like self-driving cars
or maybe suns
falling down apart.
Everything is all fine.
Let’s get over it.
Similar to the transported sand from the wind,
blown up as hills.

Logbuch, Beobachtung der Himmelskörper.
Sonne, Venus, Mond und Sterne.

Sophie Grand-Guillaume-Perrenoud

sophieper@bluewin.ch

Major

Mentorat: Karoline Schreiber

Les choses qui sont devant moi me passionnent. Il s'agit souvent d'objets, de choses qui ne bougent pas, qui me laissent le temps de les dessiner.

Et puis tout à coup, je me vois dans ces objets, et parfois je vois aussi des autres gens. Ces apparitions donnent vie à ces natures mortes que je dessinais habituellement. Le dessin m'accompagne tout au long de ces découvertes, mon crayon m'aide à les immortaliser.

Bo Foff

Email: foff.bo@gmail.com

Mentorat: Markus Weiss

Major Kunstvermittlung

My body is a sculpture of smooth skin pulled over straining muscles mimicking the nature that has been defeated. I am a product of a machine. I am an embryo of emotion. I am the pressure building up before the first summer storm and i am the feeling of light air after the rain. I am the heat of a processor, the beeping of a blood pressure monitor. I am a mushroom growing in a thick layer of moss touched by a single ray of sunlight shining through the foliage. I am condensed water on the petals of graveyard flowers. I am decomposing into life. I am dying to be born.

STITCHES is a wound closing in on itself.
STITCHES is cutting the cord.
STITCHES is pain. happines.
mourning and healing.
STITCHES is having a choice. 

Cosima Specht 

Kontakt: 

Major

Mentorat: Samuel Herzog

In den letzten zwei Jahren hat sich mein Wohnort jeweils halbjährlich
geändert, wodurch ich mich stark mit Orten und Räumen zu beschäftigen begann. 

Was heisst es, an einem Ort zu sein? Und was heisst es wiederum, nicht an einem Ort zu sein?

Entstanden sind fünf literarische Texte, welche je einen der mir vertrauten Wohnorte und die dazugehörigen Assoziationen, Gedanken und inneren Bildern thematisieren. 

Die Räume oder - im umfassenden Sinne -„Wohnungen“ zeigen sich in der Arbeit in den auf Leinenstof gestickten Texten, welche über breite Holzrahmen aus Fichtenholz gespannt sind. Ergänzt werden die Rahmen durch fragmentarische Fotografien in der Mitte des Raumes.

Emma Louise Fankhauser & Muriel Kilchenmann 

Kontakt: emmalouise@bluewin.ch / muriel.kilchenmann@gmail.com

Major 2021

Mentorat: Jacqueline Baum

Aus einer Materialrecherche heraus entsteht in dieser Arbeit eine Verbindung von zwei Substanzen.

Die zusammengenähten Netzte werden mit Schaum gefüllt. Alles quillt über. Eine unberechenbare Momentaufnahme entsteht. Wir erkennen Widersprüche. Eine organische Form verwandelt sich in ein toxisches Gebilde.

Der Wunsch nach Nähe und gleichzeitig Distanz breitet sich aus. Eine Recherche von zwei miteinander verbundenen Materialien öffnet uns in ihrer Widersprüchlichkeit diverse Kontexte und regt uns zum Weiterdenken an.

Wie werden Menschen durch restriktive Politik beeinflusst?

In dieser Maturaarbeit möchte ich beobachten, wie die künstlerische Zensur der DDR das Leben der Leben der Künstlerin Annemirl Bauer beeinflusst hat. Meine Recherchen und Gedanken zeigen in Form einer Modekollektion, wie sehr ein Mensch durch eine restriktive Politik geschädigt werden kann. Bauers Leben und insbesondere der Einfluss der DDR waren die Hauptinspirationen für das künstlerische Projekt.

Bauer war eine der bemerkenswertesten Künstlerinnen der ostdeutschen Kunstszene. Sie war eine der wenigen, die ihre Meinung über die DDR offen äußerte. Aufgrund dieses Verhaltens wurde sie systematisch ausgegrenzt und vom Staat bespitzelt. Die Stasi versuchte alles, um ihre Arbeit einzuschränken und sie vor allem daran zu hindern, ihre kritische Meinung zum politischen System zu äußern. Trotzdem setzte sich Bauer immer wieder gegen die eingeschränkte Gesellschaft durch, indem sie nie aufhörte, kritische Kunst zu machen.

Um die Kollektion zu gestalten, habe ich das Leben der Künstlerin in sechs Looks unterteilt, die jeweils eine signifikante Phase in Bauers Leben repräsentieren, welche durch die Restriktionen in der DDR hervorgerufen wurde. Auf diese Weise wird aktiv gezeigt, wie sie unter dem Einfluss der DDR beeinflusst und verändert wurde.

In meiner Abschlussarbeit geht es um die Erstellung eines Comics, FEMMES, der sich mit dem Thema der Ungleichheit der Geschlechter beschäftigt. Darin erzähle ich sieben Geschichten von Frauen aus völlig unterschiedlichen Zeiten und Hintergründen, die aber durch die enge Verbindung, der gleichen patriarchalen Unterdrückung unterworfen zu sein, vereint sind. Ich wollte zeigen, warum Frauen in Lila auf die Straße gehen, egal ob sie schwarz oder weiß, verschleiert oder hellbraun, jung oder alt, Arbeiter oder Hausfrau sind. Mein Ziel ist es, durch diese Zeichnungen ein Bewusstsein zu schaffen und eine Ungleichheit anzuprangern, die sich durch alle Kulturen und alle Zeiten zieht und die wir bis heute nicht beseitigen konnten.

Frühsommernachtstraum handelt vom Jungsein. Er erzählt vom Sich-frei-fühlen und von der schlichten Einzigartigkeit jedes Momentes. Mit meinem Film möchte ich die Zuschauer*innen in meine Kopfwelt mitnehmen und sie dazu anregen, sich selbst daran zu erinnern, wie es ist, sich jung und frei zu fühlen. Meine Maturaarbeit ist ein Kurzfilm – entstanden auf einer Velotour mit drei Freund*innen im Frühsommer 2020. Ohne Drehbuch begleitete und filmte ich unsere spontane Reise und liess mich von den erlebten Momenten tragen. Anstatt Szenen und Geschichten zu inszenieren, versuchte ich, authentische Bilder meiner Wahrnehmung einzufangen. Das Ziel: Mit filmischen Mitteln ein kreatives und persönliches Zeitdokument zu schaffen und dadurch das Filmhandwerk kennenlernen. Das auf der Reise entstandene material ergänzte ich durch Unterwasseraufnahmen, welche die verschiedenen Szenen assoziativ miteinander verbinden. Im Film schwimme ich gewissermassen von Erinnerung zu Erinnerung, tauche auf, erlebe Szenen aus der Reise, und tauche wieder unter in mein Unterbewusstsein. Dadurch wird der Fluss meiner Gedanken sichtbar und die traumartige Stimmung meiner Erinnerungen spürbar. Noch persönlicher wird der Film durch die selbst komponierte Musik. Aus freien Klavierimprovisationen formte ich Stücke, die bestimmte Szenen in sich abrunden. So konnte ich die mit der Reise verbundenen Gefühle noch stärker ausdrücken.

Meine Arbeit ist eine filmische Auseinandersetzung mit dem Abschmelzen des Rhonegletschers. Ich untersuche vor allem die abstrakte und surreale Abdeckung, die zum Schutz der Gletscherzunge dienen soll und vor wenigen Jahren installiert wurde, damit diese weniger schnell schmilzt und nicht grosse Massen an Schmelzwasser das Tal überfluten. Ich versuche diese prekäre Situation des Rhonegletschers mit dem Tourismus in Verbindung zu bringen, welcher sich seit dem zweiten Weltkrieg durch den technischen Fortschritt rapid verändert hat. Ich dokumentiere diese Aspekte in einem essayistischen Stil und versuche das Publikum mit ausdrucksstarken Bildern anzusprechen.

Maja Walter
E-Mail Instagram

Mentorin Theorie: Yvonne Schweizer
Mentorat Praxis: Markus Weiss, Daniela Keiser

Medium: Zeichnung, Installation, Video
Materialität: Diverse Stifte auf Papier, Installation aus Ästen, Video auf Röhrenmonitor

Was passiert, wenn ich an Durchgangsorten Zeit verbringe, an denen normalerweise nicht verweilt wird? Mit der Ausgangslage eines dreitägigen Selbstversuches setzte ich mich künstlerisch mit transitorischen Räumen in der Stadt Bern auseinander. Welche Wechselwirkungen haben an solchen Orten meine Präsenz und der Umraum? Es geht um eine Spannung zwischen Statik und Bewegung, um Exponiertheit und Geborgenheit, um Architektur und Raum, um Reizüberflutung und Blicke, um subjektives Erfassen, um Flüchtigkeit, Fragilität und Begegnungen. Ausgehend davon entstanden Zeichnungen in verschiedenen Medien. Die Ausstellung zeigt eine Auswahl davon.
Während meiner künstlerischen Praxis entwickelte ich den Begriff Anort und das zugehörige Verb anorten. Die theoretische Thesis skizziert diesen Begriff aus drei verschiedenen Perspektiven.

Lina Schweizer
@Linush

Fotografien

Ich habe mich mit der Aneignung, Einnahme und Dokumentation von Raum auseinandergesetzt. In diesem Rahmen entstanden verschiedensten performativen und installativen Projekten, die ich in den Räumlichkeiten der alten Verzinkerei in Worb realisieren konnte. Bewohner*innen auf Zeit wurde während der Zwischennutzung neben eigenständigen Projekten zu einem wiederkehrenden Thema. Ich habe verschiedene Bewohner*innen der Räumlichkeiten dokumentiert und auch mich als Bewohnerin auf Zeit verstanden.
Die Fotoarbeit Bewohner*innen auf Zeit: Unbekannte Person zeigt einen Ort, an welchem sich eine Person mit wenigen Gegenständen eingerichtet hat. Diese Arbeit stellt existentielle Fragen zum Wohnen, nach der Grenze für menschenwürdige Wohnverhältnisse, nach der Nutzung von leerstehenden Gebäuden und der Frage, was man braucht, um sich wohlzufühlen. Die Arbeit eröffnet aber auch Diskussionsräume zu An- und Abwesenheit, einem Raum im Raum oder Obdachlosigkeit.

Mentorat: Andrea Wolfensberger

Laurène Hayoz
laurene.hayoz@gmail.com

Minor Kunstvermittlung

Mentorat: Audrey Bersier


In unserer Gesellschaft, in der das Selbstbild König ist, in der die Leistung immer perfekter sein muss, wird das Teilen der eigenen Fehler oder das Zeigen der eigenen Fragilität nicht gefördert. Mit diesem Projekt wollten wir einen Rahmen schaffen, in dem Scheitern sichtbar gemacht wird und Diskussionen und Aussagen den Raum füllen. Das Projekt, das mit verschiedenen Akteuren der blueFACTORY in Freiburg realisiert wurde, hatte die Form einer Ausstellung im NeighborHub (Nachbarschaftshaus des Standortes), die eine Sammlung von Objekten zeigte, die das Scheitern symbolisierten, und einer Toninstallation, die die dazugehörigen Aussagen ausstrahlte. 

Joana Kunz

Audiovisuelle Installation / Audio, Video, Schnur, Fallschirmstoff.

Sind wir unseren Eltern etwas schuldig? Müssen wir uns von unseren Eltern abgrenzen, um eigenständige Menschen zu werden? Fünf Gespräche mit Menschen über das Konstrukt der Eltern-Kind-Beziehung geben Einblicke in diese so spezielle, oft sehr intime Beziehung zu den eigenen Eltern. Anhand einer auditiven, visuellen und räumlichen Ebene soll die Arbeit ein atmosphärisches Erlebnis sein, in das die Betrachter*innen schlüpfen und eintauchen können. Der Raum soll eine Atmosphäre von Geborgenheit und Sicherheit erzeugen, darf aber auch provozieren und berühren.

Neben den Audios, die durch vier Lautsprecher den ganzen Raum bespielen, bietet die zeltähnliche Stoffinstallation die Möglichkeit sich in das Zelt zu setzen, um in kindlicher Geborgenheit den Gesprächen zu lauschen. Als dritte Ebene spiegeln die Videos, welche an verschlungene Höhlenwelten oder unendliche Tunnels erinnern, das verworrene Innenleben und die familiären Verknüpfungen wider. Auf den Stoff projiziert, entsteht so eine Bühnensituation, die die Betrachter*innen miteinbezieht. Die Arbeit will der Beziehung zwischen Kind und Eltern auf den Grund gehen und sie mit ihren vielen Facetten in einem Raum erlebbar machen.

Mentorat: Andrea Rickhaus

Joëlle Reichmann
E-Mail

Mentorinnen: Gila Kolb & Caroline von Gunten

Minor Kunstvermittlung


Brache 3000 ist ein Kunstprojekt mit und für Kinder und Jugendliche, das auf der Centralpark-Brache im Lorrainequartier stattfindet. Während vier Tagen schaffen wir, das Team von Brache 3000, mit allen Beteiligten einen Raum, indem durch Gemeinschaft und Selbstwirksamkeit, künstlerische Entfaltung erfahrbar wird. Verschiedene soziale und kulturelle Positionen finden sich zusammen, um den Kindern und Jugendlichen die Möglichkeiten und Hilfestellungen zu bieten, die sie für ihre künstlerischen Erfahrungen benötigen. Während dieser vier Tage beschäftige ich mich beobachtend mit zwei Fragen: Wie sieht die Freiheit der Kinder und Jugendlichen innerhalb des Rahmens des Projektes aus? Und welche Rollen nehmen die jeweiligen Ansprechspersonen des Projekts gegenüber den Kindern und Jugendlichen ein?

Laura Hadorn
E-Mail
Eva Schuler
E-Mail Instagram

Mentorat: Eliot Gisel, Matylda Krzykowski

Kunstgattung: Vermittlung, Forschung
Medium: Publikation, Kartenset, Webseite, Video

Website

Von Singleplattformen bis zu Kunsthandel – unter Vermittlung kann Vieles verstanden werden. Selbst Museen sind sich nicht einig: Für einige beginnt die Vermittlung bei der Kasse, für andere bedeutet sie Malen-nach-Picasso-Kurse. Collaborative Mediation schaut da hin, wo museale Vermittlung mehr ist als ein Workshop. Da, wo non-personelle Formate die Grenze zum Design, der Kuration oder der Kommunikation aufbrechen. Anhand von vier Praxisbeispielen aus der Deutschschweiz erarbeiten wir innovative Vermittlungspraxen und Strategien interdisziplinärer Zusammenarbeit. Die Arbeit zielt darauf ab, den Dialog über Rollenverständnisse anzuregen und einzuladen, sich selbst zu fragen: Was verstehe ich eigentlich unter Vermittlung?

Joshua Järmann
@daffy_j

Stahl: 2 x 3.46 x 2.40 m

Als leidenschaftlicher Skifahrer entwickelte ich eine Möglichkeit, den Moment eines Sprunges in ein anderes zeitliches Verhältnis zu setzen. Aus drei verschiedenen Achsen lassen sich unendlich viele dynamische Figuren formen.

Mentorat: Roland Ross

Hanna Wächter
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Mentor Praxis: Stefan Sulzer, Manuel Schüpfer
Mentorin Theorie: Laura Coppens

Medium: Video
Materialität: Screenrecord

Bildschirme sind Flächen, die Räume eröffnen. Räume, in die wir eintreten, in denen wir suchen, finden und uns verlieren, in denen wir Spuren hinterlassen.
Der digitale Raum ist längst Teil der Realität und steht in Wechselwirkung mit unserem analogen Dasein.
In einer audiovisuellen Arbeit treffen analoge und digitale Körper und Räume aufeinander. Bilder aus beiden Lebenswelten, Text und ein elektronisches Musikstück fliessen in einer Bildschirmaufnahme zusammen.

Jeanne Verdon

Installation / Performance
Material: Erde und Rasen
Dimension: 2x2m

Über den Sommer pflege ich den Rasen, den ich in der HKB gesät habe. Ich giesse ihn und schneide ihn, sodass er wächst und gedeiht. Das Gras ist abhängig von mir und vielleicht ich auch von ihm.

Mentorat: Andrea Rickhaus 

Nina Kurth
E-Mail Instagram

Mentorin Praxis: Marinka Limat
Mentorin Theorie: Esther Maria Jungo

Video Projektion

Fliegen zu können gehört zu den Urwünschen der Menschheit. In den Wolken zu schweben und mit dem Wind zu flüstern. Hoch über dem Erdboden, losgelöst von der Gravitation. In unseren Träumen transzendieren wir weg von der Welt und werden schwerelos. Keine Flügel mit Federn - und bis zur Sonne kommt man auch nicht, doch der Gleitschirm macht es möglich, für lange oder kurze Zeit in der Luft zu sein. Das Gleitschirmfliegen lässt vieles erkennen und sehen. Der Blick von Oben.
Nun hängt hier ein Gleitschirm. Die Leinen herunterhängend.
„Wo ist die Pilotin?“ - „Höllisch gestürzt!“ - „Was? Wirklich?“ „Ja! Schau dir das Video an!"

Aarabi Kugabalan
E-Mail Instagram

Mentorin Theorie: Prof. Dr. Nadia Radwan
Mentorin Praxis: Fine Bieler

Medium: Videoinstallation
Material: zwei Weitwinkelbeamer-Projektionen mit Ton

Warum sind Menschen in ihrer ordinären Natur im öffentlichen Raum so spannend?
Diese Frage stelle ich mir, als ich vor meiner Fotosammlung der vergangenen 2-3 Jahren stehe, bestehend aus Menschen und ihren Spuren des Alltags.
Mich interessieren diese flüchtigen Begegnungen in ihrer gesamten entfremdenden und banalen Art. Also fange ich an, die Beziehung zwischen Raum, Mensch und Alltag zu erforschen. In der Theorie gehe ich den Fragen nach, die ich mir während des Fotografierens stelle:
Was bedeutet es, zu beobachten? Wie verändert sich das Alltagsbild? Wie sieht die Rechtslage der Strassenfotografie aus?

Parallel entwickelt sich eine Videoinstallation aus meinen Aufnahmen, die ich in den öffentlichen Raum trage, um das Zusammenspiel zwischen abgebildetem Raum und dem sich bewegendem Raum zu visualisieren.

Digitale Didaktik - Eine translokale Netzwerkwoche zu verschiedenen Zeitpunkten.

Willkommen zur Netzwerkwoche „Digitale Didaktik“

Die Netzwerkwoche der HKB Bern „Digitale Didaktik“ passt sich den Gegebenheiten der Lehre im Ausnahmezustand an und findet deshalb nicht als Woche, sondern zu verschiedenen Zeitpunkten während des Semesters vom 22.2.–7.6.2021 statt.

Zur Digitalen Didaktik gibt es viel zu erfahren, zu diskutieren und zu berichten. Digitalität prägt unsere Gesellschaft und damit auch das Lehren und Vermitteln – schon vor der Pandemie und auch zukünftig. Fest steht: Wir befinden uns gerade alle in der Situation, uns derzeit im Hochschulkontext digital zu begegnen. Digitale Didaktik macht Dinge sichtbar, die zuvor auch schon da, aber weniger präsent waren, zum Beispiel wie wir Hierarchien des Lernens und Lehrens verstehen, wie wir sicherstellen können, dass alle teilnehmen können, die es wollen, oder auch wie wir mit den lernenden Körpern und den Inhalten und Strukturen von Lernplattformen umgehen möchten. Sicher hast Du als Student*in im MA Art Education darin auch schon einige Erfahrungen sammeln können – lernend und lehrend.

Und jetzt noch eine Netzwerkwoche zu diesem Thema?! Aber ja! – denn nur in der Anwendung alleine wäre das Potential eines direkten, reflektierenden und handlungsorientierten Zugangs verschenkt. Deshalb gibt es in dieser Netzwerkwoche Vorträge und Workshops, die sich um Deinen Stundenplan herum arrangieren werden.

„Digitale Didaktik“ besteht aus einer 5-teiligen Online-Vortragsreihe #Didaktik sowie sechs Workshops, die verschiedene Blickrichtungen auf die digitale Didaktik in der Kunst und Vermittlung bieten werden, wie etwa aus der Schule, der ausserschulischen Kunstvermittlung, der Forschung, dem künstlerischen Forschen und dem Studium. Die Workshops finden zu unterschiedlichen, individuellen Zeiten statt und weben sich so in Dein Studium MA Art Education ein.

Dabei hast Du die Auswahl zwischen verschiedenen Themenschwerpunkten: Du kannst Dich zwischen analogem und digitalem Handeln in Unterrichtsbeispielen erproben (#1) oder Smartphone-Fotografie für Deinen BG-Unterricht erschließen (#2), zur epistemischen Ungerechtigkeit in der digitalen Kunstvermittlung diskutieren und Handlungsmöglichkeiten erlernen (#3), oder Dich ausgehend von eigenen Erfahrungen, didaktischem Denken digital für Schule und Museum widmen (#4), die Grenzen von kollaborativen Online-Tools hacken und künstlerisch ausloten (#5) oder den Mythos Partizipation für alle beim Thema Bildungsgerechtigkeit und Digitalität kritisch befragen (#6).

Alle Workshops werden in kleinen Gruppen und online durchgeführt.

Die Anmeldung für die Workshops findet ab dem 22.02. statt. Die Termine der Workshops werden je individuell in den Workshopgruppen vereinbart.
Die Termine für die Vortragsreihe sind: 03.03.2021, 17.03.2021, 14.04.2021, 28.04.2021, 05.05.2021 jeweils 17:30-19:00.
Die Vorträge werden für den internen Gebrauch aufgezeichnet. Sie können in Ausnahmefällen im Selbststudium individuell gesichtet werden und stehen den Teilnehmer*innen der Netzwerkwoche zum Arbeiten in den Workshops zur Verfügung.

Wir freuen uns auf diese besondere Netzwerkwoche mit Ihnen und Euch!

Gila Kolb und Maren Polte

Konzept & Organisation Netzwerkwoche: Gila Kolb und Maren Polte
Gestaltung: HKB GK, Ivie Onaiwu

Sebastian Kelemer
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Mentor Parxis: Nader Ahriman
Mentor Theorie: Thomas Strässle

Medium: Malerei
Materialität: Rot, Gelb, Blau auf Papier
Masse: 913cm x 113cm

Ich umgebe mich mit Menschen und Dingen, die ich vermisse, und vermisse genau das, was ich schon habe. Ich lerne ernst zu nehmen, was des Ernstnehmens wert ist, und lache über das andere.
Die letzten Monate waren ein Leben im Kuriositätenkabinett. Den depressiven Phasen und den Schaffenskrisen wurde und wird durch meine strengen Tagesabläufe und Rituale kein Platz eingeräumt.

«Kreativität durch Struktur»
Ich gebe Einblick in das Resultat meiner Tagesroutine, ganz freiwillig und ganz umsonst. Vieles ist bloss übertrieben, nimm dir trotzdem ein Stück heraus und lache mit mir.

Nora Ryser und Réka Szücs
https://femaison.ch/contact-form

Minor Mediale Vermittlung

Mentorat: Helena Schmidt und Franziska Thurner


fe:maison (Haus der Künstler:innen) ist eine stetig wachsende online Künstlerinnen-Enzyklopädie, die nicht nur Frauen in der Kunst vorstellt, sondern sie auch in einen feministischen, historischen Kontext einbettet. Das Konzept, die Gestaltung und die inhaltlichen Beiträge wurden von Nora Ryser und Réka Szücs entwickelt.

Die Sammlungen von Künstlerinnen, die uns bekannt sind, konzentrieren sich entweder auf ein Werk, ein spezifisches Thema oder eine Biografie. Die Informationen, die wir brauchen, um die in der kanonisierten Kunstgeschichte fehlenden Geschichten, blinden Flecken und Lücken zu erzählen, sind vorhanden. Doch die Zeit, diese Informationen zusammenzutragen, fällt oftmals dem Alltag zum Opfer. Deshalb brauchen wir eine Alternative, eine Plattform, die diese Informationen zusammenträgt und sofort anwendbar ist, die den Raum für faule Ausreden nimmt. Die eine Geschichte muss um Tausende erweitert werden, und sie müssen öffentlich und niederschwellig zugänglich sein, damit sie irgendwann eine Selbstverständlichkeit in unserer (Kunst-)Geschichtsschreibung erlangen können. Das will fe:maison.

Mina Achermann
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Mentorierende Praxis: Stefan Sulzer, Roland Roos
Mentor Theorie: Toni Hildebrandt

Medium: Multimediale Installation, drei unterschiedlich lange Loops
Materialität: Zwei Videos, Ton
Masse: HD, 16:9 / Stereo

Kanten trennen im Allgemeinen, aber
also ausserhalb des Fokus
musst mal die Augen zusammenkneifen
trotzdem hinschauen, auch wenn man nicht sieht
bis alles zusammengehört
Kontinuum wird erst durch die Verbindung
und die ist ja also gleichzeitig
das Möbiusband und der Klebestreifen
die ist dann nicht kontinuierlichr Vermittlung in Kunst und Design
Also die Topologie sagt
das wäre dann ein Kreis.

Flüsse sind uferlos
Mit zyklischer Bewegung schreiten die drei Ebenen der Arbeit in zufälligen Kompositionen in der Zeit voran. Ein Raum beständiger Veränderung entsteht. Es sind langsam fortschreitende Handlungen zu sehen, die das Ereignis als Inhalt ausschliessen und stattdessen das Banale in seiner Intimität beschreiben. Die Bilder bewegen sich in der Peripherie und lösen sich in deren Unschärfe auf. Dabei schafft die Unschärfe Zugang zu einer ständig bewegten, formlosen Wolke. Kanten werden aufgelöst – aber nichtsehen ist auch sehen, sagt eine Stimme.

Nina Trüssel
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Mentorat Praxis: Markus Weiss, Regina Dürig
Mentorat Theorie: Regina Dürig

Materialität: Bleistiftzeichnung und Text als gedrucktes Werk
Kunstgattung: Künstlerische Forschung | Buch | Zeichnung | Text

«FRAGEN | ZEICHNEN | DENKEN | HALTEN» ist das Ergebnis eines zeichnenden Nachdenkens über das Buch «Warum? Von der Obszönität des Fragens»  von Aron Ronald Bodenheimer. Die Grundannahme der Obszönität steht im Zentrum der Untersuchung.

In dem entstandenen Buch verdichten sich gesammelte Forschung zu kuratierten Denkräumen, in denen sich gezeichnetes Denken, sprunghaftes reflektieren, philosophische Erkenntnis, Opposition und gedankliches Nachsprechen in einem ‹fransigen› Neben- und Ineinander verbinden. Denkweisen sind in neue Bezugssysteme gesetzt und sollen ein beweglicheres Verständnis möglich machen. Es sind Sinnlichkeitsbezüge, die die feinen Unterschiede im Dazwischen suchen.

Xavier Sägesser
@toastkopf

Die Freiwillige Armee Schweiz (FAS) sorgt sich um die Sicherstellung der Schweizer Eidgenossenschaft. Die FAS steht für alle Staatsangehörigen der Schweizer Eidgenossenschaft und sonstige Menschen mit Vereinsmitgliedschaft offen und ermöglicht ihnen, sich freiwillig für die Sicherheit der Schweiz einzusetzen. Entlang der Grenzen, in der Natur, im urbanen Raum; die FAS ist sich seiner schweizweiten Verantwortung bewusst. Mehr Informationen auf der Webseite: www.freiwilligearmeeschweiz.ch

Mentorat: Stefan Sulzer

Muriel Kilchenmann
muriel.kilchenmann@gmail.com

Emma Louise Fankhauser
emmalouise@bluewin.ch

Mentorat: Anna-Lisa Schneeberger und Jacqueline Baum

Minor Mediale Vermittlung

Generationen miteinander, statt nebeneinander. Ein spielerisches Experiment, ob ein Dialog durch Gestaltung und Text über die Generationen hinweg möglich ist. „Weil westliche Gesellschaften älter werden und gleichzeitig weniger Kinder zeugen, verändert sich das Verhältnis von jungen und alten Menschen (Zahlen Schweiz). Durch ihre Überzahl und ihre finanziellen Reserven haben die Alten über Jahre hinweg die politische und wirtschaftliche Macht. (...) Die neuen Verhältnisse werden sich in Abstimmungen und Wahlen spiegeln - und sprechen eher gegen Reformen, die angesichts der Digitalisierung, Demografie und Klimakrise nötig werden. (...) Der Konflikt zwischen Jung und Alt verschärft sich, sollten die Jungen die Alten für eine überschuldete Welt am Rande des Klimakollapses verantwortlich machen.“

Joel Luc Cachelin, Kultur 2040 Trends, Potenziale, Szenarien der Förderung, Forum Kultur und Ökonomie, Christoph Merian Verlag, 2020, p. 75 und 67.

Xuetong Chen

Kontakt: xuetong.chen96@gmail.com

Major

Mentorat: Andrea Wolfensberger

Skulptur (Messing, Glas)

Eva Chen
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Mentorinnen: Jacqueline Baum & Priska Gisler

Kunstgattung: künstlerische Forschung
Medium: Publikation
Materialität: Druck
Masse: 195mm x 295mm

Im Rahmen einer künstlerisch forschenden Arbeit habe ich in einem 21 tägigen Selbstexperiment Antworten auf die Frage gesucht: Warum ich eigentlich, trotz Interesse an Kunst und Vermittlung, selten freiwillig und intrinsisch geleitet ins Museum gehe. Autoethnografisch, in Theorie und Praxis, in Erfahrung und Reflexion, im Lesen, im Schreiben, im Zeichnen, im Protokollieren und im Fotografieren habe ich meine eigenen Wahrnehmungs-, Denk- und Handlungsmuster untersucht, hinterfragt, umgedeutet und kontextualisiert. Ausgehend von meinem persönlichen Erkenntnisprozess thematisiert die Arbeit die strukturellen Bedingungen vom Museum und die gegenseitige Einflussnahme von Gesellschaft und Raum. Die Publikation ist integral als Prozess und Resultat zu lesen und zu verstehen.

Nina Caviezel
E-Mail

Mentorat Praxis: Jacqueline Baum, Anja Braun
Mentorat Theorie: Prof. Dr. Claus Pias

Medium: Installation, dreiteilig
Materialität: Inkjetprints auf Papier
Masse: 8.15 x 1.10m; 5.90 x 1.05m; 6.80 x 1.05m
Raum: Fellerstrasse 11, Vorraum Auditorium

Rillen in Schwarz und Weiss. Sichtbar gemachte Fingerabdrücke, die von der Berührung zwischen meinem Körper und dem Material erzählen. Eine schnelle Bewegung, eingeschrieben in die Fläche und den Raum.

Die Rillen werden zu mäandernden Linien. Das Haptische löst sich im Code auf. Feine Verschiebungen, die den weissen Lichtstrahl in Spektralfarben auffächern. Bei genauem Hinschauen: Verpixelungen und elektronisch abgetastete Spiegelungen.

Spuren, die zwischen analog und digital oszillieren. Eine Vermutung, dass sich in der Verschränkung des Einen und des gegensätzlich Anderen ein neuer Raum auftut.

Die Arbeit In Between Spaces befasst sich mit der Schnittstelle von Malerei und digitalem Bild und sucht nach einer eigenen Bildsprache innerhalb der Verschränkung dieser beiden Medien.

Joëlle Reichmann
Kontakt: joelle.reichmann@hotmail.com

MA Art Education Majorarbeit
Mentoriert von Andrea Wolfensberger & Karin Lehmann

Sophia Maria Fries
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Mentor Praxis: Stefan Sulzer
Mentorin Theorie: Tine Melzer Stefan Sulzer

Material: Zwei-Kanal Videoinstallation, 9:10’

Am Anfang stehen Fragen. Nach den Grenzen der Abbildbarkeit, nach dem Körper hinter der Kamera, nach dem Innenleben pandemiebedingter Leerräume und nach dem menschlichen Verhältnis zur Welt.

Die Installation besteht aus zwei gleichzeitig laufenden Videos. Diese sind mit einer Stimme aus dem Off verbunden und stehen im engen Dialog miteinander.

Dabei kontrastieren die hochauflösenden Bilder der eigenen Aufnahmen mit der Ästhetik abgefilmter Bildschirmvideos. Das mediale Potential digitaler Bilder trifft auf die Grenze abbildbarer Wirklichkeiten. Die Ausgangslage der Erzählung gründet in erlebten Gesprächen. So entsteht ein vielschichtiges Narrativ, welches keine abschliessende Antworten findet und sich im Verlauf immer tiefer in sich verknotet.

Die Betrachtenden formen dabei den Inhalt durch ihre eigenen Assoziationen. Die Videoarbeit wird zur Summe kollektiver Gedanken, wobei die Wahrnehmung der Zusammenhänge eine individuelle Erfahrung bleibt.

Die Ergründung gegenwärtiger Gefühlswelten erweisen sich als eine Unmenge neuer Fragen. Nichts lässt sich mehr voneinander abgrenzen, man verwickelt sich in einem unendlich wachsende Geflecht aus multiplen Wahrheiten.
Wie entknotet man das Universum?

Laurène Hayoz
laurene.hayoz@gmail.com 


Major

Mentorat: Déborah Demierre / Patricia Schneider


Quand le sourire devient réflexe, comme un motif.
Nos expressions imprimées en série.
Que reste-t-il sous le camouflage ?

Roshan Adhihetty

Kontakt: contact@adhihetty.ch

Major

Mentorat: Andrea Wolfensberger und Andrea Rickhaus

(An-)Ordnung

Roshan Adhihetty dokumentiert auf seinen Reisen Situationen, scheinbar, wie er sie vorfindet. Zusehends losgelöst von ihrer Verortung, verbindet sie in der wachsenden Sammlung die Ambivalenz, die Adhihetty bei ihrer Betrachtung verspürt und der Fakt, dass sie die Ordnung der Natur durch den Menschen dokumentieren. Zwischen Faszination und Abneigung betrachtet Adhihetty Schnittstellen von organisch und notorisch kontrolliert; Ein zugeschnittener Rasen lässt seine Planung erahnen, ein Baum, zylinderförmig gestutzt, wächst kerzengerade gen Himmel. Der menschliche Eingriff ist omnipräsent, der Mensch selbst bleibt – physisch – abwesend. In der Geometrie suchen die Augen den Ausbruch. Ist Wildwuchs das Unberührte? Spielen Adhihetty’s Bilder mit der Romantisierung dessen in einer höchst strukturierten Welt? Die Frage nach dem Verlauf der Linie zwischen Natur und Kultur ist für ihn zentral. Ist es schiere menschliche Megalomanie, die Welt formen zu können?

Zucht

Adhihetty schafft sous terrain entgegen jeglicher Intuition ein Biotop für tropische Setzlinge. In einem Gefüge von Abhängigkeiten kompensiert er die Abwesenheit von natürlichem Licht in seinem Labor durch LED-Panels, eine Infusion versorgt Avocadokern, Süsskartoffel und Ingwerwurzel mit Wasser. Dieses neue artifizielle Gleichgewicht verlangt nach konstanter Involvierung in Prozesse, die sich in ihrer natürlichen Umgebung selbst regulieren. „Ich habe eine Pflanze gezogen. Kann ich deswegen über sie verfügen?“ Adhihetty schafft eigenartige Hybride durch die Kreuzung von Pflanzensorten. Diese gewaltsamen Verformungen lassen an das Machtgefälle denken, welches jede Art von Ausbeutung – auch jene der Natur – bedingt: Die vermeintliche Überlegenheit über das Andere.

Lassen wir uns auf Adhihetty’s Bilder ein, bleiben wir für einen Moment alleine mit der Pflanze, mit dem Berg und mit der Frage nach Diversität und ihrem Verlust. Solange der Mensch existiert, hat er Einfluss auf die Natur. Was bliebe, wenn wir unser eigenes Habitat zerstörten? Wir würden verschwinden. Ökosysteme würden sich regulieren, auf bekannte oder unbekannte, ungeahnt resiliente Weise. „Seit wann nimmt sich der Mensch als Fremdkörper in der Natur, also abgespalten von ihr wahr?“ Und was passierte im Gegensatz dazu, wenn wir uns wieder als Teil der Vielfalt verstünden? Wir sind hier. Und nun? Wie ein neues Bewusstsein entwickeln für das, was uns umgibt? Für das, was uns bleibt? Adhihetty’s Bildwelt hinterfragt die Hierarchisierung im Blick auf das Andere. Und lädt dazu ein, das Eigene im Anderen wieder zu erkennen.

Dimitra Charamandas

(Ausstellungstext, "Freispiel"2021, Kunstmuseum Solothurn)

Lea Lüscher

Medium/Material/Dimension/Technik: Abgüsse mit Modellgips von Abdrücken in Ton, live-sizeWas bedeutet das Festhalten der Spur des Vorganges? 

Was bedeutet das Einpacken des Körpers in Ton?
Was bedeutet das «sich befreien»?
Wie verhält sich Körper-Zeit?

Mentorat: Andrea Wolfensberger

Lucie Gremaud
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Mentorat Praxis: Marinka Limat
Mentorat Theorie: André Vladimir Heiz

Medium: Installation, Performance
Materialität: Holz, Beton, Boille à lait, Digital druck
Ort: Les Granges, Ch. des bioleires 53, 1635, La Tour-de-trême

Un projet pilote et expérimental effectué au mois de mai, dans le quartier des Granges à La Tour-de-Trême. Je réanime l’épicentre de rencontres qu’était la laiterie des Granges en ouvrant les archives et la mémoire collective. En chemin, je trouve des personnes que j’appelle les « perles » qui co-créent avec moi des événements liés au lieu et au quartier, afin de le réanimer au passé, au présent et au futur, pour toutes générations.
Est-ce que la réanimation d’un lieu de vie telle que cette laiterie parvient-elle à stimuler et inspirer une vie de quartier ? Est-ce que ce projet pilote pourrait servir de méthode et s’appliquer à d’autres lieux ? L’ancienne laiterie des Granges, un projet de réanimation, misant sur la pratique, l'intuition et la co-création.

Weitere Beteiligte:
René Jaquet, Vérène Pittet, Mariely Geinoz, Fiona Rody, Alexandra Rody, Géraldine Chardonnens, Charles Boschung, Jean-François Tornare, Louise Bonnet, Pius Macheret, Sophie Francey, Jacques Rossier, Suzanne Murith

Lucie Gremaud
hey@lucie-gremaud.ch

MentorIn: Gila Kolb & Martin Schick

La résistance est un projet experimental de médiation artistique et culturelle développé pour l'ouverture du Pays des merveilles de la résistance, résidence pour artivistes à Fribourg. Durant une semaine, cinq personnes ont été invité.e.s à parler de résistance dans les cinq différentes pièces de la résidence. Au travers de ses rencontres, nous faisons découvrir les lieux via le compte instagram de la résidence, pièce après pièce. Les invité.e.s sont d′ailleurs, choisis en fonction de leurs liens avec la pièce correspondante à leur invitation.

Programmes et invité.e.s : 
3.1 – Lorraine Perriard, salon de résistance
4.1 – Emil Hofkunst, atelier/Bureau 
6.01 – Céleste Guillet, cuisine
3–7.1 – Lukas, résidence
8.1 – Antoine (ruelles récadentes),bibliothèque anarchiste / salon de résistance côté canapé.

Nous construisons également des archives de réflexions autour du thème de la résistance, qui sont conservées dans ″la boîte noire″. La boîte noire, c′est une boite en carton noir qui comporte une clée usb. Dans cette boîte, nous laissons tout le matériel analogue et digital généré durant les rencontres. Cette boîte reste dans la résidence, afin d'inspirer les futurs résident.e.s résistant.e.s, mais également pour qu′ils puissent à leurs tours laisser une trace, leurs réfléxions ou réalisations dans cette dernière. Ces archives pourront potentiellement être utilisées par l′association RESist, qui s′occupe de la résidence, pour la création d′une publication, un guest book de fin d′année.

Lucie Gremaud
hey@lucie-gremaud.ch

Mentorat: Patricia Schneider

«Le voyage des voeux» est un format de médiation artistique et culturel composé de deux partis, développé en collaboration avec le Musée de Charmey dans le cadre de la 10e triennale internationale de papier - Viviane Fontaine, présentée au musée de Charmey du 27.06.2020 au 28.02.2021. La première partie du projet se compose d′un arbre à voeux public dans le jardin du musée ainsi qu′une station d′écriture, situé à l′accueil du musée. La seconde partie était initialement prévue sous forme de visite guidé d′exposition, incluant des contes audios. Suite aux mesures sanitaires, le format de visite a été annulé, les contes audio ont été diffusés sur le site web et les réseaux sociaux du musée.

Abstract : Vous partez à la rencontre de 5 personnages dans l’exposition de la triennale de papier au musée de Charmey. Ensemble, vous écouterez les précieux récits et les voeux les plus chers de ses cinq êtres. Vous essayerez de les comprendre et échangerez sur une manière de les aider. Finalement, ce sera à votre tour d’écrire un voeu et de l’accrocher au hêtre pleureur dans le jardin du musée, ce qui marquera la fin de votre voyage et le début du voyage de votre voeu.

«Votre attention s′il-vous plaît, dû à la situation sanitaire du COVID-19, le voyage est malheureusement annulé. Cependant, nos cinq correspondants ont tenu à vous raconter leurs histoires. Comme vous ne pouvez pas venir à eux, ils viendront donc à vous.»

Nadja Knuchel
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Seraina Grupp (BA)
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Mentorat Theorie: Simone Etter
Mentorat Praxis: Till Hillbrecht und Florian Bürki

Medium: sound
Materialität: Schallwellen und das Dazwischen
Masse: space

Eine Windböe zieht vorbei.
Ich löse mich auf, soweit ich das in Deiner Präsenz kann. Die Schallwellen ziehen durch meinen Körper hindurch, weiter in den Deinen. Die Impulse von überall, reflektiert von Dir, meiner Wahrnehmung, den Wänden, dem Raum.

listen to the space moving ist eine Aufforderung hinzuhören.
Der Raum, den Du betrittst, ist dunkel und bietet Zugang zu einem Hörerlebnis. Setz Dich hin, schliess die Augen und höre zu. Den Klangraum, den Du nun wahrnimmst, verändert sich kontinuierlich und verflüchtigt sich in dem Moment, in dem er für Dich zu existieren beginnt. Sound ist flüchtig und ebenso sind es die Räume, die wir Dir erschliessen wollen.

Das Audiomaterial dient als Ausgangsmaterial, um Dich mit auf eine Reise zu nehmen. Jedes Hörerlebnis ist ein anderes. So inszenieren Nadja Knuchel und Seraina Grupp in ihren Hörevents diese Zugänge immer wieder aufs Neue.

Da unsere Arbeit nur in einem Raum mehrkanalig über sechs Lautsprecherboxen funktioniert, stellen wir hier kein Audiomaterial zur Verfügung.
Hörerlebnis auf Anfrage.

Seraina Grupp
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Nadja Knuchel (MA)
E-Mail Instagram


Mentorat Theorie: Simone Etter
Mentorat Praxis: Till Hillbrecht und Florian Bürki

Medium: sound
Materialität: Schallwellen und das Dazwischen
Masse: space

Eine Windböe zieht vorbei.
Ich löse mich auf, soweit ich das in Deiner Präsenz kann. Die Schallwellen ziehen durch meinen Körper hindurch, weiter in den Deinen. Die Impulse von überall, reflektiert von Dir, meiner Wahrnehmung, den Wänden, dem Raum.

listen to the space moving ist eine Aufforderung hinzuhören.
Der Raum, den Du betrittst, ist dunkel und bietet Zugang zu einem Hörerlebnis. Setz Dich hin, schliess die Augen und höre zu. Den Klangraum, den Du nun wahrnimmst, verändert sich kontinuierlich und verflüchtigt sich in dem Moment, in dem er für Dich zu existieren beginnt. Sound ist flüchtig und ebenso sind es die Räume, die wir Dir erschliessen wollen.

Das Audiomaterial dient als Ausgangsmaterial, um Dich mit auf eine Reise zu nehmen. Jedes Hörerlebnis ist ein anderes. So inszenieren Nadja Knuchel und Seraina Grupp in ihren Hörevents diese Zugänge immer wieder aufs Neue.

Da unsere Arbeit nur in einem Raum mehrkanalig über sechs Lautsprecherboxen funktioniert, stellen wir hier kein Audiomaterial zur Verfügung.
Hörerlebnis auf Anfrage.

Sophie Grand-Guillaume Perrenoud
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Mentor Praxis: Urs Aeschbach
Mentor Theorie: Prof. Dr. Nadia Radwan

Medium: Dessins et objets
Materialität: Encre de Chine sur papier, papier, carto

Devant moi, il y a des objets, des pièces et des paysages. Je les vois tous les jours, parfois quand je voyage et souvent quand je reste au même endroit. Ils remplissent mon quotidien et le contiennent en même temps. Alors je les dessine avec ce que j’ai sous la main, un crayon ou de l’encre. Mes journées se répètent, je repasse à côté de la chaise, du lac, de la fenêtre.

L'espace comme objet, l'objet comme espace reflète des aspects de mon quotidien et de ce qu'il contient. Je recherche un moment de bascule dans l'anodin, une précision du trait, une simplicité dans le grand et le petit, une pause ou un silence. J'observe et je me souviens.

Maude Gyger

maude.gyger@gmail.com

Major Projekt

Mentorat: Patricia Schneider & Andrea Wolfensberger

"Mue" rassemble deux projets de sérigraphie et de sculpture qui dialoguent ensemble et interrogent l'idée de structure, de matière et de métamorphose au travers de l'élément naturel de la feuille.

website: maudegyger.ch

Kim Käsermann
E-Mail Website Instagram

Mentor Praxis: Flurin Bisig, Christine Reifenberger
Mentorin Theorie: Toni Hildebrandt

Medium: Malerei, Performance
Materialität: Mixedmedia auf Plastik, Leinwand und Papier

Ich gehe vom Körper aus: Mich interessiert die Figur – ihre körperliche Geste, die sich in der Bewegung oder in einem Gesichtsausdruck zeigt.
Meine Intention liegt in der Befreiung des Körpers.
Wo fängt die Figur an? Wo hört sie auf?
Dabei löst sich der Körper auf – er durchbricht und verfremdet sich.
Dieser Durchbruch vollzieht sich nicht nur im Figurativen, sondern auch beim gewählten Material und in der grundsätzlichen Hinterfragung des Formats selbst.

Yola Kneubühler
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Mentorat Praxis: Markus Weiss
Mentorat Theorie: Annette Kranen

Medium: Zeichnung
Materialität: Kohle auf Papier

Die Arbeit erzählt in poetisch, skulpturaler Sprache von meiner persönlichen Auseinandersetzung mit meiner Umwelt. Meine Zeichnungen eröffnen abstrakte Räume, welche die Betrachtenden mitnehmen in eine Welt des Dialogs zwischen Linie und Fläche, Hell und Dunkel, Tiefe und Oberfläche, Konstruktion und Bewegung. Der spielerische Umgang mit verschiedensten formalen Gegensätzen kreiert spannende Verschmelzungen, unerwartete Kippmomente und wirft sicherlich mehr Fragen auf, als dass beantwortet werden.

Laura Streiff
@Loorli

Medium: Tusche auf Leinwand, 2.10m x 1.50m

Die Gratwanderung zwischen Kontrolle und Zufall bildete das Thema meiner Jahresarbeit. Entstanden ist eine prozessorientierte, experimentelle Arbeit mit Tusche.


Mentorat: Karoline Schneider, Urs Aeschbach

Nadine Kunz
nadine-kunz@hotmail.ch
Minor Kunstvermittlung
Mentorat: Myriam Gallo, Andrea Rickhaus

ORGAN is a call for more networking and interdisciplinarity between us.  

In a first phase, needs and statements on the topic of networking between us students at the HKB were collected through numerous discussions between us.
Subsequently, a vessel for more networking and connection between us students was created - it's called ORGAN.
Usually on the last Monday of the month, an ORGAN event takes place. Each event can be something completely different and is led by a different person, i.e. one time we might be invited to go for a walk together on a certain topic, one time there will be a talk about an artwork, one time a guest will be invited, one time a discussion round will be opened, one time we will visit an exhibition together, one time there will be a reading, one time a theater piece, one time a soundinstallation and everything else that can be created by us.

Hugo Ochoa

Kontakt: ochoayaxpac@yahoo.com

Minor Mediale Vermittlung
Mentorat: Renate Höllvart


Das Projekt besteht aus der Produktion einer Serie von Erklärvideos, die Jugendlichen helfen, ihr kritisches Denken weiter zu entwickeln. Das erste Video und Pilot der Serie wird auf didaktische Weise die Phänomene rund um die verzerrte Wahrnehmung (Bias) erklären.

Anika Rieben
anika.rieben@gmx.ch

Mentorat: Anna-Lisa Schneeberger
Minor Mediale Vermittlung


Im Rahmen dieses Minors ist ein Mitmach-Heft zum Thun-Panorama für Kinder und Schulklassen entstanden. Das Wort Panoramania steht für den Höhepunkt der Faszination gegenüber dem Panorama Ende des 19. Jahrhunderts. Das Heft führt spielerisch mit abwechslungsreichen Aufgaben und Hintergründen ans Thun-Panorama und Marquard Wochers künstlerisches Schaffen heran. 

Das Thun-Panorama ist das älteste erhaltene Rundbild weltweit und ist somit ein unglaublicher Kulturschatz. Von 1809-1814 von Marquard Wocher gemalt, wurde es zunächst in Basel im Sterngässlein in einem eigens dafür errichteten Rundbau gezeigt. Seit 1961 ist es nun in Thun im Schadaupark zu bewundern.

Das Heft setzt einen Fokus auf Veränderungen, die die Stadt Thun in den letzten gut 200 Jahren erlebt hat, die Geschichte und Entstehung des Panoramas in Verbindung mit Marquard Wochers Werk sowie auf eine Heranführung an eine genauere Betrachtung des Thun-Panoramas an sich.

Während einigen Wochen war basierend auf Panoramania auch noch eine Mitmachstation in der Cafeteria des Thun-Panoramas 

Anika Rieben
anika.rieben@gmx.ch

Mentorat: Gaël Sapin
Major


Diese Arbeit setzt sich malerisch mit Naturdarstellungen, Wegen und Erinnerungen auseinander.

Eine Fotografie bildet jeweils die Ausgangslage. Im Prozess des Malens fliessen Eindrücke, Erinnerungen an die Atmosphäre ins Bild mit ein.

Das Bild, das die Kamera eingefangen hat stimmt nicht mit meiner subjektiven Wahrnehmung überein.

Beim Malen findet auch eine Kondensation statt. Das Bild wird aufgeräumt - auf das für mich Wesentliche beschränkt.

Der Pfad ist als Motiv interessant, da man sich in einer Transition befindet. Man ist auf dem Weg irgendwohin, hat das Ziel allerdings noch nicht im Blick.

Die Serie hält diese Bewegung gewissermassen an und zwingt die Betrachter*innen zum innehalten.

Kim-Alison Greminger
E-Mail

Mentorinnen Praxis: Patricia Schneider, Andrea Wolfensberger
Mentorin Theorie: Priska Gisler

Material: Mit Silber-Pigment überzogene Trachtensträusschen, Leinen, Samt und Seide
Masse: 85 x 50x 100 cm


Warum wird heute noch Tracht getragen? Gibt es Veränderungen und Anpassungen der Tracht von Trägerinnen an heutige Bedürfnisse?

Ich begab mich mittels Literatur Recherche und drei Interviews mit Trachtenträgerinnen, in meiner theoretischen Arbeit auf die Suche nach Veränderungen der Tracht. Mir begegnete dabei ein Dilemma zwischen Schutz des Kulturgutes und Veränderung, das Pendeln zwischen Reglementierung und Freiheit. Meine künstlerische Arbeit ist ein Sinnbild meines Standpunktes, nach meiner forschenden Auseinandersetzung mit der Thematik der Berner Frauen-Tracht.

Eine Auseinandersetzung mit dem Smartphone als Instrument der anderen Konversation, der Überwindung von Distanz und dem Erleben von Gleichzeitigkeit.Die Werkgruppe entstand während dem ersten Lockdown 2020 und beinhaltet folgende Werke: Inkjetprint 160 x 84 cm, 50 Panzerfolien, Textbeitrag.

Viviane Stucki

Araya Asia De Rossi 

Kontakt: araya.derossi@gmail.com


Major

Mentorat: Baum Jacqueline und Rickhaus Andrea

Sicuro che avrò tutto di cui ho bisogno? | Tu es sûre que j'aurais tout ce qu'il faut? | Bist du sicher, dass ich alles haben werde, was ich brauche? ist ein partizipatives Projekt, bei dem die Teilnehmer auf der Plattform Zoom gemeinsam kochen, diskutieren und essen. Das Medium, die Art der Zutaten ist das, was wir gemeinsam haben, und durch sie diskutieren wir in etwa anderthalb Stunden verschiedene Aspekte, die von unserer Stimmung, unseren persönlichen Erfahrungen und dem Vergleich mit den anderen Teilnehmern abhängen. Die diskutierten Aspekte können aus den unterschiedlichsten Bereichen stammen, von Politik, Wirtschaft, Alltagsbeobachtung, Geschlechterfrage, Klimaproblematik und mehr. Das Erlebnis wirft auch die Frage auf, welche Rolle die Dokumentation in der heutigen Kunstwelt hat, ob diese mehr wert hat als das Erlebnis selbst. Ein kollektives Erlebnis kann als fertiges Objekt betrachtet werden, aber, da es von Menschen gemacht wird, sollte es kein vordefiniertes Format haben, sondern muss sich mit der Gemeinschaft selbst entwickeln können. Aus diesem Grund ist das Projekt immer noch am Laufen und ein Werkzeug, um diese Fragen zu reflektieren, zu entwickeln oder Antworten zu finden. Wenn Sie Interesse haben und mitmachen wollen, kontaktieren Sie mich bitte! 

Ksenia Sadilova
E-Mail

Mentorinnen Praxis: Regina Dürig, Patricia Schneider
Mentorin Theorie: Regina Dürig


«Récits de mémoires et de savoirs»: Livre
«Souvenirs cuisinés ou la cuisine des souvenirs»: Installation avec livres, bouilloire, thé, tasses, étagères métalliques, table, chaises

Partie d'une envie de cuisiner avec des personnes qui m'entourent : des amis et leurs amis, des étudiants, des collègues de travail, j'ai voulu écouter leurs histoires pendant que je hachais de l'ail, les relier dans ce livre d'artiste. L'objectif était de nouer des liens avec eux autour d'un repas, puis de tisser nos histoires ensemble dans le cadre d'un projet d'écriture et de narration. Nous nous sommes rencontrés et réappris à nous connaître dans leurs cuisines personnelles et nos histoires se sont croisées. Ce que j'ai essayé d'accomplir avec ce projet de master, c'est de raconter les histoires qui se déroulent dans les cuisines d'aujourd'hui et qui font partie des architectures ou des espaces de la mémoire. Et maintenant, je voudrais que vous pensiez à un plat magique-souvenir. Prenez quelques secondes et réfléchissez à un plat que vous pourriez cuisiner, celui qui déclencherait un récit. Quelles relations pourriez-vous cuisiner ? Quels liens avec votre entourage ? Quels endroits ?

Michelle Siegenthaler

Kleider häufen sich in unseren Kleiderschränken viel zu schnell an, ohne dass sie danach auch wirklich getragen werden. Wie kann diesem ganzen Kleiderüberproduktionszyklus entkommen und dennoch das Bedürfnis nach neuen Kleidern gestillt werden? Durch das Aneignen einer Strategie, mich von der Produktion von Neuem fernzuhalten, auch auf der technischen Ebene gesehen, eignete ich mir die Dating Plattform Tinder an und gründete SWAP-Tinder. SWAP-Tinder ist eine Kleidertausch-Aktion, welche das Austausch- und Swipe-Prinzip von Tinder übernimmt. Es geht darum ein Kleidungsstück gegen ein anderes zu tauschen, um den Kleiderschrank schlussendlich nicht voller, sondern variierender zu machen.

Link zur SWAP-Tinder Website: https://swap-tinder.wixsite.com/swap-kleidertausch

Mentorat: Roland Roos

Lena mahogy
Kontakt: lena@mahogy.de
Major 2021
Mentorat: Andrea Rickhaus und Milena Krstic

I just want to be loved_ft. SLIPS
Eine zoom-Bestandsaufnahme. mahogy hat sich im Rahmen ihres pseudo-spirituals "I just want to be loved" ein weiteres Mal eine Auseinandersetzung mit unserer liebesberauschten, symbolgetränkten, popdurchnässten, biologistischen Welt geliefert. "There is a coincidence to be more x or y."
tools for staying alive: In dieser global pandemisierten Welt kommt es umso mehr darauf an WO du dich aufhälst. BIG DATAs of Zuneigung und gegenseitiger access zu emotionalen Haushalten gleichen virtuellem fast food. SLIPS, das queere_pop_punx_duett, hier in physisch getrennter Form zu sehen, findet sich wieder in einem Lovesong und versetzt uns in eine Zeit von prä-coronaler, aber auch prä-High-Definition Ära der späten 2000er. Zwischen digitalen Coming Outs und knutschenden Emojis, fragt sich mahogy einmal mehr: "What is love?" (Haddaway)  "Every atom of me, every element of me seems to resonate, seems to reflect the great world around me. So, I've come to the conclusion that this manifest world, how it works today with all this frontiers can just be continued with love songs." (frei zitert nach ANOHNI)

Hugo Ochoa

Kontakt: ochoayaxpac@yahoo.com

Major

Mentorat: Kathrin Schmid und Hugo Ryser

Descrition

Music video that deals with the theme of detachment. Our lives are marked by cycles. Life and death, creation and destruction, beginning and end are part of our lives. Facing the end of a cycle, the death of a loved one, the destruction of a sacred space, can lead us through spirals of pain that are not always easy to overcome. Music and images reflect on the emotions related to any kind of loss trying to go beyond what words can't express and reason can’t understand. After the fall of our civilization, life will continue to regenerate and reinvent itself.  

Synopsis
The framing of a camera in constant zoom out reveals a story that is updated in another one. Stories inside stories: A sacred forest in flames, the loss of our center, an alienated culture that has lost its connection with nature, the kitsch of art, 2 guys singing blues in a bar after the end of the world, art as catharsis, the death of a loved one, emotional detachment, a guitar solo that closes a cycle and opens a new one, the hope that makes its way like a root that slowly breaks the concrete. All these simultaneous narrative lines converge to the rhythm of the music.


 

Barla Pelican
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Mentoren Praxis: Manuel Burgener, Michael Mischler
Mentorin Theorie:

Medium: 2 Videos, 1 Objekt

Die Arbeit beschäftigt sich mit körperlichen und psychischen Zuständen. Sie hinterfragt, wie sie zustande kommen, wie sie sich anfühlen und was die Auslöser dafür sind. Wie stark kann man sie beeinflussen und ausgleichen?

Eine Sammlung von 30 Begriffen sind dabei relevanter Bestandteil.
Diese Begriffe werden durch autoethnografische Texte in der Theoriearbeit untersucht und bilden eine wichtige Ergänzung zu den zwei ausgestellten Videos und dem Objekt.

Leonie Beck

Audioinstallation (Audioloops 9’38''-27’03’’)
Analoge Fotografie (Minolta x700, Ilford HP5 Plus 400 S/W)

Auf acht Kopfhörern sind unterschiedliche Senior*innen zwischen 70 und 95 Jahren zu hören. Sie beleuchten aus subjektiver Perspektive die Thematik des Wohnens und geben sehr persönliche Einblicke in ihre Vergangenheit, ihr gegenwärtiges Leben und diskutieren zukünftige Wohnoptionen. Die Installation bietet eine Auseinandersetzung mit dem Thema Wohnen im Alter aus unterschiedlichen Perspektiven betroffener Personen. Ein Fotoalbum gibt ergänzend einen visuellen Einblick in die verschiedenen Räumlichkeiten der Sprecher*innen.

Mentorat: Patricia Schneider

Nora Ryser

illu@noraryser.ch

Major

Mentorat: Patricia Schneider

«vorgestern das letzte mal über mich selbst gelacht» ist ein Buch à 100 Seiten, bei einer Kleinstauflage von 15 Exemplaren, gedruckt mit dem Risographen im Druckatelier der HKB und von Hand fadengebunden. Es ist eine Sammlung, Neugegenüberstellung, Übersetzung von Texten und Bildern aus meinen Skizzenbüchern aus den Jahren 2008 bis 2020.

Das Buch ist online einzusehen unter: https://issuu.com/noraryser/docs/1-vorgestern-das-letzte-mal-issu

Luzia Schifferle
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Mentorat Praxis: Luzia Hürzeler
Mentorat Theorie: Priska Gisler

Medium: Video-Projektion
Materialität: 2-Kanal Videoinstallation mit Ton
Masse: HD, 16:9

Tut Wald gut? - Eine multiperspektivische Annäherung an den Erholungsraum Wald

Wie tut uns Wald gut?
Tun wir Menschen dem Wald gut?
Wie ist dieses Verhältnis in einem Stadtwald, wo Kulturraum und Natur eng verbunden sind?

Ich habe mit Menschen gesprochen, die sich beruflich mit dem Wald beschäftigen und habe künstlerische Arbeiten untersucht, die das Thema Wald in den Fokus nehmen. In meiner praktischen Arbeit entstand eine Installation aus Video- und Tonmaterial, das während verschiedensten Waldaufenthalten gesammelt wurde.

Im Fokus steht meine eigene Wahrnehmung des Waldes und der menschliche Einfluss auf diesen Ort. Dabei ist eine multiperspektivische Betrachtung des Waldes entstanden, die die verschiedenen Ansprüche an den Ort aufzeigt.

Nadine Andrey
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Mentorin Praxis: Jacqueline Baum
Mentorin Theorie: Yvonne Schmidt

Dreimal 30-teilige fotografische Serien, Inkjet auf Fotopapier; Video: 4 Minuten; Vier Interviews mit Familienmitgliedern, Textdokumente

Auf der Suche nach Möglichkeiten, das täglich erlebte Wetter in eine Ordnung zu bringen, und um zu einer Übersicht dessen zu gelangen, wird hier eine fotografische Sammlung vom Wetter an den dreissig Tagen des Monats April 2021 auf der Allmend in Bern gezeigt. Das Ziel: Die Schönheit des unterschiedlichen Wetters in der Schweiz festzuhalten und gleichzeitig auf dessen Veränderung in den letzten Jahrzehnten – mit nicht geringen negativen Einflüssen auf die Natur – hinzuweisen. Geweckt werden soll das Gefühl der Wertschätzung für und der Ehrfurcht gegenüber dem unterschiedlichen und auch dem schlechten Wetter als eine unmittelbare Verbundenheit der Menschen mit der Natur. Denn es braucht Regen und Wind und Kälte genauso wie Sonne und Wärme, damit es der Natur gut geht. Damit soll unsere Verantwortung für unsere Umwelt verdeutlicht werden.

Noah Krummenacher
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Mentoren Praxis: Stefan Sulzer und Roland Roos
Mentor Theorie: Prof Dr. Peter J. Schneemann

Medium: Videoperformance
Materialität: Video


Laub wird in Abfallsäcke gepackt, Hecken werden zu Würfeln geschnitten, Bäume werden mit Holz stabilisiert, Blumen werden mit Gittern abgesperrt, Wälder werden im Raster angepflanzt.
An welche Art von Umgang mit unserer Umgebung haben wir uns gewöhnt? Was passt in unsere Vorstellung von sinnvoller Arbeit?
In performativen Interventionen greife ich in den öffentlichen Raum ein und bewege mich zwischen unerwünschtem Eingriff und Fürsorge, zwischen Mystifizierung und Absurdität. Die Videoperformances verweisen auf einen Umgang mit Umgebung, welcher immer leicht falsch ist, war und es wohl immer sein wird. Unkommentierte Spuren hinterlassend wird die Videoaufzeichnung gestoppt und der Prozess der Interaktionen kann weitergehen – ohne festgehalten zu werden.

Nadine Kunz
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Mentorat Praxis: Maya M. Carroll, Leila Peacock
Mentorat Theorie: Tine Melzer
Weitere Beteiligte: Melisa Su Taşkıra

Medium: Video-Projektion, Audio, Perfromance, Text
Materialität: diverse
Masse: diverse

YOU ARE HERE is a call, a statement, an assertion, an evidence. an invitation, a mantra.

The focus of this work is the examination of the
relationship between body and space. YOU ARE
HERE explores the spaces in between, the fields of
tension and the relations between different positions
and volumes, which are constantly changing.
The question of simultaneity, of subjectivity and
objectivity, and the shifting of perspectives, are
central.

Maude Gyger

maude.gyger@gmail.com

maudegyger.ch

Minor Kunstvermittlung

Mentorat: Daniela Keiser & Céline Cerny

Zbidn est un projet participatif qui a comme objectif  d’échanger entre différentes cultures et régions de Suisse au travers du dessin. Pendant un mois, la Suisse  alémanique, la Suisse italienne et la Suisse romande  ont réalisé des œuvres à partir d’un conte traduit  dans les trois langues avec comme seule consigne, une couleur propre à leur région. Cette expérience donne  naissance à cette publication, qui rassemble l’ensemble  des dessins reçus par courrier. 

Das partizipative Zeichnungsprojekt Zbidn fördert den  kulturellen und regionalen Austausch der Schweiz.  Die deutsch-, italienisch- und französischsprachigen  Regionen der Schweiz schaffen während einem Monat Zeichnungen, die auf einem in diese drei Sprachen  übersetzten Märchens, basieren. Die einzige Vorgabe  ist es mit einer spezifischen Farbe für die jeweilige Region zu zeichnen. Diese Publikation ist das Ergebnis dieses  Experiments und sammelt die per Post eingegangen  Zeichnungen.

Zbidn è un progetto partecipativo il cui obiettivo è lo  scambio tra diverse culture e regioni della Svizzera  attraverso il disegno. Per un mese, le regioni della Svizzera tedesca, italiana e francese hanno creato opere basate su un racconto tradotto in tre lingue, con l’unico requisito  di un colore specifico della loro regione. Il risultato di questo esperimento è questa pubblicazione, che raccoglie tutti i disegni ricevuti per posta.

Carol Gurtner
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Mentorin Praxis: Sandra Lemp
Mentorin Theorie: Nadia Radwan

12 Skulpturen, diverses Material

Fein, warm, kratzig, isolierend, formbar, bunt.
Was mir in die Hände kommt, wird verwebt, versponnen, verspielt.
Fasern, Garn, Kleidungsstücke.
Ich lasse mich treiben von den Eigenschaften und Eigenheiten der Materialien und Objekte, eigne mir textile Techniken an, entziehe sie jeglichem Nutzen und gewohntem Gebrauch.
Die Textilien werden zu Hüllen, zu Körpern, zu Bildern an der Wand und Zeichnungen im Raum.
Sie müssen nichts.

Salima Hänni
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Julia Barandun
E-Mail

Mentorinnen Praxis und Theorie: Seraina Dür und Gila Kolb

Gattung: Forschung, Schulentwicklung, Vermittlung 
Medium: Publikation 
Masse: A4 

Zukunft lernen 
Schule verlernen
Eine explorative Studie für die Schule von morgen mit Akteur:innen von heute 

In dieser Forschungsarbeit untersuchen die Autorinnen schulentwicklerisches Potenzial mit einem qualitativen Setting. Sie zeigen exemplarisch, wie sich Akteur:innen der Schule 2021 die Schule der Zukunft vorstellen und wünschen. In zwei verschiedenen Zukunftswerkstätten, welche als Erhebungsmethode genutzt wurden, imaginierten Schüler:innen und Lehrpersonen in Gruppen Vorstellungen und Szenarien für die Schule der Zukunft und setzten diese in einem Modell gestalterisch um. Zentrale Punkte der Erhebung werden in Bezug zur aktuellen Literatur diskutiert. Es hat sich gezeigt, dass für die Schule der Zukunft das «Wohlbefinden» und das Lernen für das «echte Leben» relevant sind. Um dies zu erreichen, ist es nötig, dass der Unterricht stärker individualisiert und Strukturen und bestehende Hierarchien verlernt werden. Du willst die Schule von morgen gemeinsam mit deiner Schule erfinden? Lade dir das Tool für die Planung einer Zukunftswerkstatt herunter und werde aktiv. 

Jasmin Wüthrich
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Mentorinnen: Anja Braun und Romy Troxler

Ich reagiere auf Material. Es ist mein Speicher. Ich transformiere es zur Landschaft. Ich arbeite an seiner Geschichte. Und erkenne es nicht wieder. Es hat eine neue Identität.

April und Mai 2021

Pia Zühlke
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Mentorin Praxis: Andrea Wolfensberger
Mentorin Theorie: Andrea Rickhaus

Interaktive Installation bestehend aus
1.
Cartonschachteln, eine Handlungsanweisung
2.
Zwei Therabänder unterschiedlicher Stärke, eine Handlungsanweisung
3.
Signaletik auf Folie aufgedruckt und auf Metallplatte geklebt, eine Handlungsanweisung
4.
Ein Spiegel und ein Stuhl, eine Handlungsanweisung + schriftliche Arbeit mit Dokumentation
5.
Ein übermalter Massstab auf einem Werkstatttisch mit Rollen, eine Handlungsanweisung

Im Verlauf der Auseinandersetzung mit dem Thema hat sich meine persönliche Wahrnehmung der Resilienz stetig verändert. Wenn die Resilienz zu Beginn der Arbeit mit dem Begriff «Widerstandsfähigkeit» gleichgesetzt wurde, dann hat sie sich in meinen Augen in der Zwischenzeit weit davon entfernt. Widerstand bedeutet schliesslich, gegen etwas standhalten, bzw. anzukämpfen, als Ausdruck eines Schutzmechanismus. Mit Rückblick jedoch auf den Forschungsstand aus der psychotherapeutischen und sozio-ökologischen Perspektive über die Resilienz, sowie auf die eigenen Schlussfolgerungen der erarbeiteten Zusammenhänge zwischen Resilienz und Kunst, ist das Standhalten als Ausdrucksform nicht mehr präsent. Vielmehr verstehe ich in der Zwischenzeit Resilienz als ein Konzept, welches mit den widrigen Umständen zusammenarbeitet, als dass es gegen diese kämpft. In meinen Augen verkörpert und visualisiert der Gaga-Stil von Ohad Naharin mit seiner intuitiven und fluiden Bewegungssprache dieses Konzept des Zusammenspiels. Zum aktuellen Zeitpunkt erfahre ich die Resilienz als einen immerwährenden Tanz, ohne Regeln oder System, immer im Wandel und nie statisch.

Recycling impliziert eine Transformation des verbrauchten Materials, was zur Bildung von Objekten führt, die eine Vielzahl von Materialien enthalten, welche viele verschiedene Geschichten tragen. Recycling ist also auch eine Sammlung von Erinnerungsfragmenten und Geschichten. In seinem Animationsfilm «L’impeccabile erede: cortometraggio d’animatione cutout utilizzando carte di riciclo» präsentiert uns Kiryl Hramadka eine kleine Tragikomödie zu Fragen über Leistungsgesellschaft, Erwartungen und der Identität eines Individuums. Dabei schafft er es eine Stimmung zu erzeugen, die einen bleibenden Eindruck hinterlässt.

Noëlle Asmara Bigler
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Mentorat Praxis: Daniela Keiser
Mentorat Theorie: Francesco Miciel

Medium: Installation
Materialität: Baumwollstoff, Nylonschnur
Masse: 11-teilige Serie in diversen Grössen, raumvariabel.
Künstlerheft: 160 mm × 220 mm
Ort: Fellerstrasse 11, Raum 229

Raum ist ein persönliches Bedürfnis des Menschen. Es geht um ein Nachdenken über das Sitzen, die Möblierung und die Architektur des öffentlichen Raumes. Anhand dieser Gedanken und Beobachtungen entstand eine Resonanz. Eine Resonanz in Form von abgeformten Negativabdrücken der gefundenen Sitzgelegenheiten: Freies mobiles Sitzdesign, Guerilla Sitzdesign und defensives Sitzdesign. Dabei standen nicht nur die Konturen im Fokus, sondern auch menschliche Proportionen, Relationen und das Volumen. Die Skulpturen stehen für sich und sind durch Zeichnungen auf den öffentlichen Raum zurückzuführen. Die Arbeit hat nicht den Anspruch eine Kritik an der Sitzkultur in Bern zu sein. Vielmehr ist sie eine Bestandsaufnahme dessen, was sich finden lässt. Es darf und soll anregen, sich Gedanken über den öffentlichen Raum und dessen Aneignung eines kulturellen Sitzens zu machen.

Nadja Knuchel

nadja.knuchel@hotmail.com

Mentorat: Roland Roos

Technik: 5-minütige Audioaufnahme, Lautsprecher

Während 18 Nächten habe ich meine Schlafgeräusche und Sprechphasen im Schlaf aufgenommen. Ich wusste, dass ich im Schlaf spreche und erhoffte mir, etwas über mich und meine künstlerische Arbeit herauszufinden, die meine Fragen zur Kunst klären könnten. Die unkontrollierten Sprechmomente wirken ehrlich und direkt. Auf der Aufnahme hört man mich lachen, laut atmen, vollständige Sätze sagen, die ich oftmals mit Erlebnissen in Verbindung bringen kann.

Lara Caluori
lara.caluori@gmail.com

Mentorat: Roland Roos

Installation mit Klebefolie, Brief mit Text


Der Raum 214 an der HKB ist 15 000 mal kleiner als das Gebiet im schweizerischen Nationalpark, über welchen sich Armillaria ostoyae erstreckt. 

Alle Präsentationsteilnehmenden erhielten einen Brief mit einem Text zu Armillaria, dem riesigen Baumpilz. Die Arbeit besteht aus der Installation im Raum (Koordinaten NSOW, dem Kartenmassstab 1: 15 000) und dem Text. 

Durch ein familiäres Erbe gelang Jaël Zürcher an einen grossen Fundus an Skizzen, Malereien und Druckgrafiken der Solothurner Künstlerin Amanda Tröndle-Engel. Begleitet von einzigartigen Dokumenten, Fotos und Briefen, gewährt sie dem/der Betrachter*in einen Blick in das aussergewöhnliche Leben der Künstlerin und Kunstvermittlerin und setzt deren Schaffen gekonnt in einen kunsthistorischen Kontext. Damit leistet Jaël Zürcher einen wichtigen Beitrag zur Etablierung von Frauenfiguren in der Kunstlandschaft Schweiz und verschafft so der Künstlerin die Aufmerksamkeit, die sie verdient.

Was ist Zeit? In einer düsteren Bibliothek sehen wir einen alten Mann, der verzweifelt in seinen Büchern nach einer Antwort zu eben dieser schwierigen Frage sucht. Er ist der Protagonist von Leandro Rysers und Kilian Schönenbergers Maturaarbeit «Tempus – A Short Animation Film about Time and Truth». Denn auch sie stellen sich mit ihrer Arbeit dieser Frage und eröffnen dem/der Betrachter*in eine märchenhafte Darstellung der menschlichen Neugierde und der unendlichen Suche nach Wahrheit.

Angela Krüse
Kontakt: angela.kruese@gmx.ch

Mentorat: Josef Loretan

Technik: gedrehter und ungebrannter Ton, Sperrholzplatten dunkelbraun beschichtet, mit Prozessspuren
Format: Tonobjekte in unterschiedlichen Formen 2-18cm hoch, Platten: 280x280x6mm

40 Zylinder
Man nehme 800g Ton,
befestige eine Platte auf der Drehscheibe,
drehe den Ton zu einem Zylinder, 20cm hoch und 10cm im Durchmesser,
putze die Platte mit einem Schwamm,
schneide den Ton mit einem Draht ab
und lasse die Platte mitsamt dem Zylinder aus Schulterhöhe fallen.

Fanny Delarze
fannydelarze@gmail.com

Mentorat: Jacqueline Baum

Minor Kunstvermittlung


En 2018, la Ville de Fribourg a installé un grillage de sécurité sur le Pont de Zähringen afin d'empêcher le suicide depuis les longueurs du Pont. Nous voyons ces grillages comme un appel à projets artistiques.

"A Pink Elephant In The Room" est un projet socio-culturel de Pia Zühlke et Fanny Delarze. Il vise à organiser des interventions artistiques autour du Pont de Zähringen à Fribourg en partant du tabou du suicide pour aborder les thèmes de sécurité, d'esthétique et d'architecture urbanistique.

Un programme artistique sera mis en place avec des acteur.trice.s de Fribourg et chaque intervention aura un public cible différent.

Hanna Wächter

Mentorat: Daniela Keiser

Medium, Dauer: Videoarbeit bestehend aus drei Versionen, 03:18’, 02:09’ und 05:02`

Motiv
Das Haus.
Bietet Schutz und Geborgenheit wie der Mutterleib.
Leben, Autonomie, Eigenständigkeit, Sicherheit, aber auch Abhängigkeit, Unfreiheit, Stagnation,
Tod.

Ein grosser Teil unseres Lebens spielt sich in Häusern ab. Im Elternhaus, im Schulhaus, im
Kaufhaus, im Gotteshaus, im Ferienhaus, im Krankenhaus, im Kunsthaus, vielleicht im Frauen-,
Herren- oder Zuchthaus.
Häuser sind mit ambivalenter Symbolik aufgeladene Objekte. Wenn ein Haus abgebrochen wird
kommt es zur brutalen Verletzung der Grenze zum Privaten, Schutz und Geborgenheit werden
zerstört oder aber es entsteht der Eindruck eines Befreiungsschlages, bei welchem einengende
Mauern, die uns an einem Ort und indirekt in einer Lebensform festhalten niedergerissen werden.
Darüber hinaus lässt sich das Thema Hausabbruch unter vielen weiteren Blickpunkten betrachten.
Zum einen ist die ästhetische Ebene sehr kraftvoll, durch den Akt der Zerstörung und die
zahlreichen ephemeren An-, Durch- und Einblicke eines Hauses, die sich beim Abbruch ergeben.
Die angebrochenen Räume erinnern an ein Puppenhaus oder an Kulissen, die Platz für
Inszenierungen bieten, gleichzeitig wirft ein Hausabbruch auch unvermeidlich politische Fragen
nach dem Materialverschleiss oder der Gentrifikation auf.

Konzept
Der Ausgangspunkt dieser Videoarbeit ist das Interesse an der Beeinflussbarkeit der menschlichen
Bildwahrnehmung. Je nach Kontext, in den ein Bild gesetzt wird, werden unterschiedliche Aspekte
des Bildes sichtbarer (z.B. kann klassische Musik eine gewisse Leichtigkeit und Eleganz in der
Bewegung des Baggers hervorheben). Gerade beim Medium Video können mit demselben
Bildmaterial leicht durch den Ton und durch den Schnitt (z.B. mit Ausschnittwahl,
Geschwindigkeitsveränderung oder Bildabfolge) unterschiedliche Wirkungen erzielt werden, so
dass verschiedene Inhalte angedeutet und Stimmungen evoziert werden.
Aufgrund der vielfältigen Aspekte, welche das Thema Hausabbruch beinhaltet bot es sich sehr gut
als Motiv an für dieses Videoprojekt.

Milena Joy Eliane Lahoda
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Mentorat Praxis: Patricia Schneider
Mentorat Theorie: Toni Hildebrandt
Weitere Beteiligte: Matthias Lahoda, Angela Ehrsam

Kunstgattung: Illustration
Medium: Installation
Materialität: Beamer

Am 16.03.2020 wurde durch die Corona-Pandemie in der Schweiz die ausserordentliche Lage ausgerufen. Dies fiel auf den Beginn meiner Bachelorphase, die ich nun in einer vom Bundesrat empfohlenen Selbstquarantäne verbringen durfte. Davon ausgehend, beschäftigte ich mich mit meinen persönlichen, emotionalen Erfahrungen in dieser Zeit und versuchte sie zeichnerisch erfahrbar zu machen. Der Figur ist in der detaillierten Umgebung immer dem Laptop gegenübergestellt. Sie hängt durch das Kabel an ihm, wie das Kind an der Nabelschnur der Mutter – komplett abhängig. Er verbindet sie mit einer Realität, die nicht mehr möglich ist, gefüllt mit sozialem Kontakt und Nähe.

Emma Louise Fankhauser
E-mail

Mentorat Praxis: Matthias Wyss, Francesco Micieli
Mentorat Theorie: Francesco Micieli

Publikation, Zeichnung, Text
Materialität: Farbstift auf Papier
Masse: A4
Ort: Bern

Durch die Zeichnung und den Text umkreise ich den Begriff der Angst aus meiner eigenen Perspektive. Mich interessiert Angst sowohl als Grundemotion wie auch als Atmosphäre. Das Thema der Angst finde ich spannend, weil es ein Gefühl ist, das sich nicht als Körper/Ding zeigen lässt. Es braucht aber einen Körper, um einen Ausdruck zu finden. Es geht um starke Emotionen des Menschen, die sich auf verschiedene Weisen äussern können. Für mich selbst ist die Auseinandersetzung mit der Angst nicht therapeutisch. Ich bin auf der Suche nach meinem eigenen Zugang zu diesem unsichtbaren Ding, das ich neben der aktuellen Situation auch sonst überall antreffe. Das Zeichnen und Schreiben bieten mir dabei die Möglichkeit, das Thema zu erkunden und darauf zu reagieren. Aus meinem Notizheft: «Neue Gedanken entwickeln sich, wenn ich mich bewusst mit der Angst auseinandersetze und dazu meiner Hand die Gelegenheit gebe, spontan darauf zu reagieren.»

Nina Kurth
Kontakt: nina.kurth93@hotmail.com

Mentorat: Valerian Maly

Technik: Performance, Videocollage
Format:  Performance 14 Minuten, Video 11:44 Minuten

Die Redewendung „Auf der Spitze der Welt“ ist voller Eifer und Begeisterung. Als ob nichts besser sein könnte, als 90° nördlicher Breite zu stehen. In Wirklichkeit ist der entfernte Nordpol der Erde kalt und karg, eine unwirtliche Region aus Eis und Schnee. Das letzte „Unentdeckte“ zu finden, wurde im 19. und 20. Jahrhundert zu einer Obsession für europäische und amerikanische Entdecker. Aber niemand wusste, dass es bereits kurz zuvor von einer Frau entdeckt wurde.

Pascal Graf

Kunstgattung: Kunst
Medium: Publikation
Materialität: Papier
Masse: A3

Mentorat Praxis: Matthias Wyss
Mentorat Theorie: Francesco Micieli

«Auf der Durchreise» ist der Versuch, eine eigene Geschichte mithilfe von Bildern und Wörtern zu erzählen. Inhaltlich folgt die Erzählung einem bärtigen Protagonisten durch die Natur, an Hindernissen vorbei, zu Zivilisationen und stösst dabei auf einen Konflikt, in dem es keine Sieger geben wird. Die Umsetzung bedient sich bei den stilistischen Merkmalen des Graphic Novels, hinterfragt dieses, verhandelt sie neu, setzt sie ein oder verzichtet ganz darauf. Im Kern verfolgen alle diese formalen Entscheidungen das Ziel, die Geschichte so klar und spannend wie möglich zu erzählen.

Auf dieser Seite befindet sich ein Zwischenstand dieser Arbeit, welcher einen Einblick geben kann, aber nicht als abgeschlossenes Werk betrachtet werden sollte.

Nina Trüssel
Kontakt: nina.truessel@gmail.com

Mentorat: Ursula Jakob

Technik: Tiefdruck

Die Majorarbeit "Aus dem Bett" folgt einer 15teiligen Portraitserie, einem Schlafarchiv, welches den Schlaf von 15 Übernachtungsgästen in einem Hotel dokumentiert. In der Weiterführung steht in den Arbeiten das Verwachsen von Haaren, Pilzen und Pelz in Kombination mit der Technik der Ätzradierung im Zentrum. 

Brigitte Feller
buerofuerfolgendes@hotmail.com

Minor Y Transdisziplinarität

BFF - das Büro für Folgendes ist ein Unternehmen, dass sich für neue Kunsträume mit partizipativen Kollaborationen interessiert und auf einer mobilen Basis gründet. BFF* ist unabhängig, jung und dynamisch. Als performative Agentur arbeitet BFF für aussergewöhnliche Ereignisse mit externen Partner und Partnerinnen zusammen.
BFF ist ein zuverlässiger Dienstleister für unkommerzielle Eventorganisation und packende Live-Kommunikation: garantiert ereichnisreich, leidenschaftlich und einmalig.


*BFF steht auch für Best Friends Forever und findet umgangssprachlich in der heutigen Jugendkultur Verwendung.  

Anika Simone Rieben
E-mail

Mentorat Praxis: Daniela Keiser
Mentorat Theorie: Jacqueline Baum

Videoinstallation
Medium: Fotografie, Zeichnung, Video, Audio, Kartenmaterial
Materialität: Video
Masse: HD 16:9
Ort: Bern

In meinem Heimatdorf ist das Thema Wasser für mich sehr präsent – sei dies in Form des schwindenden Schnees, des dahinschmelzenden Permafrosts auf der «Plaine Morte» oder Überschwemmungen unterschiedlichster Ursachen. Ich habe mich in dieser Arbeit auf Gewässerveränderungen an der Lenk fokussiert und mich in meiner Recherche sowie dem Aufbau eines Materialarchivs sowohl auf historisches Material, als auch auf aktuelle Phänomene gestützt. Die daraus entstandene Videoarbeit setzt sich aus kartographischen und zeichnerisch animierten Elementen, sowie aus vor Ort aufgenommenen Fotografien, Videos und Wassergeräuschen zusammen. Ich suche nach gemeinsamen Strukturen, lasse sie ineinander überfliessen oder abrupt erlöschen – stürze mich in die Immersion.

Michelle Siegenthaler

Mentorat: Josef Loretan

Material: 50 Meter langes gelbes Sickerrohr, mit einem Durchmesser von 10 cm
Medium: Aktionskunst, von Performance bis Installation

Aus der anfänglichen Auseinandersetzung mit der Form und der Struktur einer Baumnuss bildete sich eine abgeänderte und weiterentwickelte Arbeit, bei welcher der Ausgangspunkt ausschliesslich als Inspiration und Gedankenanstoss diente. Mit einem 50 Meter langen Rohr, welches einen Durchmesser von 10 cm besitzt, machte ich mich auf den Weg. Der immer wichtiger werdende Gedanke, der sich während des Prozesses herauskristallisierte, nämlich das Einbeziehen des Betrachters und dem öffentlichen Raum, bekam in einer Performance ihren Ausdruck. Die Aktionskunst beschäftigt sich damit, in der Öffentlichkeit einen Verbindungsraum zwischen der Umgebung, dem Objekt und dem Menschen zu schaffen. Dem Gegenüber wollte ich einen Erfahrungsmoment schenken, welcher einen Gegenpol zum Alltag und den alltäglichen Gedanken bildet.

Elia Schwaller

Kunstgattung: Vermittlung
Medium: interaktives Video
Materialität: Video
Masse: HD

Mentorat Praxis: Jacqueline Baum
Mentorat Theorie: Peter Radelfinger

«Bleiben Sie zu Hause, gehen Sie regelmässig an die frische Luft!». Der Ausnahmezustand hat viele Menschen in die Natur gelockt. Im interaktiven Video Das Fell der Erde lade ich dich ein, mit mir zusammen raus zu gehen und die Wahrnehmung von Pflanzen zu erkunden. Ich möchte dir vom Gras im Wind erzählen, von symbiotischen Sinnen und von Erysichthon, der sich selbst aufisst. Und vor allem möchte ich, dass du mit mir ins Grüne gehst.

Das Video ist konzipiert, um auf einer Wiese geschaut zu werden. Geh mit einem Smartphone mit Internetzugang und guten Kopfhörern auf deine Lieblingwiese und drücke Play. Alternativ kannst du das Video herunterladen, bevor du raus gehst. Alle weiteren Anweisungen hörst du im Video. (Die Sprache ist Deutsch/Schweizerdeutsch)

Die Kanti im Kunsthaus! (re)-Agieren mit der Sammlung

Ein Handbuch für Lehrpersonen der Sekundarstufe 2.

Claudia Bluntschli 

bluntschli.claudia@gmail.com

Angela Krüse 

angela.kruese@gmx.ch

Luzia Schifferle 

lu.schifferle[at]hotmail.ch

Minor Kunstvermittlung

Mentorat: Silja Burch

Unser ursprünglich geplantes Projekt war die Durchführung eines aktiven Besuchs in der Sammlung mit einer Klasse der Sekundarstufe 2. Durch die Corona Situation mussten wir jedoch kurz vor der Realisierung umdenken. 

Ziel dieses alternativen Projektes war ein Handbuch für Lehrpersonen der Sekundarstufe 2 zu kreieren. Der Katalog bietet eine Hilfe, um mit einer Klasse einen aktiven Museumsbesuch zu gestalten. Der Fokus liegt auf der individuellen Arbeit der Schülerinnen und Schüler mit der Sammlung des Aargauer Kunsthauses im 1. Obergeschoss.

Dieser Katalog schlägt einen Ablauf vor, welcher sich in drei Teile gliedern lässt: Ein Rundgang durch die Ausstellung bildet den Einstieg. Dieser dient dazu, durch die Sammlung zu wandern und diese erst einmal wahrzunehmen. Anschliessend wird ein Postenrepertoire von insgesamt 10 Posten vorgestellt. Daraus können beliebige Posten ausgewählt und kombiniert werden. Gemeinsam mit dem Rundgang bildet die Schlussrunde den festen Rahmen des Programms. Die Schlussrunde hilft dabei, die Ergebnisse zu präsentieren und das Erlebte im Plenum zu reflektieren. Im Anhang findet sich ein Vorschlag für eine konkrete Umsetzung dieses Konzeptes, der zeigt, wie eine Durchführung mit engem Zeitplan realisiert werden kann. Zudem finden sich Aufgabenblätter als Druckvorlagen für die jeweiligen Posten, die für den Eigengebrauch adaptiert und kopiert werden dürfen.

Dieses Handbuch findet sich auf der Website des Aargauer Kunsthauses unter folgendem Link wieder: 

https://www.aargauerkunsthaus.ch/kunstvermittlung/materialien/

Barla Pelican & Elisa Schiltknecht

kollektiv.tun@gmail.com
barla.pelican@bluewin.ch
e.schiltknecht@gmail.com

Minor Kunstvermittlung

Mentorat: Virginie Halter & Gila Kolb



Warum immer dasselbe und nicht einfach mal anders?

Die Tour geschah im öffentlichen Raum, in der berner Altstadt. An mehreren Events wurden gemeinsam verschiedene Facetten der Stadt und des städtischen Lebens aufgegriffen, hinterfragt und auf eine neue Art und Weise erlebt. Sinne wurden geschärft, Fragen gestellt, Erwartungen nicht alle erfüllt und Absurditäten kennengelernt.

Maria Altwegg
Josephine Walter

Kunstgattung: Art EducationMedium: Sammlung, Film und Fotografie
Materialität: Divers
Masse: Variabel

Mentorat Praxis: Jacqueline Baum, Patricia Schneider
Mentorat Theorie: Jacqueline Baum, Patricia Schneider

In dieser Arbeit untersuchen wir auf eine praktisch-forschende Weise das Potential von Sammeln+ und Sammlungen im Kontext des Bildnerisches-Gestalten-Unterrichts. Durch Interviews mit elf Lehrpersonen des Fachs Bildnerisches Gestalten erfahren wir, wie sie privat und im Kontext ihres Unterrichts sammeln, sammeln lassen oder mit Sammlungen arbeiten. Ergänzend zu den Erfahrungen unserer Interviewpartner*innen erarbeiten wir uns einen eigenen Blickwinkel auf die Thematik. Dafür sammeln wir selbst und arbeiten mit unserer Sammlung, schaffen Ordnungen, legen aus, schauen hin. Mit Film und Fotografie dokumentieren wir unser handelndes Nachdenken und die aufmerksame Annäherung an die Thematik.

Entstanden ist eine Arbeit, in der wir unsere Erkenntnisse mit den Erfahrungen unsere Interviewpartner*innen verbinden.

Auf unserer Website soll dem/der Betrachter*in unsere Arbeit zugänglich und das Potential unserer Sammlung erfahrbar gemacht werden.

Joshua Järmann

Mentorat: Gael Sapin

Medium/ Material: Giesstechnik auf Glasplatte, mit Polyesterharz und schwarzem/weissem Pigment

Diese Objekte entstanden, indem von oben nach unten gemalt wurde. Das eingefärbte Polyesterharz wurde aus einem Topf mit Hilfe von Gravitationskraft auf eine Glasplatte gegossen. In dem Zeitfenster der Trocknungsphase war es möglich diese Fliessbilder nur bis zu einem gewissen Grad zu beeinflussen, da die Fliessbewegung im Topf nicht steuerbar ist.
So entstanden runde Flächen, welche an ein seltsames photographisches Aussehen erinnern, selbst wenn sie nicht wirklich etwas darstellen.
Die Arbeit soll in Richtung Absichtslosigkeit zielen.

Nicole Weibel
Jasmin Bigler

Kunstgattung: Videokunst
Medium: Video
Materialität: Digital
Masse: 7 min. 24 sec.

Mentorat Praxis:Franz Gratwohl
Mentorat Theorie:Regina Dürig
Weitere Beteiligte:Emanuel Bundi, Gichael Meiger, Nadja Radi

«Unsere Körper sind ineinander verkeilt. Sie stecken in einer Kiste, es ist eine Massanfertigung passend für A3 und A4 Kopierpapier. Wir winden uns heraus, stellen die Serienaufnahme-Funktion ein. Drücken ab. Zwängen uns wieder hinein.»
«[...]du machst es für dich, für deine Beweglichkeit. Und dann ertappst du dich dabei, wie du das Fatburn-Yoga anklickst, dich nach dem Training vor den Spiegel stellst und dich musterst.»
(Literarische Miniaturen aus: Körper muss gar nichts, BiglerWeibel 2020)
Das Gestalten mit dem eigenen Körper ist seit sechs Jahren ein zentrales Element unserer gemeinsamen künstlerischen Praxis. Die Auseinandersetzung mit Körperbildern ist auch in unserem Alltag allgegenwärtig.
In der Video-Arbeit Formfleisch setzen wir uns mit dem Blick auf und aus unserem Körper auseinander. Sie basiert auf dem literarisch-autoethnografischen Text-Objekt Körper muss gar nichts, in dem wir persönliche Erfahrungen in Bezug auf den Blick auf unsere Körper sammeln,beschreiben und theoretisch kontextualisieren.

Nina Caviezel

Mentorat: Jacqueline Baum und Albrecht Schnider

Medium: Fotografie digital und analog und 3D-Druck, versch. Formate

…Virtuelle Landschaften erforschen. Tiefer tauchen. Grenzen suchen. Fehler finden. Diese übersetzen und schauen, was dabei passiert. Sich in einer neuen Landschaft wiederfinden. Weiterforschen. Tiefer tauchen. Grenzen suchen. Fehler finden. Diese übersetzen und schauen, was dabei passiert…

Sophie Grand-Guillaume-Perrenoud

Mentorat:Tine Melzer

Animation

Les gestes jaillissent de nos corps, suivent et rythment nos paroles.
«Fugue» est une composition de mains. Comme sur une partition, ces mains sont des notes. Collées les unes après les autres, les mains deviennent des pauses, des crescendos, une mélodie que je dirige.

«Car on ne peut considérer un geste ni comme la propriété d'un individu, ni comme sa création (nul n'étant en mesure de créer un geste propre, entièrement original et n'appartenant qu'à soi), ni même comme son instrument; le contraire est vrai: ce sont les gestes qui se servent de nous; nous sommes leurs instruments, leurs marionnettes, leurs incarnations.»

– Milan Kundera, L’Immortalité, 1988.

Hannah Hänggi, Leonie Beck, Joana Kunz

Mentorin: Jacqueline Baum

Diverse Materialien, Installation (Tisch mit Objekten, Sockel mit Buch, Videoinstallation und Plakate an den Wänden


Was bedeutet Sammeln? Was bedeutet Sammeln für uns?
Solche Fragen haben wir uns im Verlauf dieses Jahres gestellt und je tiefer wir uns mit dem Thema Sammeln beschäftigten, desto interessanter schien dieses zu werden.
Unser Einstieg in das Thema und unser erster Versuch einer Antwort auf die oben genannten Fragen näher zu kommen, bildete ein Dokumentarfilm, den wir während dem ersten Semester drehten. Der fast 40-minütige Film porträtiert vier verschiedenen Sammler*innen. Sie besitzen alle eine grössere oder kleinere Sammlung von Gegenständen, die sie auf individuelle Weise faszinieren.
In einem zweiten Schritt wollten wir das Sammeln als Selbstversuch testen. So haben wir Sammelspaziergänge unternommen und alles mitgenommen, was wir spannend oder schön fanden, was uns irritierte oder interessierte. Mit der Zeit entwickelten wir eine Freude an der Suche und auch an den Gegenständen selber. Wir sahen sie nicht mehr als Abfall, sondern als Fundstücke. Der ständige Austausch und das gemeinsame Reflektieren begleitete uns durch diesen Prozess und half uns, unser Sammelverhalten zu entdecken und zu entwickeln.
Nach drei Monaten haben wir unsere Sammlung, die zurzeit 227 Objekte umfasst, zusammengetragen. Einzig dadurch, dass die so verschiedenen Gegenstände zu einer grossen Sammlung zusammengefügt wurden, entstand eine extrem spannende und anregende Auslege. Beim Betrachten unserer Sammlung entstanden in unseren Köpfen automatisch Geschichten und Fragen zu den Objekten. Wie ist dieser Gegenstand am Fundort gelandet, wem hat er gehört, wo und wie ist er entstanden? Wir begannen die gesammelten Gegenstände mit Bedeutung aufzuladen und schenkten Dingen, die einem im Alltag wertlos erscheinen, Aufmerksamkeit. Nur durch das Mitnehmen der Objekte gaben wir ihnen einen neuen Wert und das Zusammenbringen aller Objekte setzte sie wieder, hinsichtlich des Wertes, auf die gleiche Stufe.

Claudia Bluntschli
bluntschli.claudia@gmail.com

Mentorat: Karoline Schreiber

Technik: Wasserfarbe auf Leinwand/Papier

Format: 1.20 x 1 m

Lampe: Natriumdampflampe, monochromes Gelb

Nina Trüssel

nina.truessel@gmail.com

Nadja Knuchel

nadja.knuchel@hotmail.com

Minor Kunstvermittlung

Mentorat: Renate Höllwart, Franz Krähenbühl, Alain Jenzer

Ausgangslage für unser Projekt ist die um ein Jahr verschobene Triennale am Hochrhein, welche die Themen Grenze und Mobilität thematisiert hätte. Viele der eingeladenen Künstler*innen haben eine partizipativ-künstlerische Arbeitsweise. Sich dem anschliessend war unsere ursprüngliche Vermittlungsidee, vor der eigentlichen Veranstaltung eine Voruntersuchung in Form eines Mappings der Region zu machen. Unsere Absicht bestand darin, damit das Selbstverständnis der lokalen Bevölkerung in Bezug auf den Skulpturenweg zu reflektieren. Indem sich die Bewohner*innen selbst die Frage nach dem eigenen Kunst- und Kulturverständnis stellen, sollte ihr Blick für die Kunst der Triennale geschärft werden. Durch die Absage der Veranstaltung stellte sich uns aber die Frage, wie und wo Kunstvermittlung überhaupt ansetzen kann, wenn Kunst und ihre Künstler*innen wegfallen und personale Vermittlung nicht mehr stattfinden kann. Wir wollten aber dennoch mit der Bevölkerung in Interaktion treten, für sie etwas Anderes, eine andere Form der Vermittlung stattfinden lassen. Hier setzt unser Vermittlungsprojekt «Grenzüberschreitung» an.

Fanny Delarze
Esther Tellenbach

Kunstgattung: Künstlerische Vermittlung - Médiation artistique
Ort: (Röstigraben) au Pont de Fondue

Mentorat Praxis: Sally De Kunst
Mentorat Theorie: Gila Kolb

Unsere Thesis? C’est notre positionnement im Feld der Kunst- und Kulturvermittlung.

Une mise en relation entre des recherches «sur le terrain» mit Akteur*innen suisses et des recherches théoriques dans le discours critique. Mit den Interviews, einem forschenden Ansatz und der schriftlichen Auseinandersetzung, on a pris le chemin vers notre positionnement in unserem zukünftigen Tätigkeitsfeld als künstlerische Vermittlerinnen indépendantes.

Fragen stellen, c’est une manière d’impliquer les personnes um sich zu positionieren:Qu'est-ce qui se passe après les études?

Wie wollen wir als künstlerische Vermittlerinnen arbeiten?

artistique?einladend?collaboratif?forschend?kritisch?professionnel?

Nous avons dialogué, wir haben geforscht, wir haben geschrieben et nous avons trouvé du “miam miam” pour notre futur. Nous avons aussi fait eine virtuelle Installation. Elle vous donne une saveur von unserem Prozess pendant la Masterthesis.

Bonne lecture et en Guete!

Salima Hänni
Kontakt: saeli.haenni@bluewin.ch

Mentorat: Déborah Demierre

Technik: Leporello, Risografie auf Daunendruckpapier, 28 Seiten.
Format: geschlossen 18,5 x 18,5 cm, geöffnet 18,5 x 518 cm.
Auflage: 30 Exemplare.

Das Leporello „I bi im Zug, Schatz.“ porträtiert Zugreisende.
Ich bin oft im Zug unterwegs und finde es faszinierend, welch unterschiedliche Menschen in Zügen zu beobachten sind und wie viel Privates man (teilweise unfreiwillig) mitbekommt. In schnellen Zeichnungen probierte ich die Zugsituationen im Skizzenbuch einzufangen. Festgehaltene Gesprächsfetzen erhalten in ihrer Alltäglichkeit und Banalität etwas Witziges, fast Poetisches. Die entstandene Sammlung diente als Material für das in Risografie gedruckte Leporello.

Elin Elmiger
E-mail

Mentorat Praxis:
Markus Weiss
Mentorat Theorie:
Priska Gisler

Illustration
Materialität: digitale Publikation
Masse: 143 x 180 mm
Ort: Bern

In unserer Gesellschaft im Jahr 2020 ist klar, dass Männer und Frauen gleichberechtigt sind. Auch im Gesetz ist das so festgeschrieben. Ich bin jung und frei, habe alle Möglichkeiten, mir steht die Welt offen. Und doch gibt es immer wieder diese Situationen, in denen mich das ungute Gefühl beschleicht, dass die Sache mit der Gleichberechtigung eben doch noch nicht abgeschlossen ist. Wie sieht es denn bei mir aus? In welchen Situationen habe ich mich aufgrund meines Geschlechts benachteiligt und diskriminiert gefühlt? Was hat mein Interesse für Gleichberechtigung geweckt? Was macht mir Angst, was macht mich wütend? Und was wünsche ich mir? In meiner Bachelorarbeit erkunde ich theoretisch und praktisch wie es in meinem Leben mit der Gleichberechtigung aussieht, damit mir das nicht andere Leute zu erklären brauchen. Ich erklär euch jetzt mal die Welt und zwar aus meiner persönlichen, künstlerischen Perspektive.

Noah Constantin Krummenacher

Mentorat: Stefan Sulzer

Medium: Installation (Ortsbezogen)
Material: 80g/m2 Papier, Perlonschnur

Es ist nicht nur viel, es ist persönlich, es ist intim. Jede Minute gebe ich subjektlosen Konzernen mehr und persönlicheres über mich Preis, als ich einem Menschen je erzählen könnte, oder möchte. Digitaler Privatraum existiert nicht. Wieso sollte ich nicht alles offenlegen, was ich Google, Facebook und co. so oder so freiwillig preisgebe?

Das Standortprotokoll, welches Google von mir hat, besteht aus mehr als 900’000 Standorten, jeweils auf die Millisekunde genau datiert. Davon wurden diejenigen herausgefiltert, welche meinen Aufenthalt im halböffentlichen Raum der VKD-Studiengangsküche belegen. Es resultieren Zeifragmente, welche zusammengerechnet knapp 22 Stunden ergeben. Laut Google war ich also in den beiden Jahren 2018 (Studienbeginn September 2018) und 2019 insgesamt 21 Stunden und 48 Minuten in dieser Küche. Diese Zeitfragmente abgeglichen mit Datenprotokollen über mich – angefordert von Whatsapp (Facebook), Instagram (Facebook), Google, Apple Mail, Safari (Apple), Spotify – liessen riesige Codedateien entstehen. Einerseits bestehen diese aus Elementen von verschiedenen Code-Sprachen, andererseits aus persönlichen Informationen wie Google-Suchanfragen, private Nachrichten, abgespielte Songs, usw.

Die hier beschriebene Installation ist ein Ortsspezifisches Selbstportrait. Es besteht aus 156 A4 Blättern, beidseitig bedruckt mit persönlichen Daten des Autors. Sie sind mit durchsichtigem Faden in einem Raster mit dem Abstand von jeweils 43cm aufgehängt. Die Aufhängevorrichtung verbindet alle Blätter miteinander. Die Installation füllt den ganzen Raum. Es ist nicht möglich, den Ausstellungsraum zu betreten, ohne die Blätter zu berühren oder zu bewegen. Durch den Medientransfer vom digitalen ins Analoge wird die Abstraktheit der digitalen Vorgänge (partiell) dekonstruirt. Gleichzeitig ist es durch die Hängung unmöglich, die einzelnen Dokumente miteinander zu verbinden und einen Überblick zu gewinnen.

Réka Szücs
E-mail

Mentorat Praxis: Helena Schmidt
Mentorat Theorie: Helena Schmidt

Medium: Aufklappbare Zeichnung
Materialität: 10 Teilig, Filzstift und Geltinte auf Papier
Masse: A4

In der zeichnerischen Arbeit werden diverse wissenschaftliche Anatomiedarstellungen von Frauen aus verschiedenen Jahrhunderten beleuchtet und in einen zeitgenössischen Kontext eingebettet.
Das Wort Anatomie stamm aus dem altgrichischen ἀνά aná «auf» und τομήtomé toné «das Schneiden, der Schnitt».
Dieser Schnitt durch den Körper soll auf eine spielerische Weise die Neugierde der Betrachtenden wecken und erlauben, den hybriden Körper zu erforschen und zu hinterfragen.
Werden die Darstellungen durch die Beobachtung ad absurdum geführt oder sogar denunziert? Weisst du denn wirklich, wie DU innen aussiehst?

Barla Pelican

Kontakt: barla.pelican@bluewin.ch

Mentorat: Michael Mischler

Technik: Video, Fotografie, Ballon in Glas

Konventionen entsprechen?

Ich habe mich in dieser Arbeit mit psychischem Druck und Stress auseinandergesetzt. In meinem Umfeld ist das vermehrt Thema geworden und viele haben damit zu kämpfen.

Julia Barandun

Minor Forschung

Mentorat: Jacqueline Baum & Priska Gisler


Vier Kunst- und Kulturinstitutionen in abgelegenen Regionen Graubündens sind in meiner qualitativen Forschungsarbeit Gegenstand der Untersuchung. Ich befragte sie in einem offenen Leitfadeninterview zu deren Entstehung, dem Publikum, welches sie besucht, der Vermittlung, zur Gegenwart und ihren Zukunftsvisionen und zur aktuellen Corona-Situation. Ziel ist es, die Rolle, welche die Vermittlung in diesen Kunst- und Kulturinstitutionen spielt zu erforschen.

Lucie Gremaud
hey@lucie-gremaud.ch

Mentorat: Jacqueline Baum

Technique : Installation
Format: Variable
Installation dans l'espace, projections au beamer, diffusion d'images sur écrans TV, Lecture 6 minutes

Cette installation est une première recherche sur différentes formes de collections, souvenirs personnels, et ce qui les lie entre eux. Il s'agissait de trouver des moyens de matérialiser ses différents champs de recherches et d'exprimer de manière installative les sentiments que me font ressentir ses collections et souvenirs. Cette recherche est composée d'une installation centrale, "le vent", qui permet d'activer l'écriture automatique, que je considère comme une forme de collection. Dans les coins de la pièce sont placé les différents champs de recherches qui représentent d'autres formes de collections telles que : collections d'objets ; collections de vidéos ; collections de photos.Je collectionne les moments, les instants, les petites choses dont on ne fait pas attention.

Muriel Kilchenmann
E-mail

Mentorat Praxis: Urs Aeschbach
Mentorat Theorie: Toni Hildebrandt

Malerei
Materialität: Leinwand mit Öl- und Acrylfarbe.
Masse: 70 × 85 cm / 86 × 86 cm / 40 × 50 cm

In meiner Bachelorarbeit habe ich gemalt und über Malerei geschrieben. Ausgehend von meinen Malereien suchte ich mir ein Thema aus – die Leere. Ich begann Abbildungen verschiedener Malereien zu sammeln, welche für mich alle eine Leere aufzeigten. Mich interessierte, wie Leere in gemalten Bildern dargestellt werden kann und was sie dabei auszulösen vermag. Entstanden ist ein Bildessay. In jedem Kapitel wird ein neuer Zugang zu der Leere gesucht. Ist die Leere ein Fehler? Kann man sich in der Leere verlieren? Welche Farbe hat die Leere? Muss Leere gefüllt werden? Parallel zu der Bilduntersuchung malte ich. Wichtig war mir dabei auch die Dokumentation des Malprozesses. Diese thematisiert das Suchen, das Finden, das Scheitern und das Glück meiner malerischen Arbeit in dieser Zeit. Die hier gezeigten Malereien sind eine Auswahl davon – sie alle beinhalten eine Leere.

Elisa Schiltknecht

e.schiltknecht@gmail.com

Mentorat: Karoline Schreiber

Technik: Malerei auf Porzellan
Format: 18 Platten à ca 25cm x 28cm und div. kleinere Porzellanplättchen

Diese Arbeit ist ein Versuch, von Papier oder Leinwand als Malgrund wegzukommen.
Ich habe mich experimentell dem Material Porzellan angenähert und dabei mit verschiedenen Techniken auf das wertvolle und filigrane Material gemalt. Ich habe neben Engoben, eingefärbtem Tonschlicker, vor allem verschiedene Glasuren gebraucht, um auf den Bildträger einzuwirken. Die Saugfähigkeit des Porzellans hat mich gefordert, mit schnellem Pinselstrich zu malen. Dadurch habe ich einen spontanen, schnellen Malstil entwickelt, und mich stark auf den Pinselduktus und die dabei entstandenen Strukturen konzentriert.

Aline Witschi
E-mail

Mentorat Praxis: Roland Roos
Mentorat Theorie: Peter J. Schneemann

Medium: Prozess, Performance
Materialität: Lieferkartons
Ort: Biel

Kurz nach Beginn meiner Bachelorarbeit wurde der Lockdown ausgerufen. Die damit neu entstandene Situation verlangte nicht nur ein Umdenken bezüglich meiner Arbeit, sondern zwang mich auch in meine eigenen vier Wände. Der Alltag spielte sich zwischen meiner Wohnung und meinem Arbeitsplatz bei der Migros ab. Um aus dieser reduzierten Bewegungsfreiheit auszubrechen, konstruierte ich einen Selbstauftrag. Ich begann Verpackungskartons für alltägliche Konsumgüter aus der Migros nach Hause zu transportieren. In der Wohnung reihte und stapelte ich die wieder aufgeklappten Kisten. Allmählich verkleinerte sich mein Lebensraum, es wurde enger und unbequemer. Nach acht Wochen war die Wohnung nicht mehr begehbar und mein Auftrag erfüllt. Ich musste meinen Lebensraum umorganisieren und mir einen Ort zur Übernachtung suchen. Was als zunehmende Einengung begann, endete somit in einem viel grösseren Aktionsraum.

Sofie Hänni

Kunstgattung: Kunst, Forschung
Medium: Installation, Zeichnung, Performance, Publikation
Materialität: Farbstift, Bleistift und Strassenkreide auf Papier, Baumwollgarn, Teebeutel, Kombucha, Essig in Glas, Mehl, Wasser, Salz, Sauerteig / Strassenkreide
Masse: A4 / A2 / S / 45 × 59 mm / variabel
Ort: Bern

Mentorat Praxis: Andrea Heller
Mentorat Theorie: Tine Melzer


Gewisse Dinge im Leben hinterlassen Spuren, verpassen uns Falten, Risse, dringen in unseren Alltag und unser Denken ein. Mutter zu werden, zum Beispiel. In meiner künstlerischen Auseinandersetzung ging ich von der Zeichnung aus, die dieser Prozess auf meinem Körper zurückgelassen hat: Hautveränderungen und Dehnungsspuren. Die Annäherung an Mutterschaft über diese Einschreibungen ist gleichzeitig intim und konzeptionell. Sie basiert auf der Behauptung, dass in diesen Spuren mehr drinsteckt; dass sich in ihnen der ganze Prozess des Mutterwerdens manifestiert. Von dieser Grundlage aus entstand ein Geflecht aus verschiedenen Fragmenten.In Gesprächen mit neun Künstlerinnen mit Kindern und in der theoretischen Recherche fragte ich danach, welche Veränderungen das Mutterwerden mit sich bringt. Können diese als Ressource für die künstlerische Praxis genutzt werden? Und warum wird die Mutterschaft, gerade im Kontext der Kunst, als sperrig wahrgenommen?

Seraina Grupp

Mentorat Roland Roos

Konzeptuell, performativ, installativ

06:59 Entnahme von 1.5L Wasser aus der Aare Höhe Monbijoubrücke in Bern
07:02 Abfahrt mit dem Velo Aare aufwärts
08:18 Ankunft Thun
08:25 - 08:35 Einlass von 1.5L Wasser in die Aare Höhe Mühleplatz
09:50 – 09:00 1.5L Wasser passieren ihre einstige Entnahmestelle, Liveübertragung in die Präsentation
09:00 Nun haben wir genau diesem Wasser zugeschaut, wie es jene Schwelle übertrat, nachdem es nochmals genau denselben Weg zurückgelegt hat und nun weiterfliesst. Ich habe mich wahrlich abgemüht, um jetzt hier nach einem Jahr vor euch zu stehen mit nichts in den Händen.

Julia Oetterli, Laura Naima Streiff, Naomi Arpagaus

Mentorat: Jacqueline Baum

Material/Medium: Zeichnung, Audioinstallation
Grösse: 2,37 x 0,6 m

Der Ausgangspunkt dieser Arbeit war das Thema Sprachgrenzen, diese zu überwinden und sich dem Nicht-Verstehen auszusetzen.
Das Projekt verlief in zwei Etappen. In einer ersten Auseinandersetzungmit unterschiedlichen Sprachen entstanden zahlreiche kleinformatige Skizzen, welche sich durch ihre intuitive und schnelle Entstehung auszeichnen. Ein Dialog wurde aufrechterhalten um in regelmässigen Abständen über die jeweiligen Zeichnungen und Erfahrungen zu reflektieren.
Die zweite Etappe basierte auf vier Interviews. Aufbauend auf verschiedenen Skizzen zur Formsuche, gestaltete jede ein grossformatiges Bild pro Sprache.
Die Erfahrung vom Klang, dem Rhythmus und der Melodie einer Sprache auszugehen, ermöglichte einen freien Zugang zum abstrakten Gestalten.

Carol Gurtner und Alice Oechslin

Mentorat: Daniela Keiser

Medium: Video, Performance, 13 min.

Wo bist du und wo bin ich?
Was ist dazwischen?
Wo ist die Grenze zwischen dem virtuellen und dem physischen Raum?
Wie können wir uns verbinden, kommunizieren und daraus Kreativität ziehen?

Aus der Auseinandersetzung mit diesen Fragen ist eine Performance entstanden, in der Skype als Medium zur live Videomontage benutzt wird. Die Performance wurde mit Screenrecords festgehalten, um dann auf drei Bildschirmen als One-Take-Video wiedergegeben zu werden. Synchron abgespielt bieten die drei Videos den Betrachtenden einen Einblick in unseren Raum, unsere performative Arbeit, in unsere Kreativität und Intimität.

Jeanne Verdon, Lea Lüscher

Mentorat: Gaël Sapin


Acryl auf Papier, verschiedene Grössen
Was bedeutet simultanes Malen zu zweit auf dem gleichen Stück Papier? Wie können wir eine Welt aufbauen, die wir nicht gemeinsam planen, sondern die erst entsteht? Ein gemeinsamer Dialog, der nicht nur in Worte, sondern auch mit und aus dem Pinsel entsteht. Die Erkundung einer Welt, die aus farbigen und flächigen Fragen gemalt ist.

Nadine Kunz
nadine-kunz@hotmail.ch

Mentorat: Tine Melzer, Daniela Keiser

> possibilities
12 Bilder
Digitaldruck auf Schnittmusterpapier
je 120 x 96 cm

> now and now and now
Soundinstallation
3'34'' Loop

possibilities und now and now and now sind zwei eigenständige Arbeiten welche zeitgleich entstanden sind und zusammenspielen.

Das Spiel mit Möglichkeiten, Fragen zu Zeit und Raum, Gleichzeitigkeit, Räume die coexistieren und sich überschneiden oder die Problematik des Jetzt als Moment, sind Themen der Auseinandersetzung in beiden Arbeiten. Bei possibilities hab ich mich selber beauftragt viel Zeit in einem Raum zu verbringen und auf diesen zu reagieren. Bei now and now and now habe ich rund 30 Menschen, die in unterschiedlichen Ländern leben, aufgefordert sich mit ihrem Umraum zu befassen.

Laurène Hayoz
E-mail

Mentorat Praxis: Karoline Schreiber
Mentorat Theorie: Esther Maria Jungo

Drawing, Animation, Sound
Materialität: Bleistift, Tusche, Kreide, Pastels
Masse: HD 16:9

The essence of my project sounds paradoxical: movement in immobility. However, the medium of drawing is capable of visualizing this apparent contradiction. On walks in the woods, I approached nature in terms of rhythm and dynamism. I documented my observations as texts and sketches, which I later processed in drawings of various formats. Each one of them is a translation. Trees and leaves take the form of patterns, simple lines or structures, abstracted and reduced to their dynamic qualities. I extracted the drawings from their respective sheet of paper and combined them in a new arrangement. The final product is an animation in which the camera seamlessly passes from a drawing to another and takes the viewer on a short walk through a forest of lines and points.

Benjamin Schwander
E-mail

Mentorat Praxis: Manuel Burgener
Mentorat Theorie: Peter J. Schneemann

Medium: Installation
Materialität: Karton, Holz, Klebeband, Sprühlack, Sagex
Masse: ohne
Ort: Burgdorf

Wie wir wohnen und welche Merkmale sich in den jeweiligen Wohnsituationen wiederholen, wird durch eine Recherche thematisiert, die im Buch «RAL 6005» living zu finden ist. Die Werkserie «RAL 6005» setzt sich mit Gegenständen aus dem Wohnraum auseinander. Die Skulpturen zeigen durch minimale Formen Konzepte von Objekten aus Wohnsituationen. Die Verwendung von freizugänglichem Material aus meiner direkten Umgebung unterstreicht die Rohheit der Objekte, welche sich nicht durch handwerkliches Geschick, sondern durch primitive Formen wiedererkennbar zeigen. Die Umstände, die mit Einschränkungen verbunden waren, bewegten mich dazu, das Potential einer solchen Situation zu erkennen. Die einheitliche Farbgebung der Skulpturen bezeichnet die Bedeutung von Farbe und Material neu und das Objekt ist durch seine Form und Positionierung im Raum lesbar.

Sophia Fries

Mentorat: Roland Roos

Medium: Videoarbeit 7:53’

To: the audience of my presentation on September the 2th at 9:15 am (in Swiss time) in the Auditorium at Fellerstrasse 11, Bern.
I am writing in reference to this presentation I was obliged to hold today. Although I haven’t done anything, I will show you a film in a moment. There it is clearly visible that I haven’t done anything, especially doing a film about doing nothing.
(...)
I might have misunderstood the means of this presentation. Maybe it is nothing about showing finished work. You know, I’m not complaining about the general presentations standards. I really like to exchange thoughts.
(...)
I think I have to question this concept in order to free one up for discussion. It is the only way to get one to think about what exists in order to remain flexible in changing circumstances.

Nadine Andrey
nadine_andrey@hotmail.com

Minor Kulturvermittlung

Vor Corona war ein fotografisches Projekt mit der Schwerpunktfachklasse, 2. Jahr des Gymnasiums St. Michael in Freiburg geplant. Es sollte in Gruppenarbeit, im städtischen Raum und in Einbeziehung der Passant*innen erarbeitet werden. Am 16. März war der Start geplant… .
Daraus gestaltete sich die Teamarbeit, das fotografische Remake, aufgrund einer selbstgewählten Malerei. Zu zweit wurde unabhängig voneinander ein geeigneter Ort, die eigene Familie und die Objekte verwendet, die zur Verfügung standen. Die Figuren des Gemäldes sollten auf die beiden Fotografien aufgeteilt werden. Ziel war nun neu, je eine Fotografie zu erstellen, die sich beide am Schluss bedingen würden.

Lina Schweizer

Mentorin: Jacqueline Baum

Medium/Material: Installation mit Plastikfolie, Schaumstoff-, Drahtgewebe- und Fimoobjekten

Die installative Arbeit Removed setzte sich mit der Eigenschaft der Körperlichkeit eines Materials auseinander. Ausgehend von der Vorstellung vom Innern des menschlichen Körpers entstanden abstrakte Zeichnungen, die in verschiedene Rohmaterialien übersetzt wurden. Dabei stand das Arbeiten mit dem Material und seinen Eigenschaften im Vordergrund. In dem Gesamtgefüge stehen die ausgearbeiteten organischen Formen und schlauchartigen Verbindungen im Gegensatz zu den nur grob bearbeiteten Rohmaterialien. Die schlauchartigen Objekte bringen die verschiedenen Objekte miteinander in Verbindung und stellen eine gewisse Linearität im Raum dar.
Die Betrachtenden sollen sich durch den Raum und zwischen den Objekten hindurchbewegen und sich dabei von der assoziativen Leseart leiten lassen.

Fanny Delarze
fannydelarze@gmail.com

Esther Tellenbach
e.tellenbach@gmx.ch

Mentorat: Gila Kolb und Renate Höllwart

Minor Kunstvermittlung



Der Minor R2D2 untersuchte und erprobte mit einer Veranstaltungsreihe die Gestaltung von diskursiven Räumen. 

Grundlage für eine selbständige künstlerische Vermittlung sind finanzielle Ressourcen und Vernetzung & Zusammenarbeit. Um sich diesen Themen anzunähern wurden die HKB-Studierenden zu zwei Diskussionsabende eingeladen:"The importance of being a collective" und "How to get money for an art/mediation project". Gäste aus kollektiv organisierten Gruppen und Fachpersonen im Bereich Fundraising teilten mit den Teilnehmenden ihre Erfahrungen und gaben Tipps.
Die Rauminstallation mit gedimmten Lichtquellen, wohnlichem Mobiliar, wohliger und aktivierender Geruch und Musik schuf eine Atmosphäre, welche offene Gespräche und einen unkomplizierten Austausch ermöglichten. Das einladende Apéro zu Beginn wie auch die leckerer Suppe zum Abschluss boten Raum für weiterführende Gespräche. 

Ramona Tschuppert
mail@ramonatschuppert.ch

Minor Forschung
Mentorat: Priska Gisler und Sarah Klein

Seit 1956 dabei
Roland Fischbacher und Rudolf Barmettler: Zwei Perspektiven auf die Bachelor-
ausbildung in Visueller Kommunikation
in der Schweiz

Im Fokus dieser Arbeit stehen Roland Fischbacher und Rudolf Barmettler,
die beiden ehemaligen, langjährigen Leiter
der Studiengänge Visuelle Kommu­ni­kation
in Bern und in Zürich. Welche Faktoren spielten während der Zeitspanne ihrer Leitungsfunktion in Bezug auf die Konzeption und die ­Realisation der Studiengänge eine Rolle? Im Kontext ihrer Lehrtätigkeit interessieren mich ihre Haltungen zu der sogenannten «Schweizer Grafik». Welches Verständnis davon liessen sie in die Lehre einfliessen?

Eva Chen

eva.chen@bluewin.ch

Mentorat: Daniela Keiser

Technik: Analogfotografie

Format: verschiedene Formate hinter Glas

Sekundenarchitektur

Was passiert mit dem Raum, wenn Lichter ihn zeichnen? 
Welche neuen Strukturen entstehen Nachts? 
Wie viele Räume existieren gleichzeitig?    

Eine fotografische Auseinandersetzung mit Licht und Raum.

Aldir Polymeris
aldir@pm.me

Minor Y

Mentorat: Tine Melzer & Gila Kolb

- Wie kann ich jemandem erklären, wer ich bin? - Wo liegen meine Wurzeln, oder gibt es so etwas gar nicht? - Wie können wir als multikulturelle Gesellschaft mit Fremdenfeindlichkeit umgehen? - Was verrät uns die Wissenschaft darüber, wie wir hören, sprechen und denken? Das waren Fragen, die ich zusammen mit dem Neuroethnologen Nicolás Araneda Hinrichs, in Rahmen eines 16-tägigen Kurses an der Deutschen Schülerakademie im Sommer 2019, mit einer Gruppe von Jugendlichen behandeln wollte. 

Raphael von Matt
E-mail

Mentorat Praxis: Markus Weiss
Mentorat Theorie: Yvonne Schweizer
Weitere Beteiligte: Albrecht Schnider

Kunstgattung: Gemäldeserie
Medium: Malerei
Materialität: Acryl und Spray auf Leinwand
Masse: 80 × 100 cm, 100 × 100 cm

Seit geraumer Zeit befasse ich mich mit dem Malen von Medienbildern. Mich interessiert die Macht der konstanten Bilderflut und wie sie es vermag, mir ein Bild der weiten Welt zu vermitteln. Die Malerei dient dabei als Bewältigungsstrategie, um in der konstanten Informationsflut innezuhalten und mich über einen längeren Zeitraum mit der Bildsprache einzelner Fotografien auseinandersetzen zu können. Im Verlauf der letzten vier Monate haben sich das theoretische und das malerische Arbeiten stets gegenseitig beeinflusst. In diesem Prozess erschlossen sich mir neue Themenwelten wie das Ornament und das «Pattern». Zudem untersuchte ich das Verhältnis von Malerei zur Digitalität und aufgrund einer omnipräsenten Bildschirmsicht, das veränderte Sehen – zusammen mit der eigenen Unaufgeräumtheit. Diese Themen nutzte ich, um mir neue Wege der Malerei zu erschliessen.

Luzia Schifferle
Kontakt: lu.schifferle@homtail.ch

Mentorat: Karoline Schreiber und Ursula Jakob

Technik: Zeichnung, Holzschnitt
Skizzenbuch: 25x 25cm, Drucke: 57x 39 cm, 65x 46 cm, 87x 65cm

Holzschnitt
In dieser Arbeit übersetzte ich eigene Skizzen in den Holzschnitt. Im Fokus standen organische Waldstrukturen und Hell-Dunkel-Kontraste.

Julia Barandun
Kontakt: mail@juliabarandun.ch

Mentorat: Daniela Keiser
Technik: Video
Format: variabel


„Tetris“
Sammeln und Ordnen sind Ausdruck einer kulturellen Praxis, in der Gegenstände oder Wissen zu Symbolen der Selbstvergewisserung und zur Konservierung von Erfahrungen und Sichtweisen werden. Jede Sammlung impliziert die Konstruktion einer gewissen Ordnung.  
(Sabine Rusterholz in Austellungspublikation, Speicher fast voll, 2008)
Blackbox:

Video 32‘, Loop, ohne Audio

„HKB-Tagebücher“ (Dez 19 - Jan 20)
Akkustische Videoinstallation in der Mediothek der Hochschule der Künste Bern

5 Videos abgespielt auf 5 Ipad’s

14.12.  27:10 und 36:38, Loop
8.1.    19:42, Loop
11.1.   20:32, Loop
14.1.   15:32, Loop

Mina Achermann

Mentorat: Markus Weiss

Installation
bedrucktes Papier - an die Wand tapeziert, drei Kopfhörer, drei IPods

die suche nach einem raum, der uns verbindet
nach einer möglichkeit des transfers von räumen
der versuch, regeln aufzustellen
ein system denken
über die rolle in diesem system nachdenken
ein denkkonstrukt bauen
und dieses denkkonstrukt immer wieder dekonstruieren

Mithilfe präzise formulierter Anleitungen wurde ein Briefzirkel initiiert. Die dort entstandene kollektive Gedankenproduktion wurde zu einem kleinen Teil per Telefon in auditiver Form zugänglich gemacht. Die grundsätzliche Reflexion über das System Kunst und die Systeme in der Kunst während dieser Arbeit wurden als Manifest in den Raum getragen.

Aufgrund der geschlossenen Museen und dem eingeschränkten Zugang zu Kunst und Fotografie, haben wir beschlossen, ein «extended Museum» für einen visuellen Austausch zu entwickeln. Zusammen mit dem Photoforum Pasquart in Biel wurde ein Open Call zum Thema Geschlechterrollen im Alltag lanciert. Der Open Call rief Menschen dazu auf, uns Bilder zum gegebenen Thema zu senden, worauf dann eine zweite Gruppe künstlerisch reagierte. Auf diese Weise entstand ein visueller Dialog, welcher von uns wiederum gestaltet wurde und nun in diesem Magazin zu sehen ist. 

Lara Caluori

lara.caluori@gmail.com

Y-Minor

Mentorat: Jacqueline Baum, Mirko Winkel

Das Projekt Weiterbildung Kunst und Klimawandel ist ein Vermittlungsformat zum Thema Klimawandel. Es richtet sich an BG-Lehrpersonen welche experimentelle Arbeitsweisen und Projekte innerhalb des BG- Unterrichts und fächerübergreifend entwickeln wollen. Die Weiterbildung wird im November 2020 an der HKB stattfinden und von Jacqueline Baum geleitet. In den drei Abendveranstaltungen: Whose Nature – who is Nature? Verbunden oder isoliert und Dialog und Symbiose werden neue Formen von ökologischer und nachhaltiger Kunstpädagogik erprobt, diskutiert, angewendet und erweitert. Als Grundlage und Vorbereitung für die Veranstaltungen dient ein digitales Cluster, eine kartographische Skizze der künstlerischen und theoretischen Diskurslandschaft rund um die Thematik des Klimawandels, Ökologie und Kunst.

Wie kann Kunstvermittlung Brücken bauen und die (Klima-)Kommunikation schärfen

Welche trandisziplinären, experimentellen Vermittlungsformate und Strategien  können wir in Bezug auf die Umwelt, Natur und den Klimawandel finden?

Björn Poffet

Mentorat
Regina Dürig und Jacqueline Baum

Medium/Material
Prosatext, Buch, Hardcover mit Gewebeeinband und Schutzumschlag, 152x229mm, 106 Seiten

Für euch, ihr, die ihr mir eure Erlebnisse geliehen habt.

Beim Inhalt dieser Arbeit handelt es sich um die Realität!

Innigkeit wird als eine tiefe Empfindung definiert. Taten, die aus der Tiefe der Zuneigung, der Freundschaft, der Verbundenheit und der Liebe entspringen. Innigkeit ist mit Zärtlichkeit verbunden. Zärtlichkeit, ein starkes Gefühl der Zuneigung und der, damit verbundene Drang, dieser Ausdruck zu geben entspringt denselben Tiefen wie die Innigkeit. Hass, eine heftige Abneigung, ein unglaublich starkes Gefühl der Ablehnung und Feindschaft gegenüber einer Person, einer Gruppe oder einer Institution. Hass entspringt, ähnlichen Tiefen, wie Zärtlichkeit und Innigkeit.

Auf Grund der sexuellen Orientierung oder der Genderidentität diskriminiert zu werden, ist die Realität vieler. In einer engen Zusammenarbeit mit Fach- und Beratungsstellen für die Mitglieder der Queercommunity sowie LGBTQ+ Menschen entstand ein Text, der Erlebnisse der Diskriminierung, der Gewalt, der Innigkeit und der Zärtlichkeit, bündelt. Der Text bewegt sich im Spannungsfeld zwischen Fachwissen, politischen Ereignissen, Erlebnissen aus meinem Umfeld und meinen eigenen Erlebnissen. Alle Erlebnisse wurden zum Schutz der Personen, die diese beitrugen, anonymisiert. Die Form, in der sie im fertigen Text enthalten sind, wurde von den Menschen, die mir ihre Erlebnisse geliehen haben, autorisiert. In der Mischung aus Innigkeit und Weltscheiss entsteht so ein aufgeladener Einblick in die Queercommunity und in das Tragen eines gemeinsamen Traumas.

Mit herzlichem Dank an viele

Nina Kurth
nina.kurth93@hotmail.com

Salima Hänni
saeli.haenni@bluewin.ch

Minor Kunstvermittlung
Mentorat: Luzia Carlen und Petra Fankhauser

Die TWINGI LAND ART ist eine Freiluftausstellung in einer wunderschönen Schlucht im Wallis. Wie kann man neue Leute für den Besuch dieser Ausstellung animieren, ihnen die Künstler*innen vorstellen und sie motivieren, selber kreativ aktiv zu sein? Das Resultat ist die interaktive Webseite WING IT - twingi.wingit.ch

Auf unsere Anfrage senden uns die fünfzehn ausstellenden Künstler*innen ein persönliches Videoporträt. Wir kreieren dazu passend eine animierende Aufgabe für die Besucher*innen der Webseite. Diese laden selbständig ein Foto ihrer Umsetzung auf WING IT hoch. Dadurch entsteht eine digitale Sammlung verschiedenster Werke.

Thushany Iyampillai

Kunstgattung: künstlerische Forschung
Medium: Publikation
Materialität: Druck, 3-teilig
Masse: 210 × 297 cm

Mentorat Praxis: Andrea Wolfensberger
Mentorat Theorie: Priska Gisler

«Woher kommst Du wirklich?» scheint auf den ersten Blick eine ganz alltägliche Frage zu sein. Bestimmt wurden die meisten von uns schon einmal in ihrem Leben mit dieser Frage konfrontiert. Warum wird sie denn zu einer der meist rassistisch konnotierten Frage gezählt? Ausgehend von meiner eigenen Erfahrung, ging ich in meiner Masterthesis dem Versuch nach, die Frage nach der Herkunft zu erforschen. Dazu führte ich mit aus Sri Lanka stammenden Tamilinnen und Tamilen, dreier Generationen, Gruppendiskussionen in Form von Mini-Gruppen durch. Die erste Generation besteht aus in Sri Lanka geborene, aber seit mehreren Jahren in der Schweiz lebende Tamilinnen und Tamilen. Bei den nächsten zwei Generationen handelt es sich um in der Schweiz geborene und in der Schweiz lebende Tamilen. Die entstandenen einzelnen Gespräche wurden in drei Publikationen zusammengefasst.

Eva Chen & Lucie Gremaud

eva.chen@bluewin.ch
hey@lucie-gremaud.ch


Mentorat:
Julia Jost & Jacqueline Baum



„Zu Besuch“ ist ein Vermittlungsformat, dass für und in Zusammenarbeit mit der Kunsthalle Bern für die Ausstellung „Dear Valérie...“ von Marc Camille Chaimowicz entwickelt wurde.

Im Rahmen einer Abendveranstaltung von insgesamt 150 Minuten besuchen wir mit ei­ner Gruppe von 15 Teilnehmer*innen drei Wohnungen im Kirchenfeldquartier und im Anschluss daran die Ausstellungsräume der Kunsthalle Bern. Als eine vorangestellte Re­ferenz zur Ausstellung, gliedert sich die pro­menade in die gleichen 7 Kapitel, in die auch die Ausstellungsräume unterteilt sind. In Absprache mit den Gastgeber*innen, wur­den die Wohnungen von uns im Vorfeld ana­lysiert, inszeniert und manipuliert so dass unterschiedliche Szenarien geschaffen wer­den. Pro Wohnung gibt es mehrere Interven­tionen, die sich stets in Bezug zum Raum, mit unterschiedlichen Aspekten von Chai­mowicz’ Werk befassen. Dabei werden die Besucher*innen mal Teil der Intervention, mal aktive Mitgestalter*innen und mal auch nur Zeugen davon.

„Zu Hause“ ist eine digitale Alternative, die als Reaktion auf die Corona Situation entstanden ist.    

Mit dem Versuch die dem Format ursprünglich zugrundelie­genden Überlegungen zu Raum, Atmosphä­ren und Illusion mitaufzunehmen, wollten wir die Situation ausnutzen, um ein digitales For­mat auszuprobieren. Abgesehen von der Anlehnung an die Strukturierung des ursprünglichen Formats in Kapitel, haben wir den Fokus dabei jedoch auf die Auseinandersetzung mit dem eigenen, persönlichen Wohnraum gelegt und uns damit weitestgehend von der Ausstellung und Chaimowicz’ Werk entfernt.

Um das Passwort für unsere Website/Dokumentation zu erhalten, schreiben Sie uns an diese E-Mail-Adresse: zubesuch.projekt@gmail.com.

Nermina Šerifović

Kunstgattung: Künstlerische ForschungMedium: Publikation
Materialität: Offsetdruck
Masse: A4
Ort: Sarajevo

Mentorat Praxis: Jacqueline Baum
Mentorat Theorie: Priska Gisler

Unter welchen Rahmenbedingungen findet vermittlerische und kuratorische Kunstpraxis in Sarajevo statt und wie werden diese von den Akteur*innen in diesem Bereich erlebt?

Sarajevo als Hauptstadt und Kulturzentrum Bosniens bildete den optimalen Ausgangsort, um mehr über die zeitgenössische Kunst und ihre Bedingungen zu erfahren. Anfang März 2020 begab ich mich auf eine Forschungsreise nach Sarajevo, um dieser Frage nachzugehen. Mit einem künstlerisch-forschenden Ansatz dokumentierte ich meine Eindrücke vor Ort in Form von Fotos, Videos, Audioaufnahmen und Tagebucheinträgen. Den Fokus der Arbeit bilden Interviews, die mit fünf jungen Kulturschaffenden geführt wurden, welche sich ehrenamtlich in Selbstorganisationen für die junge, zeitgenössische Kunst engagieren. Die Ergebnisse sind in eine umfangreiche Publikation geflossen, welche die Aussagen der interviewten Personen in den historischen und aktuellen Kontext Sarajevos setzt und mit meinen Beobachtungen auf die Stadt vereint.

Seraina Grupp

Mentorat: Nicolas Wirth

Installation aus weiss lasiertem Holz, Papier & Eis, 265 x 400cm


Die Kälte. Das Tropfen. Die Unwissenheit. Wann bricht das nächste Eis durch? 
In dieser Installation fanden sich die Betrachtenden inmitten einer Eisschmelze wieder.
Damit verbundene Assoziationen wie Gletscherschwinden und Klimawandel wurden im anschliessenden Gespräch diskutiert; Das hitzige Thema im Kontrast zur Kälte, die im Raum schwebte.

Elia Schwaller
Kontakt:

Minor Kulturvermittlung

Mentorat: Gila Kolb, Virginie Halter

«Was läuft bei uns? Was läuft bei Euch im Studium? Und was sollte laufen?» Der Master Art Education an der Hochschule der Künste Bern lädt zu Workshops und Rezepteaustausch in die Kunstvermittlungsküche ein. Netzwerkwochen in Kooperation zwischen den vier deutschschweizer Kunsthochschulen finden seit 2007 zu unterschiedlichen Themen und Fragestellungen rund um Kunstvermittlung statt. In der Netzwerkwoche in Bern gestalten erstmals die Studierenden die Inhalte selbst.

Vor dem Hintergrund von Occupy Bewegungen, dem Commons-Denken und partizipatorischer Projekte stellt sich im Feld der Kunstvermittlung die Frage, wie vermehrt in kollaborativen Strukturen gearbeitet werden kann. Die Studiengangsleitung des Master Art Education hat sich für die aktuelle Ausgabe der CH-Netzwerkwoche für ein Peer-to-Peer Format entschieden. In der Computerwelt hat ein Peer-to-Peer-Netzwerk keinen zentralen Server, der die Resourcen verwaltet. Jeder Computer ist zugleich Client und Server. Auf die Netzwerkwoche übertragen heisst das: die Berner Studierenden bieten den anderen Studierenden selber entwickelte Workshops an. Mein Minorprojekt bestand in der Koordination des Workshopprogramms und der Unterstützung bei der Workshopentwickung als Schnittstelle zwischen Studierenden und der Netzwerkwochenleitung. Dabei stellten sich Fragen von Demokratie in der Kunstvermittlung, mein Rollenverständnis als Kunstvermittler und der Sichtbarkeit von Arbeit.

Narrative Levels in Animation: Analysis and Realisation

Animationsfilm, 3'

Schule: Kantonsschule Alpenquai Luzern

Betreuende Lehrperson: Gabriela Gyr

Die Erinnerung an einen verstorbenen Hund, welche Lydia Davis 2014 als Kurztext verfasst hat, dient Heidi Hertach als Ausgangslage für ihre Arbeit. Davis’ Text wird in Hertachs Animationsfilm zum gesprochenen Wort einer Frau, welche in einem Diner sitzt und sich selbst und Anwesenden von dem Verlust erzählt. Spannungsvoll verwebt Hertach in ihren animierten schwarz-weissen Zeichnungen die Ebenen Gegenwart und Erinnerung und findet dabei eine eigene, stringente Bildsprache. Auf subtile Weise thematisiert die Arbeit Verlust und Trauer.

Alte Feuerwehr Viktoria – Eine No-Budget-Produktion

Dokumentarfilm, 40'

Schule: Gymnasium Kirchenfeld, Bern

Betreuende Lehrperson: Adrian Hess

Gian Andrea Linder dokumentiert in seinem Film die Berner Zwischennutzung der Alten Feuerwehr Viktoria. Linder lässt die exemplarisch gewählten Protagonist*innen, welche in Verbindung zum Restaurant, dem Box-Studio, der Flüchtlingsunterkunft und der Mehlwurmzucht stehen, zu Wort kommen und vermag so die wirtschaftlichen und politischen Herausforderungen der Zwischennutzung aus verschiedenen Perspektiven aufzuzeigen. Damit schafft er einen zeitgemässen und spannenden Dokumentarfilm auf technisch sehr hohem Niveau.

Occuli

Künstlerbuch

Schule: Gymnase Auguste Piccard, Lausanne

Betreuende Lehrperson: Anna Peverelli

Karim Akel realisiert ein Künstlerbuch mit dem Titel Occuli, was in Latein so viel wie verborgen sein bedeutet und im Englischen für Wandöffnungen stehen kann. Beides passt zum sensiblen wie intimen Inhalt des Künstlerbuches, in welchem Akel den Betrachtenden einen Einblick in den Krankheitsverlauf seiner Anorexie gibt. In Bild und Text findet Akel freie Umsetzungen des Themas. Die gestalterisch hochstehenden und differenzierten Blätter sowie der Mut zur sehr persönlichen Themenwahl berühren unmittelbar.

Maja Walter

Mentorat: Markus Weiss

Interaktive Skulptur aus Stahl sowie diversen Materialien.


Die Murmelbahn besteht aus einer fixen Metallkonstruktion sowie frei beweglichen Elementen wie Rohren, einer Leiter, einem Helm mit Metallaufsatz, Stoff oder einem Holzbrett. Mit diesen Elementen kann jede Gruppe von kooperationsfreudigen Menschen ihre ganz eigene Version der Skulptur kreieren, sie werden aktiver Bestandteil davon.
Einen Sommer lang tourte die Bahn de Chügeli durch die Schweiz. Sie war zu Gast auf diversen Festivals, an einer Kunstparty, im Tram, auf der Strasse. Sie schuf Momente der Konzentration, der Kooperation, der Begegnung, der Bewegung, der Freude – des Spiels. 

Stephanie Mattmann


Thushany Iyampillai



Mentorat: Sinje Homann und Heiner Butz


Minor Kulturvermittlung

Das Projekt BEGRÜNUNG ist ein interkulturelles Begegnungsprojekt, das im von Freiwilligen betriebenen Café treff.ZIEGLER stattgefunden hat. Es ist ein Treffpunkt für Quartieranwohnende, Bewohnende des sich nebenan befindenden Bundesasylzentrums wie auch für die ehemaligen Bewohnenden, das Raum für Begegnung und Verweilen bietet. Im Zeitraum von zwei Wochen stickten wir mit grünem Garn auf weisse Leinentücher und luden die Cafébesuchenden zum Mitsticken ein. Es trafen Menschen verschiedensten Alters, Geschlechts und Herkunft zusammen und setzten ihre eigenen Motive in dem Gemeinschaftswerk um. So ergaben sich Gespräche und Bekanntschaften unter den Stickenden und den Cafébesuchenden. Als Spuren dieser Persönlichkeiten und Geschichten bleiben die grünen Stickereien auf den alten Tüchern sichtbar.

Mina Achermann

Mentorat: Manuel Schüpfer, Michael Mischler

Videoinstallation (Dauer 2:27) / Druckgrafik (65x70mm/ 500mmx700mm)


Heitere Fahne! Ein Kulturhaus, eine Idee, viel Leidenschaft, Freundschaft, Mut und Idealismus. Ein Ort, an dem Räume geöffnet werden für ungezwungene Begegnungen. Ein idealistischer Freiraumpalast. Menschen, die zusammenkommen - Menschen mit und ohne Beeinträchtigung, Menschen mit Migrationshintergrund, SozialarbeiterInnen, Kinder, KünstlerInnen, Menschen mit oder ohne Sorgen. Sie alle machen die Heitere Fahne zu dem was sie ist: Anregend, aufwühlend, inspirierend, frech, wild, inklusiv, offen, herzlich, ehrlich und im Idealismus träumend.
Eine lange, etwas rostige Limousine bringt Menschen mit Beeinträchtigung in die Heitere Fahne, damit deren Kulturgenuss nicht am Weg scheitert. Es ist das Blöffertaxi, das auch immer nach heiteren Kulturabenden die Gäste wieder nach Hause fährt.

Die Gestaltung von Drucksachen sowie eines Videos soll mit der Gestaltung dem Austausch im Taxi in die Hände spielen. Die Menschen sollen zusammen in den blauen Flitzer steigen und sich kennenlernen indem sie einander die Fragen des Lebens stellen.

Sophie Grand-Guillaume-Perrenoud

Mentorat: Jacqueline Baum

Installation mit gefärbten Tüchern

Zuhause. Was ist es? Wo ist es? Kann es hier sein, kann es dort sein? Darf ich das jetzt machen? Darf ich das sagen? Ein Stück von mein Zuhause, Farben vom Süden, vom Norden, von hier. Meine Komposition.

Nina Kurth
nina.kurth93@hotmail.com
Instagram: @yokkookoy

Mentorat: Marinka Limat, Helena Schmidt

Performances in diversen Formaten und Techniken

«Her mit den Wanderschuhen, dem Zuhause Lebewohl sagen und auf geht’s. Unerwartete Momente stehen bevor. Alle mit ihren Tücken und wundervollen Schätzen. Ich gehe über Hügel, durch Wälder, Hochgebirge und Gras, ich werde vom Wind getragen, ich sehe Vögel und lausche ihrem Gesang, ich höre meine Schritte knirschen, stampfen, tippen, das Herz, das schlägt, meinen Atem, dem ich freien Lauf lasse, meine Beine, die gehen: der Rhythmus des Gehens, jetzt habe ich ihn gefunden.» 
Hier geht es um das Gehen. Im Mittelpunkt stand eine zweiwöchige Wanderung. Jeden Tag befasste ich mich 2h performativ mit dem Gehen. 

Noah Constantin Krummenacher

Mentorat: Franticek Klossner

Performance
Material der Skulpturen: Töpferton


Wann bist Du in, bei, mit Dir?
Durch Erfahrung des Selbst entsteht Ehrlichkeit zum Gegenüber.
Schliesse die Augen, öffne!

Pia Zühlke

Mentorat:

Jacqueline Baum, Dozentin HKB

Balthazar Lovay, Kuration Fri Art (bis Juni 2019)

Minor Kunstvermittlung von Kunst aus

Im Rahmen einer Sonderausstellung in der Freiburger Kunsthalle Fri Art, die die Ursprünge der multimedialen Kunst der 1960er Jahre analytisch thematisiert, ergab sich die Möglichkeit, eine Kunstwerkstatt für Schulklassen zu entwickeln. Die Ausstellung basierte auf dem spielerischen und analytischen Ansatz der damaligen Künstler, die sich mit Multimedia-Kunst beschäftigten, um Räume zu schaffen, in denen sinnliche Erfahrungen erlebt werden sollten. Der gesamte Besuch zielte darauf ab, die Sinne zu stimulieren und die analytische Herangehensweise der Ausstellung an das Thema greifbar zu machen. Auf der Grundlage dieses Konzepts wurde dann ein Workshop, in Bezug zur ausgestellten Kunst, entwickelt und partizipativ durchgeführt.

Andrea Rickhaus
andrea.rickhaus@posteo.de


Mentorat Theorie: Tine Melzer
Mentorat Praxis: Manuel Burgener, Nino Baumgartner


Skulpturen mit Aktivierungsvorgängen
Sand, Holz, Kunststoff, Metall
Grösse variabel


Die Körper unterwerfen sich den physikali­schen Massstäben im Raum. Ökonomische und spielerische Abfolgen variieren. Wiederholung und Praxis zeigen sich in automatischen Handgriffen. Möglichkeiten des Scheiterns, des Fallens, bleiben immer bestehen. Es sind prekäre Dualismen, die der Körper im Raum erprobt, repetiert und sichtbar macht. 

Belinda Kernen und Oona Siegenthaler
belindakernen@bluewin.ch


Mentorat: Helena Schmidt, Daniela Keiser

Übereck-Videoprojektion, ohne Ton, 8min, Loop, 16:9

Bewegt, endlos, komprimiert, tonlos und kurz – so zeigt sich das GIF. Diese Mischform aus Bild und Bewegtbild ist Ausgangsmaterial unserer Master-Thesis. In einer Übereck-Projektion wird das GIF Teil eines grösseren Ganzen – eine Collage, wo sich Fragmente nebeneinander, übereinander treffen und neue Beziehungen eingehen. Gegensätze wie bewegt und unbewegt, leer und voll, schnell und langsam ermöglichen das Eintauchen in einen körperlichen Kosmos, wo Grenzen zwischen Eigen und Fremd verschwimmen.  

Oona Baumann
oona.baumann@gmail.com

Praxismentorat: Evelyne Roth Ledermann
Theoriementorat: Theres Roth-Hunkeler

Objekt und Video aus der Performance «Bau der weltweit ersten Non-Profit Kugel aus Altkleidern - Kleider machen Arbeit».
Objekt: Altkleider, Kugel, 450 kg, 160cm Durchmesser
Video: Monitor 23", Loop, ohne Ton

«Immer schneller, immer günstiger, immer mehr» – doch zu welchem Preis? Die Fast Fashion und ihre Überproduktion an Kleidern macht uns Konsument*innen zu Produzent*innen des Materials «Altkleider». Die Performance „Bau der weltweit ersten Non-Profit-Kugel aus Altkleidern - Kleider machen Arbeit“ auf dem Bahnhofplatz Baden zeigte diesen Zusammenhang sinnlich und  körperlich erfahrbar auf: Durch ein Band, erst geknüpft aus 450 kg Altkleidern, dann zu einer Kugel gerollt. Und wo knüpfen Sie an?

Pia Catherine Zühlke

Mentorat: Jacqueline Baum & Markus Fehlmann

Eng begleitet bei Magdalena Schindler, Kunstvermittlung Kunstmuseum Bern

Geistiges Kapital  

Ein Kunstwerk - multiple Geschichten

Ein Kunstwerk kommt mit einem grossen geistigen Kapital. Es verbirgt und beinhaltet vielfache unsichtbare/stumme Stimmen, welche von historischen, politischen, gestalte- rischen Inhalten und didaktischem, kuratierenden, forschendem und handwerklichem Umgang, erzählen. Es ist ein Gefäss, dass multiple Perspektiven zu einer Gesamtheit von Kenntnissen in sich vereinigt und in einem visuell-, und/oder auditiv-ästhetischen Ausdruck präsentiert. Das Kapital beherbergt folglich eine Vielzahl an einzelne «Wahr- heiten», welche in ihrem Umfang und Komplexität kaum vollständig erzählt werden können. Eine Schwierigkeit, mit welcher VermittlerInnen schon lange konfrontiert sind. Die voranschreitende Digitalisierung ermöglicht eine vielseitigeren Zugang und mehr- strängige Handhabung von ursprünglich analogen Werten. Inhalte können von mehre- ren Seiten über unterschiedliche Medien oder Portale entdeckt werden. Was bedeu- tet das für das geistige Kapital der Kunst?

Annette Brand



Mentor*in Praxis: Jacqueline Baum
Mentor*in Theorie: Priska Gisler


Die Masterthesis fragt nach den Möglichkeiten und Grenzen des gemeinsamen Zeichnens. Wenn Zeichnen als Ausdrucksform und eigenständige Sprache verstanden wird, so müsste es auch möglich sein, „zeichnerisch“ aufeinander zu reagieren und in einen Dialog zu treten. Für das Projekt haben sich zwölf Künstler*innen jeweils zu zweit auf das Wagnis des gemeinsamen Zeichnens eingelassen. Der Prozess wurde von mir im Rahmen einer künstlerischen Forschungsarbeit dokumentiert und analysiert.

Anika Rieben

Mentorat: Andrea Wolfensberger

Fotografie, Zeichnung, Installation
11 Fotografien à 25 x 37,5 cm, 1 Zeichnung à 25 x 37,5 cm, 1 Holzfenster mit Tragegestell ca. 90 x 15 x 35cm  


Den Ausgangspunkt dieser Arbeit bildet in zweierlei Hinsicht der Begriff der Quelle. Einerseits folgte ich dem Lauf eines Bachs im Berner Oberland bis zu drei verschiedenen Quellen, andererseits ging ich mit dem alten Fenster aus dem Elternhaus meiner Grossmutter auch meinem eigenen Ursprung auf die Spur. Die Fotografien des Bachs, welche durch das Fensterglas hindurch aufgenommen sind, suggerieren Aspekte wie Transparenz, Spiegelung und Unterteilung, beziehungsweise Vermessung. Sie spielen mit dem Raum sowie dem Fremdkörper in der Landschaft in Verbindung mit dem Menschen. In der Ausstellung werden die Fotografien dem Fenster als physisches Objekt gegenübergestellt und durch eine Zeichnung des zurückgelegten Weges ergänzt.

Noëlle Asmara Bigler

Mentorat: Daniela Keiser

Installation


Die Installation beinhaltet zwei Fotografien, sowie auch zwei rote Stühle des Stadtgrüns Bern. Die beiden Fotografien wurden einander gegenübergestellt, und gleichzeitig durch die Hängung architektonisch in den Raum integriert, um einen neuen Raum quer über den Gang zu eröffnen. Dieser Eingriff soll die Betrachterinnen dazu veranlassen, stehen zu bleiben und sich hinzusetzen.Die Arbeit entstand basierend auf einer intensiven Recherche mit der Stadtmöblierung und dem öffentlichen Raum Bern, um somit einen neuen Raum zu schaffen, in dem das „Sitzen“ möglich wird. 

Christiane Hamacher

Mentorat: Gila Kolb

1 künstlerisches Vermittlungsprojekt im Propädeutikum der Schule für Gestaltung Biel. 100kg Grillkohle. 4 künstlerische Arbeitsmethoden. 1 Projektarbeit. 2 Wochen Zeit. 1 Reflexionsbogen zu Ende des Projektes zur eigenen künstlerischen Forschung. 2 Minuten Performance als Präsentationsform. 45 Studierende. 5 Dozierende. 1 Assistentin. 1 Forschungslabor. 1 Aktionsraum. 1 Farblabor. 1 Malatelier. 1 Werkstatt. 45 persönliche Arbeitsplätze. 1 Interview mit einer Studierenden. 1 Transkription. 1 Auswertung unter dem Blickpunkt der Vergleichbarkeit von vermittelnden und künstlerischen Prozessen. Diese möchte ich reflektieren und das Wissen über die Erfahrungen in ein eigenes Vokabular fassen.

Das Material Kohle, in einem Setting einer Laborsituation, war der Ausgangspunkt der eigenen künstlerischen Forschung der Studierenden. Jeder Studierende erhielt eine weiße Schachtel im Format A3 als Forschungsbox. Weiße Überziehschuhe, Hauben und Atemmasken wurden ausgeteilt und das Labordurfte nur auf diese Weise betreten werden. Die Kohle als Ausgangsmaterial wurde gewählt, weil sie sich stark in der Geschichte der Welt, Gesellschaft und in den Künsten verankert hat. Der Verbrennungsprozess hat das Material zu einer fast abstrakten brüchigen Form gestaltet. Wenn Kohle lange genug gepresst wird, entsteht daraus ein Diamant. Wir nahmen dieses Bild der Transformation und die verschiedenen visuellen Zustandsformen des Materials als Leitmotiv für den künstlerischen Arbeitsprozess.

In der Jahresplanung der Studierenden des Propädeutikums wird in der zweiten Hälfte des Jahres bis zum Abschluss individuell projektartig gearbeitet. Wir haben das Projekt auf die Art geplant und konzipiert, dass verschiedene künstlerische Arbeitsmethoden exemplarisch aufgezeigt, erfahren werden und die Basis bilden für die folgenden Module. Wir bauten unseren Unterricht zum Start und als Sprungbrett in die eigene Projektarbeit mit geführten halbtägigen Sequenzen zu ausgewählten künstlerischen Arbeitsmethoden auf. Ausgehend von dem Material, der Kohle, planten und begleiteten wir als Team das Projekt. Ein wesentlicher Punkt in der gemeinsamen Arbeit des Teams waren die beteiligten Dozierenden, die in dialogischer Form sich gegenseitige Impulse und Erweiterungen zu Methoden für eine professionelle Begleitung der Studierenden gaben. Ein Echoraumzur Überprüfung der eigenen Haltung und Position.

Die Auswertung des Interviews mit der Studierenden vermittelt die Perspektive meiner Arbeit auf die Methoden, als Impulse der Kunstvermittelnden, und ihre Wirksamkeit in der eigenen künstlerischen Arbeitsweise.

Mentorat: Jacqueline Baum und Sarah Stocker

Idee/Konzept: Fanny Delarze, Esther Tellenbach und Kim Alison Greminger

Minor Kulturvermittlung

Über Kunst sprechen

Ein ausserschulisches Projekt in Zusammenarbeit mit dem Centre Pasuqart in Biel, dem Atelier Tagesstätte Schmelzi Grenchen und dem Living Museum Lyss (Tagesatelier).

Drei Workshop Nachmittage im Centre Pasquart in Biel bildeten den Rahmen für das Minor Projekt.
Unsere Zielgruppe bilden Erwachsene mit psychischer Sensibilität und eigener gestalterischer Praxis. Wir ermöglichten ihnen einen begleiteten Zugang zur Institution Museum und ein Experimentierfeld, um über Kunst zu sprechen.

Der erste Nachmittag unseres Workshops bildete der Auftakt unseres Projekts, im Austausch mit den Teilnehmer/innen klärten wir Bedürfnisse und Erwartungen ab. Am zweiten Nachmittag besuchten wir die laufenden Ausstellungen im Centre Pasquart und am dritten Nachmittag galt es die Eindrücke und Inspirationen der besuchten Ausstellungen durch ein Kartenspiel in die eigene künstlerische Praxis einzubinden.   
 
Entstigmatisierung war unser Leitmotiv: Indem wir die Zielgruppe als Kunstschaffende wahrnahmen, wurde eine nicht wertende, nicht pathologisierende Atmosphäre geschaffen. Wichtig war das Eingehen auf Bedürfnisse und Erwartungen der Teilnehmen- den. Wir wollten das gestalterische Potential unserer Teilnehmenden stimulieren, indem wir uns am Prinzip sprechen/sehen/machen orientierten

Géraldine Pini
geraldine.pini@gmail.com

Praxismentorat: Francesco Micieli
Theoriementorat: Jacqueline Baum

Installation
Stahl, Kunstfilz, Kaktus, Nylon, Kaktus, Nylon

Voyeurismus treibt an. Was sich hinter geschlossenen Türen befindet, ist das was wir sehen wollen. Der öffentliche Raum ist eine Fassade. Eine Bühne, die dazu da ist, gesehen zu werden. In den eigenen vier Wänden ist der Beobachter nicht willkommen. Er verwandelt Privatsphäre in eigene Geschichten und kann das Konstrukt des sauber aufgebauten Charakters verfälschen. Privatsphäre ist wie eine schlechte Schlagzeile in der Zeitung. Jeder will sie lesen, doch keiner will gezeigt werden. 

Michael Gsteiger //
Italo Fiorentino // fiorentinoitalo@gmail.com
Philipp Studer // ph.s.studer@gmail.com 


Mentorat: Stefan Sulzer & Anna-Lydia Florin


Technik: Film / Sitcom mit 3 Episoden
Format: 25 FPS / 25 min.
Sprache: Deutsch, CH-Mundart

Die drei Studierenden Michael Gsteiger, Italo Fiorentino und Philipp Studer setzen sich in ihrem Filmprojekt auf humoristische Weise mit der Kunstwelt auseinander. Dabei spielen sie gleich selbst die drei Alter Egos Tobias Wolff, Fabrizio von Bartenburg und Konradin Bitschgi. Die Arbeit bedient sich der Mittel der Sitcom und des Mockumentary und soll mit Augenzwinkern zum  Nachdenken und ja, zum Lachen anregen.

Josephine Walter

Mentorat: Andrea Heller

Malerei in Gouache, verschiedene Formate und Papiere


Bilder schaffen, ohne sich einem Thema, einem Titel, einem Wort zu unterwerfen. Entstehen lassen und beobachten. Zurücktreten und erkennen, was sich wiederholt, was immer wieder auftaucht, ohne das Perfekte, das Fertige anzustreben. Eine Annäherung an die Malerei, nach ihr und in mir selbst suchend.

Maria Altwegg
mariaaltwegg@yahoo.de

Lorenz Fischer
lm-fischer@sunrise.ch

Josephine Walter
josephine.walter@hotmail.com


Mentorat: Helena Schmidt


Minor Kulturvermittlung

Im Kontext unseres Workshops «Mise en Papier» verstehen wir ein Rezept, anders als ein Kochrezept, als eine Anleitung mit einem offenen Resultat. Und was ist ein Rezept für andere? Unterscheidet sich das Arbeiten mit eigenen Rezepten von der Arbeit mit fremden Rezepten? Und was ist deren Potential für die künstlerische Praxis und Vermittlung?
In «Mise en Papier» versuchen wir gemeinsam mit den Kursteilnehmenden über diese Leitfragen nachzudenken und uns möglichen Antworten anzunähern. Die Fragen sollen anhand von zeichnerischen Rezepten praktisch erfahr- und diskutierbar werden. Durch die Impulse der Rezepte mit offenen Resultaten soll der Fokus der Zeichnenden auf den Moment des «Zeichnens nach Rezept» verschoben werden. Die Stadt Bern bildet dabei den Zeichnungsgegenstand.

Isabelle Weber
isabelleleaweber@gmail.com

Praxismentorat: Tine Melzer, Markus Kummer
Theoriementorat: Toni Hildebrandt

Videoinstallation
Video (52 Minuten), Aluminium, Beton, Sandsäcke, Styropor

In Holland gibt es kein Oben.
Da ist nur eine endlose Oberfläche und das was darunter liegt: Von Null kann es nur ins Minus. Wo oben nichts ist, richtet sich mein Blick nach unten. Ich wechsle zur Bodenansicht, unter die Oberfläche; in der Sub-surface verbirgt sich das Volumen.
Die Arbeit blickt von oben nach unten, in Blickrichtung der Aufzeichnungsmomente der Gegenwart, unter die Oberfläche, in den Boden hinein auf die grossen Gesten der menschlichen Landmassenumwälzung. Dabei interessiert die Transformation materieller Datenspeicher in digitale Speicher. In der granularen Idee ähneln sich Boden und Satellitenbilder in ihrer partikularen Struktur und speichernden Funktion. Was sie unterscheidet, ist, was darunter liegt.

Lara Caluori
lara.caluori@gmail.com

Praxismentorat: Manuel Burgener, Vanessa Billy
Theoriementorat: Tim Kammasch

Installation
Dimensionen variabel

Styropor, Spanngurt, Petrischalen mit Myzel auf Agar-Nährboden, Verzinktes Blech, Polyäthylen- Membranfilterbeutel, Buchenholzsubstrat, Myzel, Sprühflasche, Hygrometer,  Luxmesser, Isightkamera, Laborstativ, Kamerakoffer, Mikroskop
Das wachsende Myzel des Austernseitlings (lat. Pleurotus ostreatus) und des glänzenden Lackporlings (lat. Ganoderma lucidum) benötigt die gesetzten Wachstumsparameter: Licht, Feuchtigkeit und Temperatur. Die Organismen der Installation befinden sich in unterschiedlichen Wachstumsstadien. Die Messungen werden mithilfe eines Hygrometers und eines Luxmessers aufgezeichnet. Besucher*innen haben durch ihre Anwesenheit im Raum der temporären Pilzzuchtstation einen Einfluss auf das Wachstum der Pilze.

Kim- Alison Greminger

kim-alison.greminger@bluewin.ch

Mentorat: Andrea Wolfensberger


Eine Serie von textilen Arbeiten (gezeigt wurden 3 Stücke), die im ersten Semester entstanden. Im Zentrum steht die Dekonstruktion bzw. Fragmentierung des weiblich konnotierten Kleidungsstückes. Ergänzend dazu wurde eine Auswahl an Zeichnungen gezeigt, die meine künstlerische Welt beschreiben.

Sophia Fries

Mentorat: Markus Weiss

Sechs Fotografien (100x60cm), Sechs Kohlestaubhaufen


Ein Kreislauf von Werden und Vergehen, eine Metamorphose von Material, ein Verlust von Farbe und Form, verursacht durch Feuer. Pflanzen verwandelt, Organisches anorganisch gemacht, versteinert. Wachsende und verblühende Organismen werden durch den Prozess des Verkohlens in ihrem natürlichen Werden angehalten. Doch das Material bestimmt die Erscheinungsform und Pflanze wie Kohle reagieren auf Zeit – wenn sich auch die Art des Vergehens unterscheidet.

Die Fotografien halten den kurzen Moment direkt nach dem Verkohlen fest, wo die fragile Form der Objekte noch erkennbar ist. Unter den Fotografien finden sich die Objekte, zu Kohlestaub zerrieben.

Eva Schuler

www.evaschuler.ch

Mentorat: Markus Weiss

Ein Aufeinandertreffen von Worten und Sätzen, die Geschichten ergeben. 
Ein Aufeinandertreffen von Flächen und Linien, die Zeichnungen ergeben.

Was darf eine Zeichnung, damit die Worte gelten und wie gezeichnet dürfen die Worte sein? Diese Arbeit ist eine Behauptung, eine Hypothese, ein mögliches Aufeinandertreffen.

Benjamin Schwander

Mentorat: Daniela Keiser

Ton- und Lichtinstallation
Holz, Metall, Körperschallwandler, Lichtorgel, Subwoofer und Boxen

o abrigo ; the shelter ist eine Ton- und Lichtinstallation, welche durch den Einsatz spezifischer Materialien und technischer Geräte, sowie durch die präzise Auseinandersetzung mit dem Raum versucht, ein Phänomen aus dem Aussenraum im Innenraum zu thematisieren. Dabei steht ein aus dem natürlichen Phänomen entstehendes Zusammenrücken im Vordergrund, welches Nationalität, Religion und gesellschaftliche Normvorstellungen in den Hintergrund rücken lässt. Die Suche nach Schutz wird initiiert durch bekannte und eindringliche Geräusche, vollkommene Dunkelheit und zuckende Lichtakzente. Das Licht reagiert ebenso auf die Tonquelle wie der Ton selbst und lässt den Grundriss des Raumes erkennbar werden, jedoch sofort wieder in der Dunkelheit und in einer irritierenden Unsicherheit verschwinden.

Maria Altwegg


Mentorat: Karoline Schreibe
Technik: Tusche und Javelwasser auf Papier
Format: 80cmx125cm



Wie kann ich mich in einen Zustand versetzten der mir ein möglichst freies und intuitives Arbeiten ermöglicht und was für Bilder entstehen dadurch? Diese Fragen begleiteten mich über das Semester und liessen eine grosse Anzahl von Bildern entstehen welche alle erst auf dem Blatt aus sich gewachsen sind. Ohne klaren konzeptuellen Überbau, geleitet von meinem Interesse und von dem was ich auf dem Papier sah entstanden Arbeiten zwischen Figuration und Abstraktion.

Thushany Iyampillai

Mentorat: Karoline Schreiber
Technik: Tusche auf Papier
Format: 24 x 32cm

Diese Arbeit entstand aus dem Wunsch, mehr Zeit in die eigene Praxis investieren zu wollen. Malen war schon immer meine Leidenschaft, deshalb war von Anfang an klar, dass es eine malerische Arbeit wird. Es war mir trotzdem ein Anliegen etwas Neues dabei zu erlernen. Aus diesem Grund entschied ich mich, mit der mir bereits bekannten Tusche Gesichter zu aquarellieren. Mir war es wichtig einen natürlichen Moment festzuhalten, weshalb ich in Öffentlichen Verkehrsmitteln mir unbekannte Menschen abfotografierte, um die Fotografien später in feine Aquarellporträts umzusetzen. 

Nina Caviezel

Mentorat: Urs Aeschbach

Elf Aquarellmalereien, verschiedene Formate


Im Rahmen dieser Jahresarbeit entstanden elf monochrome Aquarellmalereien. Gemeinsam ist den Bildern, dass sie ausgehend von Fotografien (hauptsächlich aus den 50er und 70er Jahren) entwickelt wurden. Dabei wurden durch Spiegelung, Verzerrung, Drehung, Verschachtelung und Kombination verschiedener Fotografien neue Bildwelten erzeugt. Die Arbeit befasst sich hauptsächlich mit der Thematik der zwischenmenschlichen Beziehung, aber auch mit Szenen aus der Arbeitswelt. Von Bedeutung ist auch das Spiel mit Positiv und Negativ, erzeugt durch die Freilassung des Weissraumes. Durch die Monochromie der Malereien gewinnt die Farbe an Bedeutung, da sie der dargestellten Szene eine ganz bestimmte Stimmung verleiht.

Elin Elmiger

Mentorat: Esther van der Bie und Mika Mischler

Material: Fine Art Print
Medium: Fotografie
Grösse: 50.53 x 75.72 / 101.63 x 152.43 / 107 x 160.48 cm


Auf meinen Zugfahrten zwischen Bern und dem Luzerner Seetal, den Orten an denen ich wohne, fahre ich jeweils am Kernkraftwerk Gösgen vorbei. Dieser architektonische Körper in der Landschaft hat mich zu interessieren begonnen. Mit Hilfe des Mediums der Fotografie habe ich das Gebäude und seine Umgebung erkundet und beobachtet. Mich hat interessiert, wann dieses Bauwerk Teil der Umgebung ist und wann es zum Fremdkörper wird. Besonders fasziniert haben mich die Kippmomente zwischen diesen beiden Extremen. Die Arbeit soll zum Nachdenken über Architektur in der Landschaft einladen, ohne dabei die Debatte über Kernkraft auszuklammern. Präsentiert wurde ein Zwischenstand, am Projekt wird weitergearbeitet.

Aline Witschi

Mentorat: Andrea Heller

Installation/Skulptur
Kopierpapier weiss, A3
Stückzahl unbekannt


Der Körper ist das Ergebnis einer intensiven Auseinandersetzung mit der Wiederholung. Ein bestimmter, tausendfach wiederholter Bewegungsablauf, begleitet von den unterschiedlichsten psychischen Zuständen, prägen seine Entstehung. Die Einzelteile beschreiben den Weg und der Körper steht für das Ziel, welches über das Auge des Betrachters definiert wird.

Angela Krüse
angela.kruese@gmx.ch

Mentorat: Anna-Lydia Florin, Urs Aeschbach, Michaela Schäuble

VideoHD 16:9, Stereo, mit Ton, 11'30''

Klarträumen – zu wissen, dass man träumt und in das Traumgeschehen aktiv eingreifen zu können – ist ein Phänomen, das lange Zeit im Bereich der Esoterik angesiedelt wurde. Das luzide Träumen ist lernbar und wird seit etwa vierzig Jahren wissenschaftlich erforscht.Oneironaut zeigt meine persönliche Auseinandersetzung mit dem Thema Klarträumen und gibt einen Einblick in den Lernprozess. Der Film will informieren, nicht anleiten, will zeigen, nicht belehren, will anregen, nicht überzeugen.

Laura Hadorn



Mentorat: Jacqueline Baum

Technik: Zwei-Kanal-Videoinstallation, 
ohne Ton, Videoloop, ohne Ton, 1,12min

Die fünfteilige Videoinstallation zeigt Ausschnitte eines riesigen industriellen Komplexes in Rotterdam, dessen Bild durch ausgedehnte Tanklager, Rohrleitungssysteme sowie Fackelanlagen geprägt ist. Durch die Aneinanderreihung von stark hineingezoomten und leicht bewegten Ausschnitten entsteht eine neue industrielle Struktur, die in ihrer Linearität einem ganzen Städtebild gleicht. Auf einem Monitor ist eine Aufnahme vom ländlichen Flughafen in Belp zu sehen. Ein Traktor steht im Vordergrund auf einem Feld. Hinter ihm fährt ein Lastwagen durch das Bild, der Güter zum Flughafen transportiert. Im Hintergrund stehen Flugzeuge. Es entsteht ein Spannungsfeld zwischen regionaler Landwirtschaft und internationaler Vernetzung. Die beiden Videoarbeiten sind Ergebnisse einer Untersuchung verschiedener Orte. Neben der Erdölraffinerie in Rotterdam und dem Flughafen in Belp waren es der überwachte Stadtteil des Novartis Campus in Basel und ein privatisierter öffentlicher Raum in London. Es sind global vernetzte Orte, vielschichtige Knotenpunkte, die gesellschaftlicher Strukturen verkörpern.

Tina Odermatt
odermatt.tina@gmail.com

Praxismentorat: Jacqueline Baum, Daniela Keiser
Theoriementorat: Rachel Mader

Installation / Happening
Betonmischwanne, Absperrlatten, Sonnenschirm, Warnwesten, Leitungsröhren, Plexiglas, Silikon

Pause Menu wurde während einer Woche,jeden Abend an unterschiedlichen Standorten im öffentlichen Raum in Bern, durchgeführt. Während der Woche sind spannende Begegnungen, aber auch Momente der Langeweile und des Nichtstuns entstanden. Es gab Momente, die von Zweifel (Was mache ich denn hier?) oder von Bestätigung geprägt waren. Weg vom Spektakulären und Unterhaltsamen hin zu einem Bruch des Gewohnten, zum Schaffen neuer Räume und zum Austausch – egal wie sich dieser gestalten mag.

Karina Schmidlin
kschmima@bluewin.ch

Mentorat Praxis: Mareike Ottrand, Bernhard ProbstMentorat Theorie: Ricarda T. D. Reimer

Videospiel

PICTOTERRA ist ein interaktives, animiertes Wimmelbildspiel. Begib dich auf eine Reise durch die Entstehungsgeschichte dieser mystischen Welt. Finde alle Ziele in der Liste und steige die Leiter der Evolution hoch. Vom Urknall bis zur menschlichen Zivilisation!PICTOTERRA ist ein Serious Game, das in mehreren aufeinander aufbauenden Levels die Grundelemente der Bildbetrachtung behandelt.  

Nadja Knuchel
nadja.knuchel@hotmail.com

Praxismentorat: Dorothea Schürch und Benjamin Sunarjo
Theoriementorat: Rachel Mader

synchronisierte Videoinstallation
60' Loop, Wandgrösse: 3.75 x 2.10 

Der Begriff plaque tournante (franz. Drehscheibe) stammt aus der Verkehrstechnologie. Dabei handelt es sich um eine Drehscheibe, womit Zugwagons umrangiert werden können. Guy Debord verwendete ihn im Zusammenhang mit seiner "psychogeografischen Karte von Paris" und steht somit in Verbindung mit den Situationisten. Bei Debords Karte steht der Begriff für die einzelnen Teile Paris. Die Karte entstand durch die Spaziergangsmethode dérive, die eine neue Wahrnehmung der Stadt ermöglicht und somit zu einem neuen und veränderten Stadtplan führte. In meiner Arbeit möchte ich den Begriff als Moment der Bewegungsveränderung sehen. Ein Element, dass die Bewegung umleiten oder veränderen kann.

Drei GoPro-Kameras wurden auf ein überlebensgrosses Drehkreuz aus Holz montiert, dessen Drehbewegung so gefilmt wurde. Der «Dreh» fand im Käfiggässli in der Berner Altstadt statt. Die enge Gasse ist ideal, um die Bewegungen der Passant*innen zu beeinflussen. Die Interaktionen mit den Menschen und die Drehbewegungen werden in der Installation im Ausstellungsraum sichtbar und erfahrbar

In der Youtube-Playliste ist das vollständige Video zu sehen ("Bewegung10").

Anja Dietrich
die.anja.die.trich@gmail.com


Mentorat: Peter Radelfinger und Tine Melzer

Sammlung, Buch, 148x210mm


Qreuz + Kuer fragt nach den Bedingungen der eigenen kreativen Haltung und Handlung, macht sich Gedanken über divergentes Denken, Sinngebungszwänge, gescheiterte und geglückte Versuche, das Staunen, über physische und geistige Wege und Umwege. Drei entwickelte Versuchsanlagen stehen in der Tradition des Spiels und erforschen definierte Handlungsrahmen. Qreuz + Kuer ist Selbstaneignung, eine Collage aus eigenem und fremdem Material und Teil eines rhizomatischen Systems von Möglichkeiten und Assoziationen.

Ksenia Sadilova
Andrea Rickhaus

Minor Kulturvermittlung 

Mentorat: Dorothea Schürch, Valerian Maly, Chantal Küng   Im Zentrum unserer Interessen liegt das Kochen und das Essen, welche als sozial-kommunikatives Ritual die Grundlage für Gespräche bilden. Diese alltägliche Praxis des Kochens und Essens verstehen wir als einen universellen, prozessorientierten Akt, der Ge- meinschaft fördern und einen Raum für sinnliche Erfahrungen eröffnen kann. Kochen und Essen werden in unserem Projekt als eine experimentelle Strategie erprobt, die kontextabhängig auf Ort und Ereignis re- agiert. Ziel ist es, einen Ort für Fragen (Raum) und einen Moment des Austausches (Zeit) zu kreieren. Dieses Prinzip wollen wir als eine vermittelnde Praxis im Rahmen von künstlerischen Situationen erforschen. Der Fokus liegt darauf, körperliche Handlungsspielräume und ephemere Zustände zu eröffnen, um Gewohnheiten und Konventionen zu verschieben. Für unser Vermittlungsprojekt haben wir das Prinzip der Réactions Culinaires - spielerisch und kontextabhängig kulinarisch auf Ort und Ereignis zu reagieren - in drei ver- schiedenen Settings erprobt: 

Réaction Culinaire(1) fand im Rahmen der Finissage der République Géniale am 10. und 11. November 2018 im Kunstmuseum Berns statt. Das Untergeschoss wurde für zwei Tage zu einer installativen Rohkostküche arrangiert.

Réaction Culinaire(2) begann am 17. Januar 2019 in der Küche und endete bei der Skulptur von Olivier Mosset „Untitled (A Paul Cézanne)“ in Biel. Für das Kunstwerk in der Seevorstadt haben wir eine Geburtstagstorte gebacken, welche beim Werk fertiggestellt und im Anschluss von uns verzehrt wurde. Die ganze Réaction wurde mit einem Aufnahmegerät dokumentiert und soll zukünftig auf unserer Website als Podcast zu hören sein. Réaction Culinaire(3) war unsere erste Live-Kochshow an der Fellerstrasse 11. Wir haben Teig geknetet und die vergangenen Réactions Culinaires vorgestellt. Die ganze performative Präsentation haben wir auf Video aufgezeichnet.

Luca Egger
luca.egger@posteo.net


Mentorat: Hugo Ryser, Andi Schoon, Markus Fehlmann


Technik: Video/Audio
Format: 16:9

In einem Roadtrip durch Raum und Zeit verfliessen cineastische Bilder mit sphärischen Klängen und melodischen Rap zu einem Musikvideo.

In drei Teilen wird ein Ausbruch aus psychischen Abgründen bis hin zum Erreichen eines Sternenmeers vertont und bildlich dargestellt. Um bestimmte Grössenverhältnisse und Stimmungen zu kreieren, wurde mit Greenscreen, Film, Fotografie und diversen Animationsprogrammen gearbeitet. Die Musik und der Text wurden selbst komponiert bzw. geschrieben und bilden zusammen mit dem Bild gleichwertige Einheiten.

Lorenz Fischer

Mentorat: Andrea Wolfensberger

Technik: Tiefdruck auf Büttenpapier
Format: 32cm x 50cm

Die skulpturale Präsenz, die Verspieltheit in der konkreten Ausformung bei Bernhard Hoetgers Architektur diente als Ausgangsmaterial für diese Arbeit. Mithilfe von modular miteinander kombinierbaren Druckstöcken wurde eine mehrteilige, noch nicht abgeschlossene Serie entwickelt. Die Variation in der Repetition begleitete diese Arbeit, als sowohl inhaltlich, wie auch technisch relevanter Grundgedanke. Im Prozess der Bildfindung wurde auf die plastische und räumliche Wirkung der Bildelemente und Konstellationen hingearbeitet. Thematisiert wurde der zeichenhafte Charakter des Einzelmotivs und die Beziehungen innerhalb der Gruppe von Bildern.    

Fanny Delarze

Mentorat: Hugo Ryser & Manuel Schüpfer
Installation vidéographique en réalité virtuelle
Vidéo 360 degrés de 30’’ en loop, lunettes de réalité virtuelle, chaises

Sans titre
Le flux d’image sur Internet est si immense qu’il en devient vide. Dans cette installation, je mets en lumière non pas les images, mais la masse qu’elle présente et où je trouve un intérêt.

Carol Gurtner

Mentorat: Urs Aeschbach

Gouache auf Papier

Ich male meinen eigenen Schatten während dem Malen. Durch meine Bewegungen und das sich verändernde Licht entstehen verschiedene Schichten, Formen und Bewegungen.

Sandrine Zurbuchen
sandrine.zurb@bluewin.ch

Mentorat: Esther van der Bie, Jacqueline Baum, Esther Jungo

Installation und Video-Projektion
600cm x 250cm x 100cm und Full HD 9:16, Loop, ohne Ton

Die Arbeit bewegt sich im Feld Natur – Schnee – Skifahren, wobei der Schnee als Freizeitunterlage, als formbare Masse im Zentrum steht. Der Umgang mit Schnee und das Verhältnis, das der Mensch zu ihm hat, sind dabei von Bedeutung. Die Konstruktion der Freizeitunterlage „Piste“ erfolgt durch das Erschaffen, die Nutzbarmachung und die Modellierung des Schnees. Im Frühling mit dem Schmelzen des Schnees nebenan, ragt die Piste als plastisch angehäufte Schneefläche, als Schneezunge, heraus. 

Laurène Hayoz

Mentorat : Esther van der Bie

In-Game Fotografie (Assassin’s Creed Odyssey)
76 x 135 cm


Fünf Fotografien hängen an der Wand. Sie haben die Besonderheit nicht Aufnahmen der wahren Welt zu sein, sondern die eines Videospiels.
Durch die Benützung des Fotomodus des Spiels, der es ermöglicht Fotografien mit allen Funktionalitäten eines echten Fotoapparats aufzunehmen, beschäftigt sich diese Arbeit mit der Materialität des Videospiels.

Mit der Hilfe der simulierten Tiefenschärfe wurden die Bilder in verschiedene Ebenen mit totalen unterschiedlichen Bildsprachen fragmentiert. Scharfe Elemente, digitale Rasterungen und quasi malerische Unschärfe koexistieren und überlappen sich miteinander. Jedes Bild hat seine eigene Balance und schwankt zwischen abstrakt und figurativ, digital und organisch. Die verminderte Raumwahrnehmung hebt diese einzigartigen Bildsprachen hervor.


Im Videospielbereich bezeichnet Skins Verkleidungen, die ästhetische Änderungen des Spieles oder der Figuren erlauben.

Mirko Kircher
mirko@sonicdream.ch


Mentorat: Urs Aeschbach, Andi Schoon

Technik: Performance mit Malerei und Musik
Dauer: 35 Minuten

Mirko Kircher und Moritz Tobler alias Sonicdream improvisieren mit elektronischen Klängen und Malerei. Der intermediale Dialog steht im Fokus; die beiden Medien übersetzen, ergänzen oder widersprechen sich intuitiv und unmittelbar. In ihrer knapp vierzigminütigen Komposition „Through Hidden Places“ spielen die beiden Künstler mit der Wahrnehmung und den Erwartungen der ZuschauerInnen und schaffen gefühlvolle, träumerische Atmosphären, sie lassen abrupte dramaturgische Wendungen zu und setzen das lebendige Zusammenspiel der Medien Bild und Ton auf eine innovative Art künstlerisch um.

Aldir Polymeris und Nicolle Bussien


Mentorat: Jacqueline Baum

Technik: 16-Kanal Audioinstallation

Aus unzähligen Sprachaufnahmen privater Mobiltelefone, die aufgrund eines Softwarefehlers im Internet frei zugänglich sind, laden Nicolle Bussien und Aldir Polymeris rund tausend herunter und machen sie in ihrer Installation "Soulseeker" hörbar. Zwischen Voyeurismus und Wahrheitsfindung begeben sich die Kunstschaffenden auf die Suche nach Authentizität und finden die digitalen Spuren einer Gesellschaft, die zwischen Banalität und Tiefgründigkeit taumelt.
(Textnachweis: Saaltext der Ausstellung "Cantonale Berne Jura 2018" im Centre d'art Pasquart, Biel (2.12.2018 - 13.1.2019)

Christiane Hamacher

Mentorat: Andrea Wolfensberger

Berühre ich mit dem Finger das Display meines Handys, geht ein Teil der Ladung auf meine Haut über. Eine Störung im elektrischen Feld der Bildschirmoberfläche wird ausgelöst. Die Berührung meiner Finger mit dem Material Glas erzeugt Spuren.

Das Display meines Handys habe ich über mehrere Monate fast täglich eingescannt. Ich bearbeite diese schwarzen Bilder auf meinem Computer mit einem Belichtungsfilter. Aus der Dunkelheit der Bildoberfläche entstehen abstrakte „Gemälde“, die an Landschaften und Orte erinnern. Mit diesen Bildprotokollen von nun mehr als 110 Tagen ist eine Sammlung entstanden.

Ich erstelle damit ein eigenes Archiv. Und schon schleicht sich ein weiterer Begriff ein. Das Tagebuch. Mein Tagebuch. Es betrifft meine Biographie. Mein Tun und Handeln. Eine Selbstvergewisserung im Jetzt. Tag für Tag. Ich sammle Spuren. Bewege mich im Dazwischen von Archiv und Tagebuch. Im Sichtbaren und Unsichtbaren. Im Sagbaren und Unbewussten.

Ebenen und Fragmente in Form der großformatigen ausgedruckten Papierbahnen, der Auflistung im Videoprotokoll der Daten der Tage, an denen ich den Display meines Handys gescannt habe, und meine performative Lesung im Ausstellungsraum zeigen die Unmöglichkeit, ein Archiv als Ganzes zu erfassen.

Die Prints ganz bestimmter Tage sind nicht mit Erinnerungen an diesen einen bestimmten Tag verbunden. Sie sind bildliche Protokolle, Spuren eines Teils meines Alltags. Verwischt schon in der nächsten Sekunde.

Das Verborgene und Unsichtbare dieser Sammlung im Ordner auf der Festplatte erscheinen nun im Ausstellungsraum. Ich habe drei Prints unter formalen Kriterien ausgewählt. Der Text, in Form einer Lesung während der Präsentation, ist aus Fragmenten gebaut. Persönliche Gedanken, Wahrnehmungen und wissenschaftliche Inhalte erzeugen ein weiteres Wahrnehmungsfeld. Persönliche Tagebuchnotizen werden mit Textfragmenten aus wissenschaftlichen Veröffentlichungen über die digital codierte Welt, Sprache, Forschung im Bereich Raumfahrt, Technik und der Arbeitsmethode des Archivierens einander gegenübergestellt. Sie eröffnen einen Raum für neue Fragen, Auseinandersetzung und Austausch.

Andrea Büttner, Künstlerin, wendet die gleiche Arbeitsmethode für ihre großformatigen Arbeiten an, die mir nun erst jetzt nach der Präsentation begegnet sind. Meine Sammlung wird in eine andere Richtung sich weiter entfalten. 

Elia Schwaller

Mentorat: Daniela Keiser

Installation in der Cabane B, Bahnhof Bümpliz Nord

          Submariner Wald, Abend.


Wann gibt’s Suppe?

Ein Text würde die Installation sicher entmystifizieren.

Durch die Maske sind alle Sinne geschärft. Ich höre den Ton viel besser, sehe mehr. Spüre den Boden.

Ich hab dich gar nicht erkannt! So die Jacke bis zum Kinn, eine Wollkappe bis zu den Augenbrauen und noch diese Maske. Ich hab dich erst vorhin beim Suppe essen erkannt.

Ich hab gar nicht gewusst, dass der Plastik auch aus Rohöl ist.

Ich hab gerade heute am richtigen Erdöl gerochen. In der Werkstatt hat's ja einen Liter. Das hat mich ziemlich umgehauen. Hier stinkt’s nicht so fest. Eigentlich ist ja überall Erdöl drin.

Was ist das für ein Material?

Am Samstag fliege ich nach Kalkutta. Für eine Woche hab ich ein Airb’n’b, dann weiss ich noch nicht. Nach einem Monat fliege ich zurück, wieder von Kalkutta. Vielleicht mach ich die Reportage über die Gemüseträger aber ich weiss nicht wie das ist im Winter, ob sie da auch Gemüse haben.

Darf man das anfassen? ich hab mich nicht getraut vorhin als ich drin war. Ist es trocken? Oder wann hast du das rein geleert? Ich sag tschüss.

Ich muss noch arbeiten gehen. Im Magnet. Danke für die Suppe und den Most. Und natürlich die Ausstellung!

Das ist gar nicht mehr ein Liter. Das Gefäss ist ja nicht einmal luftdicht verschlossen. Ich glaub inzwischen haben sie es aber im Spezialschrank, so mit eigener Luftschranke und so.

Warum ist das Material giftig?

Ich finde es hat viele Gegensätze: Dieses feine durchsichtige vom Plastik und das schwere schwarze vom Öl. Dann, dass es so schön ist und gleichzeitig so giftig. Und das ganz Schwarze vom Öl und das Helle vom Licht.

Vorhin waren die Bohnen noch schwarz, aber nach dem einlegen waren sie lila. Aber jetzt ist’s sowieso dunkel, dann sieht die Suppe schwarz aus. Wie Petrol! Aber wenn man Zitrone reinmacht, wird sie rosarot.

Meine Zehen sind eingefroren!

Wann gibt’s Suppe und Most? Komm wir machen einen Hahnenkampf. Das macht warm. Oder besser gesagt einen Huhn- Hahnenkampf. Du musst auf ein Bein stehen, die Hände hinter den Rücken.

Das Gebäude ist glaub ich von der Expo 04. Es gab doch auch diese Obelisken aus Rost. Wir sind jetzt vom Stöckacker hierher gefahren. Irgendwie verirre ich mich immer in Bümpliz. Sieht alles so gleich aus. Er ist gefahren, der macht das schon ganz gut. Muss er ja auch, wenn in den nächsten tagen das Bébé kommt. Übermorgen hat er seine erste Fahrstunde.

Dann springen wir gegeneinander, wer zuerst beide Füsse auf dem Boden hat, verliert. Oder wer zuerst ausserhalb dieser Linie ist.

Was war deine Idee?

In diesem Raum wäre geil ein Technorave. Aber die Nachbarn sind wahrscheinlich das Problem. Vielleicht ein Dayrave. Oder eine Plattentaufe.

Esther Tellenbach

Mentorat: Daniela Keiser

Performance und Audioinstallation Veränderung der Raum- und Zeitwahrnehmung durch Akustik und Geruch. Während der fünfminütigen Performance werden 6 Bienenwachskerzen in einem zyklischen Ablauf angezündet und ausgeblasen. Im Zentrum stehen dabei der Geruch und die Raumirritation durch die Audioinstallation.Das Werk „Switch On“ entstand in der Auseinandersetzung mit dem Stück „Le Lay de la Fonteinne“ von Guillaume de Machaut (1300/05 - 1377) und dem Atelierraum Creaviva, Zentrum Paul Klee, im Rahmen eines gemeinsamem Projektes von Esther Tellenbach und Laura Müller. 

Christiane Hamacher

Mentorat: Barbara Meyer. Schlesische 27. Kunst und Bildung. Berlin

Teufelsberg ist ein künstlerisches Forschungsprojekt an der Schnittstelle zu politischer Bildung. Ausgehend von Fundstücken aus eigenen archäologischen Grabungen untersuchten und befragten Jugendliche der Bildungsmanufaktur der Schlesischen 27, Berlin, in einem künstlerisch forschenden Arbeitsprozess die gefundenen Objekte. Ein neues, anderes, eigenes visuelles Archiv voller unerwarteter Wahrnehmungen, Beobachtungen, Übersetzungen, Entwürfe und Möglichkeiten ist entstanden. 

Als Forscher*innen im Rahmen einer archäo­logischen Ausgrabung starten wir in den Workshop. Diese Methode nehmen wir als Leitmotiv für unser künstlerisch experimen­telles Arbeiten. Viele verschiedenste Mate­rialien, ausgelegt als Materialarchiv, laden zum Experimentieren, Gestalten, Reagieren und Handeln ein. Auslegeordnungen, Wahr­nehmungsübungen und Inputs zu Techniken ermöglichen das eigene Feld der gestalteri­schen Auseinandersetzung zu befragen, zu erweitern, zu experimentieren und in einen ei­genen gestalterischen Arbeitsprozess zu ge­langen. 

Das Material leitet, führt Dich und stellt bestimmte Bedingungen. Es gibt einen Rahmen vor. Es eröffnet einen Weg zu gehen, wo ich am Anfang noch nicht weiß, wie er aussehen wird. 

Das Team der Künstler*innen arbeitet forschend experimentell zusammen. Der Austausch und die Auseinandersetzung innerhalb des Kunstvermittlungsteams über inhaltliche und methodische Arbeitsweisen, während den Planungstagen und des Work­shops, sind Werkzeuge, um die individuellen Arbeitsprozesse zu begleiten. Als künstleri­sche Kunstvermittlerin und als Projektleiterin nehme ich wahr, initiiere und begleite indivi­duelle Arbeitsprozesse. Ich ermögliche durch meine Erfahrung und Wissen über Arbeitsme­thoden und Techniken. Bin also Katalysator und Forscherin zugleich.

Christiane Hamacher

Mentorat: Gila Kolb. HKB

Minor Kulturvermittlung

«Speed-Dating» war das grundlegende Setting, um künstlerische Arbeitsmethoden in einem experimentellen performativen Feld zu erforschen. Im Rahmen unserer Lehrveranstaltung «Andenken» haben Edi Aschwanden, Dozierender und Leiter des Propädeutikums der Schule für Gestaltung Biel, und ich unsere Lehre so gestaltet, dass ich meine Forschung über Ausgangslagen und Arbeitsmethoden für den eigenen künstlerischen Forschungsprozess der Studierenden fortsetzen konnte. Inbesondere galt meine Fragestellung der Entwicklung der eigenen künstlerischen Haltung. 

Unsere Arbeitsmethoden sind unsere Erfindungen, damit die Studierenden abstrahieren lernen. Das heisst, die Studierenden erfahren die Momente, wo sie etwas sehen und erleben, bei uns als Setting vorbereitet, und versuchen in einer Form zu reagieren. Es soll im ersten Moment ein Staunen über das Dargebotene entstehen. Hier passiert etwas, das ich nicht kenne und das mich interessieren könnte! Diese Methode des Nichtwissens im Moment des Staunens, Wahrnehmens und Befragens der Situation erachte ich als einen wichtigen Ausgangspunkt für eine eigene künstlerische Forschung. Denn Nichtwissen oder besser das Noch-Nichtwissen und Erkennen-Wollen ist sozusagen der «Antriebsmotor» für, nicht nur künstlerisches, Forschen. Nichtwissen als Ausgangslage für eine ästhetische Arbeit führt im Denken und Wahrnehmen zur Abstraktion. Das Weglassen von Einzelheiten und die Überführung ins Geheimnisvolle, Nichtgesagte und Neuwahrgenommene eröffnen den Bereich des künstlerischen Arbeitens.

Die Studierenden erarbeiten während acht Wochen ein individuelles Projekt zum Abschluss ihres Jahres im Propädeutikum. Eine Ausstellung am Ende des Semesters zeigt die intensive Auseinandersetzung mit der eigenen künstlerischen Arbeit. Diese wird von der Mentor*in, die den Arbeitsprozess begleitet und unterstützt hat und einer Jury aus fünf Dozierenden benotet.
 

Ich möchte untersuchen, wie zumeist performative Ausgangslagen zu ausgewählten Arbeitsmethoden, zur Abstraktion führen und eine eigene künstlerische Forschung unterstützen und beeinflussen. Anhand des Expert*innen-Interviews mit einer Studentin überprüfe ich die Wirksamkeit unserer initiierten Ausgangslagen, Settings und Arbeitsmethoden im Kontext einer individuellen künstlerischen Forschung.
 

Ich erarbeite ein Manifest, das aus der Auswertung des Interviews entstanden ist. Ausgewählte Aussagen der Studentin, die die Arbeitsmethoden und deren Wirksamkeit im Bereich Abstraktion über einen ausgedehnten Zeitraum aufzeigen, sollen neue Fragen stellen und Anregungen für den eigenen Unterricht geben.

Mara Schenk
mara.schenk@gmail.com


Mentorat: Tine Melzer und Laurin Schaub

Technik: Digitaldruck
Format: 100 x 120 mm

Wo liegt die Grenze der Nase? Die Frage stellt sich nicht nur in Bezug auf das physische Organ, sondern auch auf dessen Kontextualisierung, der Rolle der menschlichen Nase als Bedeutungsträgerin. TOTUM PRO PARTE und PARS PRO TOTO kreieren ein spezifisches Bild der Nase – sie thematisieren die Ambivalenz zwischen sozial-politischem Ernst und verspielter Albernheit, welche auf einer so kleinen Fläche inmitten unseres Gesichts zusammentreffen.

Stefanie Haudenschild
www.stefaniehaudenschild.com

Praxismentorat: Jörg Niederberger
Theoriementorat: Francesco Micieli

Publikation
Digitaldruck, 15.8 x 22.3 cm

Momentaufnahmen
Aus meiner Umgebung. Aus dem tiefsten Innern. Wahrnehmen. Zulassen. Festhalten. Zeichnerisch. Emotionen kommen hoch. Brechen aus. Ich schreibe auf. Blockade. Starre. Stillstand. Aushalten. Innerlich sterben. Durchhalten. Neues zulassen. Altes loslassen. Schwimmend. Treibend. Wohin? Unwissend. Glaube an mich selbst. Mut. Hilfe annehmen. Es selbst schaffen. Augen zu. Oder besser auf. Und durch.          

Eva Schuler


Laura Hadorn


Mentorat: Carol Baumgartner und
Helena Schmidt


Minor Kulturvermittlung


Das Minorprojekt Urban Upload untersucht das Potenzial, anhand fotografischer Uploads mit Geotagging Stadtraum neu erfahrbar zu machen. Entstanden ist ein Workshopkonzept, das während der Netzwerkwoche "What's Cooking?" in Bern mit Kunstvermittlungsstudierenden aus der ganzen Deutschschweiz ausgeführt wird.

"Was lerne ich über den Stadtraum aus anderen, nicht echtzeitlichen, digitalen Blickwinkeln?" Mit dieser Fragestellung setzt sich der Workshop Urban Upload auseinander. Der Workshop soll die Möglichkeit bieten, einen Stadtraum anhand von digital hochgeladenen Bildern zu erkunden, zu hinterfragen und zu erfahren. Der Workshop zielt darauf ab, den Stadtraum in einer zeitlosen Vielschichtigkeit wahrzunehmen, digitale Bilder und Videos reflektiert zu analysieren und dadurch eine intensive Auseinandersetzung mit dem Ort selbst, der Fotografie und mit sozialen Medien anzuregen.

Christiane Hamacher
christiane@hamacher.ch


Mentorat: 
Claudia Hummel, Institut Art in Context, UdK Berlin
Daniela Keiser, HKB Bern


Archivinstallation

Die in den letzten Jahrzehnten einschneidenden Veränderungen unserer sozialen, geschlechtsspezifischen, familiären, beruflichen und gesellschaftlichen Rollen sind herausfordernd für uns, Natur und Umwelt. Vallamand Dessus, mein Arbeits-und Wohnort, ist diesem Wandel sehr fassbar ausgesetzt. Aus der in dieser Zeit zunehmend anonymisierenden Dorfentwicklung und dem weitgehenden Wegfall von dörflichen Begegnungssituationen ergab sich die Frage: Auf welche Weise kann ich über ästhetische Prozesse in Zusammenarbeit mit engagierten Einwohner*innen meines Dorfes dieser von uns beeinflussten Welt begegnen? 

Pascal Graf

Mentorat: Patricia Schneider

Technik: Zeichnung gedruckt mit dem Risograph
Format: Buch 25cm x 19cm


Astronauten bewegen sich in einsamen, verlassenen Naturräumen. 

Lilian Madleina Capaul

Mentoren: Ursula Jacob, Patricia Schneider

Siebdruck, Risograph, Zeichnungen mit Demenz-Simulations-Box Form
Installative Anordnung loseR A3 Blätter


Der Ausgangspunkt bildeten Situationen, welche ich erlebte in meiner Tätigkeit als Pflegefachfrau auf einer Demenzabteilung. Bei diesem Werk ging es darum, den erlebten Situationen eine Form zu geben und Fassetten der Krankheit Demenz, anhand von Personen zu zeigen. Demenz verändert den Menschen. Deshalb habe ich die Zeichnungen und Sätze in einer Demenz-Simulation-Box hergestellt. Personen mit Demenzerkrankung haben oft vergessen, dass sie etwas schon einmal oder mehrere Male getan haben. Um dieses unaufhörliche Wiederholen darzustellen, wählte ich die Drucktechnik. Auch wissen sie oft nicht mehr, warum sie an diesem Ort sind, der sie vor sich selber schützt. Es scheint, dass alles, was sie wahrnehmen, geschlossene Türen und fremde Anlagen sind. Der Grundriss auf dem karierten Papier ist standardisiert und unveränderlich. Genauso wie das standardisierte, unpersönliche Zimmer in einem Altersheim.  

Lilian Madleina Capaul

Mentoren: Ursula Jakob, Patricia Schneider

Siebdruck, Risograph, Zeichnungen mit Demenz-Simulations-Box Form
Installative Anordnung loser A3 Blätter    


Der Ausgangspunkt bildeten Situationen, welche ich erlebte in meiner Tätigkeit als Pflegefachfrau auf einer Demenzabteilung. Bei diesem Werk ging es darum, den erlebten Situationen eine Form zu geben und Fassetten der Krankheit Demenz, anhand von Personen zu zeigen. Demenz verändert den Menschen. Deshalb habe ich die Zeichnungen und Sätze in einer Demenz-Simulation-Box hergestellt. Personen mit Demenzerkrankung haben oft vergessen, dass sie etwas schon einmal oder mehrere Male getan haben. Um dieses unaufhörliche Wiederholen darzustellen, wählte ich die Drucktechnik. Auch wissen sie oft nicht mehr, warum sie an diesem Ort sind, der sie vor sich selber schützt. Es scheint, dass alles, was sie wahrnehmen, geschlossene Türen und fremde Anlagen sind. Der Grundriss auf dem karierten Papier ist standardisiert und unveränderlich. Genauso wie das standardisierte, unpersönliche Zimmer in einem Altersheim.

Pamela Gardi
 


Mentorat: Gila Kolb & Beatrice Kaufmann

Technik: Digitale Malerei
Format: 84,1 x 118,9

Die fünf gezeigten Prints sind Bestandteil einer Serie von 33 „visuellen Codierungen“ und zeigen meine künstlerische Auseinandersetzung mit dem Thema Arbeitsmittel, Arbeitsräume und Unterrichtsvorbereitung. Sie stehen im Kontext einer grösseren qualitativen Untersuchung, welche mit Lehrpersonen im Fach BG auf Stufe Sek II durchgeführt wurde. Mittels Farbcodes werden die erhobenen Informationen und gewonnenen Erkenntnisse in abstrakter Form zusammengefasst. Als Grundlage dieser Codierungen dienen aufgenommene Dokumentations-Fotografien. Die fünf Prints fassen Schlüsselmomente meiner Untersuchung zusammen, während eine Webseite die erhobenen und ausgewerteten Materialien dem Betrachtenden zugänglich macht.

Jelena Helbling
jelena@blanchard-helbling.ch


Mentorat Praxis: Markus Weiss
Mentorat Theorie: Gila Kolb

Technik:
Zeichnungen auf A3 (Bleistift, Farbstift, Acryl, Gouache, Öl...), Zeichenheft, Mindmap und Videosammlung

Format:
Zeichenhefte, Thesis und Dokumentation: 
2 x A4 (210 x 297mm), 1x A4 (297 x 210 mm)
Filme: 1920 × 1080
Mindmap: 200 x 150cm

Diese Arbeit widmet sich dem Gegenstandszeichnen und der Suche nach möglichen, neuartigen Zugängen und Qualitäten der gegenständlichen Freihandzeichnung. In einem Selbstversuch wurde zeichnend der Frage nachgegangen, welche Möglichkeiten es gibt, sich einem Gegenstand zeichnerisch auf unkonventionelle Art und Weise anzunähern und was das Zeichnen-(V)erlernen sein könnte. Entstanden ist eine Materialsammlung mit inspirierenden Handlungsanweisungen zum Zeichnen (v)erlernen.

Pascal Graf
Kontakt:


Mentorat: Beat Frank

Minor Kulturvermittlung
 
Zusammen Zeichnen ist ein Vermittlungsprojekt, bei dem der Titel Programm ist. An zwei Tagen wurde in der Stube-im-Progr ein Raum geschaffen, in dem Leute zusammenkommen und miteinander zeichnen konnten. Unterstichen wurde dieser Grundgedanken durch ein einladendes Setting das viel Raum für Begegnung und Interaktion zuliess, sowie einem Ideengeber der dem Teilnehmenden den Einstieg in das weisse Blatt erleichtern sollte. 

Katrin Zellweger
katrin.zellweger@gmx.net

Praxismentorat: Andrea Wolfensberger
Theoriementorat: Tine Melzer

Kunstharzlack auf Kunststofffolie, Glas, Perlonfaden
382 x 185 cm

Ich tauche ein Stück Karton in die Farbe und lasse sie abfliessen. Es soll nicht zu viel und nicht zu wenig Farbe sein. Ich atme tief ein, strecke meine Arme aus und setze den Karton auf die Folie. Einen Moment lang warte ich, bis die Schwerkraft die Farbe auf den Träger bringt und ziehe den Karton zu mir. Dabei atme ich aus und sehe zu wie eine Farbspur entsteht. 

«What’s cooking?» – Rezepte, Strategien und Tools für eine eigene Kunstvermittlung

Was läuft bei uns? Was läuft bei Euch im Studium? Und was sollte laufen?

Der Master Art Education an der Hochschule der Künste Bern lädt zu Workshops und Rezepteaustausch in die Kunstvermittlungsküche ein. Netzwerkwochen in Kooperation zwischen den vier deutschschweizer Kunsthochschulen finden seit 2007 zu unterschiedlichen Themen und Fragestellungen rund um Kunstvermittlung statt. In der kommenden Netzwerkwoche in Bern gestalten erstmals die Studierenden die Inhalte selbst. 

Im Zentrum der Peer-to-Peer-Woche stehen das Erforschen und Erproben von eigenen Tools und Strategien: Wie geben wir eine komplexe handwerkliche Tätigkeit weiter? Wie zeichnen wir Anleitungen? Wie können Uploads mit Geotagging unsere Wahrnehmung der Stadt erweitern? Wer ist das Internet und wie können wir uns darin schützen? Und wie kann cat-content uns einen ersten Zugang zur Malerei bieten? Wie können wir übers Kochen zu neuen Perspektiven auf Kunst und Vermittlung gelangen? Und was haben Joggen mit Vermittlung zu tun? Wie geht rassismuskritische Kunstvermittlung? Was lehren die Texte, die wir übers Semester nicht gelesen haben? Wer bestimmt den Kanon und wie können wir einen anderen schreiben? Was ist das Potential der Arbeit mit zeichnerischen Rezepten? Wie klingt die Aare?

Neben den Workshops gibt es zwei zusätzliche Inputs: Am Mittwochabend spricht Thomas Hirschhorn über seine Robert Walser-Sculpture in Biel, am Freitag wird die Woche mit einem Kolloquium abgeschlossen, in dem mit Dissertierenden der Akademie der bildenden Künste in Wien Forschungsfragen erarbeitet werden. 

Wir wollen, dass es in der Netzwerkwoche auch neben den Workshops Raum zur Vernetzung gibt. Deshalb bieten wir euch Schlafmöglichkeiten an. Wir laden Euch ein in unsere Quartiere, in unsere Bars, in unsere WGs und natürlich in unsere Küchen. Lasst uns was anrichten!

Die Studierenden des Master Art Education, HKB

Jelena Helbling & Oona Siegenthaler

Minor Kulturvermittlung

Mentorat: Helena Schmidt, Katja Lang, Urs Rietmann

Das in Kooperation mit dem Creaviva entstandene Projekt widmet sich erstmalig einer rein nonverbalen Kunstvermittlung. Das Offene Atelier (OA) ist ein Kunstvermittlungsangebot, welches Personen ab vier Jahren die Möglichkeit gibt, sich innerhalb einer Stunde gestalterisch mit einem zur Ausstellung passenden Thema auseinanderzusetzen. Das Thema Fliegen und Flugdrachen im OA unter dem Titel “Drachen wecken” bezieht sich auf die aktuelle Ausstellung “Klee im Krieg” und gab den inhaltlichen Rahmen für das Minorprojekt vor. Im OA wurde der Bezug zur Ausstellung jedoch nur durch projizierte Bilder von Paul Klee geschaffen, die als dramaturgische Abfolge verschiedene Atmosphären bildeten. 

Während in schulischen und musealen Institutionen gesprochene und geschrieben Sprache fundamental ist, wird im Minorprojekt die Loslösung von Sprache angestrebt und ein Proberaum für Experiment und Spiel erschlossen. Die VermittlerInnen lösen sich vom Verbalen und legen den Fokus auf Körper, Sinne und Atmosphäre. 

Folgende Forschungsfragen bilden den Leitfaden des Projekts:

Ist Kunstvermittlung ohne gesprochene Sprache möglich? Funktioniert sie?

Inwiefern kann durch nonverbale Kunstvermittlung ein Mehrwert generiert werden?

Wie verteilen sich die Rollen zwischen KunstvermittlerInnen und den Besuchenden, wenn die Sprache als Kommunikationsmittel fehlt? Gibt es Verschiebungen in Hierarchie und Funktion?

Zu Beginn des Projekts wurden nonverbale Kommunikationsmittel gesucht,  welche sich für die Kunstvermittlung eignen. Mit dem Ziel das sinnliche Erlebnis in den Fokus zu rücken, wurde das Konzept dem Inhalt des OA’s angepasst und praxisorientiert aufgebaut. Ausgangslage bildet der Flugdrache als «Produkt» des OA. Der einstündige Workshop gliedert sich in Einstieg, Hauptteil und Schluss während denen in Zweiergruppen mit extra für den Workshop entworfenen Material-Schachteln gearbeitet wird.

In vier Arbeitsschritten, welchen die Grundfarben und Weiss als Codes zugeordnet sind, entstehen die Drachen. Pro Schritt gibt es ein Tonsignal und einen Farbfolienwechsel mittels Hellraumpojektor für den Übergang zur nächsten Phase. Planung und Testphase des Konzepts erfolgten über zwei Monate. Für die Durchführung des Maiateliers wurde während dieser Zeit ein rituelles Grobkonzept erarbeitet und mittels der «trial and error»- Methode sowie aufgrund der  Rückmeldungen aus Befragungen der Teilnehmenden und Workshopleitenden fortlaufend angepasst. 

Laura Grubenmann

Mentorat: Nina Rieben / Ralf SamensTechnik: Digitale CollageFormat: 16:9 Dimension variabel

Die vier Bilder Blowing, Mistery & technics / Energie aus Dosen / Fangspiel (el mirlo de Chacahua) & (schwere und zerstreute Figur) setzen sich aus unterschiedlichen Formen und Motiven zusammen, die teilweise aus analogen und digitalen Zeichnungen, teilweise aus fremden Bildmaterial abgeleitet und mittels digitaler Collage und Zeichnung arrangiert wurden.
Durch die Unterschiedlichkeit der verwendeten Bildelemente – ihrer Ästhetik, ihrer Herkunft, ihrer Konkretion, ihrer Wirkung – entsteht eine komplexe Narration. Diese wird durch inhaltliche und assoziative Zusammenhänge, wie etwa durch die Kombination von Symbolen, und durch formalästhetische Zusammenhänge, wie etwa durch den Umgang mit Farbe, Form und Bildsprache getragen.
Gleichzeitig erfährt die Narration durch die, in ihrem Stil und ihrer Herkunft einander scheinbar fremden Bildelemente, eine Brüchigkeit.

Accidentés (Video-Installation), 1. Preis

Schule: Gymnase du Bugnon

Betreuende Lehrperson: Léonore Baud

Zoé Gronchi macht mit der Arbeit «Accidentés» die Beziehung des Selbst zu anderen Menschen zum Thema. Die Arbeit besteht aus zwei Teilen: «Accidentés», einem Kurzfilm, in dem die Maturandin mit Jugendlichen Interviews über ihre Beziehungen zu anderen, zu sich selbst und zum Leben führt, und dem zweiten Teil «Accidentée». In diesem filmte Zoé Gronchi sich selbst, während sie zum ersten Mal Aufnahmen von Menschen aus ihrer Umgebung hört, die ehrliche Texte über ihre persönliche Meinung über Zoé geschrieben haben, aufgenommen hatten.

Das Resultat dieses Projekts sind wirkungsvolle, berührende Bilder, die das Publikum Aspekte der Persönlichkeiten erhaschen lassen, welche selten ausserhalb der Intimsphäre sichtbar werden, und die gleichsam das Porträt einer ganzen Generation skizzieren.

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Accidentés(installation vidéo), 1er prix

Établissement: Gymnase du Bugnon, Lausanne

Supervision: Léonore Baud

Le prix de travail de maturité de cette année a été remporté par Zoé Gronchi, élève du Gymnase du Bugnon, avec son œuvre intitulée Accidentés,sur la thématique du rapport aux autres et à soi-même. L'œuvre comporte deux parties : Accidentés, un court métrage dans lequel l'artiste interroge des jeunes sur leurs relations aux autres, à eux-mêmes et à la vie, et Accidentée. Dans la deuxième partie, Zoé Gronchi s'est filmée en écoutant pour la première fois les enregistrements de son entourage qui disent ce qu’elles pensent d’elle en toute franchise.

Les résultats de ce projet sont des images fortes et émouvantes, qui permettent au public de saisir des aspects personnels visibles habituellement dans l'intimité et qui esquissent le portrait de toute unegénération.

ONOMA, Création d'un abécédaire (Video), 2. Preis

Schule: Gymnase du Bugnon site Sévelin

Betreuende Lehrperson: Yves Zbinden

Lucille Chase hat sich die Kreation eines Alphabets, das auf zerstörten Klängen und klanglichen Zerstörungen basiert, zum Thema gemacht. Sie nutzt bei ihrer Arbeit Onomatopöie, um ihr Alphabet auf Film in Bild und Ton darzustellen. «ONOMA» besteht also aus 26 schwarzweissen Videos, auf welchen die Schülerin mit ihrem Mund, ihren Kleidern oder Teilen ihres Körpers Klänge interpretiert. Sie deformiert die Klänge, indem sie die Aussprache übertreibt, die Videos verlangsamt oder mit abrupten Schnitten montiert. Zwischen diesen schwarzweissen Videos erscheinen kurze Farbfilme, die Zerstörungen von Objekten zeigen. Durch die Montage der zwei unterschiedlichen Filmtypen entsteht ein Rhythmus, welcher für Lucille die Sprache repräsentiert. Gleichzeitig will sie mit ihrem Projekt auch die Sprache deformieren und kritisch betrachten.


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ONOMA, création d'un abécédaire (vidéo), 2eprix

Établissement: Gymnase du Bugnon, Lausanne, site Sévelin

Supervision: Yves Zbinden

Lucille Chase s’est donnée pour tâche de créer un alphabet formé de sons détruits et de destructions de sons. Elle utilise des onomatopées pour représenter les formes et les sons de cet abécédaire sur pellicule. ONOMA se compose de 26 vidéos noir-blanc dans lesquelles l’artiste interprète des sons avec sa bouche, ses vêtements ou des parties de son corps. Elle déforme ces sons en exagérant la diction, en ralentissant les vidéos ou en effectuant un montage des fragments obtenus après des coupures abruptes. De brefs films en couleur qui présentent la destruction d’objets alternent avec les vidéos noir-blanc. Le montage de deux types de films différents produit un rythme qui représente la langue selon l’artiste : c’est que le projet entend aussi déformer la langue et porter sur elle un regard ironique.

Entwicklung und Herstellung eines Motorradtanks (schriftliche Dokumentation und Motorradtank), 3. Preis

Schule: Bündner Kantonsschule

Betreuende Lehrperson: Lydia Wilhelm

Leandro Dorn träumt zwar davon, sich ein eigenes Motorrad zu bauen, in seiner Arbeit beschränkt er sich aber auf die Umsetzung des Benzintanks, Herzstück des Motorrads, in Form und Funktion.

Den Tank kontextualisiert der Schüler gestalterisch und historisch. Die Arbeit beginnt mit Formversuchen an Tonskizzen, grundsätzliche Elemente von Design und Gestaltung beschäftigen dabei, und endet mit der Wahl eines Designs und dessen praktischer handwerklicher Umsetzung. Beim Bau des Tanks setzt Leandro Dorn analoges Spenglerhandwerk, aber auch Highend-Technologie in Form von 3D-Scans und CNC-gefrästen Negativformen ein. Er hat so ein gestalterisch und technisch-funktional anspruchsvolles Projekt verwirklicht.

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Développement et fabrication d’un réservoir de moto (documentation écrite, réservoir de moto), 3eprix

Établissement: gymnase cantonal des Grisons

Supervision: Lydia Wilhelm

Si Leandro Dorn rêve de construire sa propre moto, il se contente, dans son travail, de réaliser le réservoir, pièce maîtresse de l’engin quant à la forme et à la fonction.

L’artiste propose une contextualisation artistique et historique du réservoir. La démarche commence par des essais sur pâte à modeler qui permettent de définir les éléments clés du design ; sur cette base, il choisit un design et s’attache à sa mise en œuvre manuelle. En construisant le réservoir, Leandro Dorn utilise à la fois le savoir-faire analogique du ferblantier et la technologie haut de gamme en recourant à des scans 3D et à des moulages négatifs usinés par technologie CNC. Le résultat est un produit qui remplit des critères artistiques, techniques et fonctionnels exigeants. 

Michael Gsteiger

Kontakt: mikgst@hotmail.com


Mentorat: Patricia Schneider

Ausgangslage dieses Projekts sind digitale Fotografien. Diese wurden bereits mit der Intention erstellt, später weiterverarbeitet zu werden: So sind auf den ursprünglichen Fotos beispielsweise Strukturen, Makrowelten oder auffällige Farbspektren zu sehen. In einem bewusst experimentellen Prozess, der kein konkretes Endresultat zum Ziel hatte, wurden die Fotografien schliesslich miteinander kombiniert, eingefärbt und immer und immer wieder bearbeitet. Im finalen Bild sind schliesslich die Bruchstücke diversester Informationen enthalten. Diese finden sich jedoch in einem zusammenhängenden Ganzen wieder, das als solches ein neues, eigenständiges Bild darstellt. Die Bilder wurden im Grossformat gedruckt, aufgehängt und im Sinne eines «Work in Progress» vorgeführt.

ABSTRACT

Fabian Unternaehrer

info@fu-photo.ch

Minor Kulturvermittlung

Mentorat: Esther van der Bie & Stefan Sulzer

Mit Einwegkamera und Proviant im Gepäck ziehen

wir los in Richtung Wald. Unser Handy liegt dabei

versiegelt im Rucksack. Wir schauen und fotografieren

ab jetzt Natur. Jedes belichtete Bild zählt.

Für 8 Stunden bleiben wir dafür inmitten

und umgeben von Bäumen.

Thema

Stets von digitalen Schnellschussfotoappa-

raten, überhaupt von einer brachialen Bilder-

flut und schlussendlich mehrheitlich hilflos ei-

nem Ansturm von Reizen und Ablenkungen

ausgeliefert, zielt dieser Workshop darauf ab,

sich dem eigentlichen Moment, dem Hier und

Jetzt zu widmen, dem entscheidenden Ort

und Augenblick also, wo Fotografie tatsäch-

lich geschieht.

PLANUNG UND METHODE

Mittels Sinnes- und Wahrnehmungsübungen

stimmen wir uns auf die facettenreiche Wald-

kulisse ein. Die erste Phase dieses Kurses gilt

der erhöhten Konzentration und Wahrneh-

mung auf die Umgebung. In der zweiten Pha-

se überlegen wir uns nach einem theoreti-

schen Input zur seriellen - (Bilderkette mit

ähnlichen, sich wiederholenden Elementen)

sowie zur kaleidoskopartigen Fotografie (Bil-

dergeflecht mit zusammenführenden Elemen-

ten) ein Konzept, vielleicht auch ein Zweites,

welches wir schriftlich festhalten. Von die-

sem gehen wir aus, es ist unser Ziel. Was vom

Entwurf hin bis zum Resultat alles passieren

kann, lassen wir offen, wir werden sehen. Der

konzeptuelle Rahmen ist jedenfalls gelegt, die

beiden Extreme aufgezeigt. Nun geht es um

die eigene Verortung darin. Was zur dritten

Phase führt, zur Umsetzung. Es geht auf Bil-

dersuche.

ERGEBNIS

Der eingelegte Film ist nun limitiert auf 27

Bilder. So entsteht eine ungewohnte Ein-

schränkung durch das Medium selbst. Das

Wegwerfgerät, unser Arbeitsgerät, wird so

omnipräsent. Ob der Auslöser betätigt wird

oder nicht, überlegen wir uns daher gut. Viel-

leicht entscheiden wir intuitiv, ergreifen die je-

weils gegebene Gelegenheit. Wir erleben je-

doch, und das hat dieser Workshop zum Ziel,

eine Entschleunigung und genau dadurch eine

Intensivierung des fotografischen Moments,

gerade auch dank der digitalen Entkoppe-

lung. Die Verlangsamung des Tages, mit sei-

ner eigenen Erscheinungskulisse, bringt und

birgt indes neues gestalterisches Potential.

Wir haben hingegen kaum Kontrolle über die

mechanische Einstellung der Kamera, noch

die Möglichkeit zur nachträglichen Korrektur

der jeweils erzielten Resultate. Dafür bleibt

viel Platz für spielerische Experimente.

Ergebnis und Ausblick

Das Spannungsfeld zwischen Freiheiten und

Unfreiheiten ist ein wichtiger Apekt innerhalb

dieses Minor Projekts: Wie gehen die Teilneh-

menden mit dieser Aufgabe und Situation

um, was treibt sie an, wie entwickeln sie ihre

Vorhaben, wie bewerten sie das Fehlen des

Handys bezüglich ihrer fotografischen Arbeit,

wie erleben sie ihren präzisen Fokus auf den

entscheidenden Moment? Wie äussert sich

diese erhöhte Konzentration und Wahrneh-

mung bei einer vorgegebenen Ökonomie des

Materials? Aber auch, wie formulieren sie ein

fotografisches Konzept, wie stellen sie eine

Fotoserie zusammen, wie adaptieren und

entwicklen, wie präzisieren und präsentieren

sie ihr Projekt? Mit den fünf Teilnehmern ha-

ben wir die Resultate gesichtet, eine Auswahl

getroffen, die Bilder gedruckt, die Konzepte

ausformuliert, die Bilder jeweils zur Serie zu-

sammengestellt sowie ausgestellt und Stel-

lung dazu bezogen, sie einander präsentiert.

Ausblick

Der Fotografie-Workshop wurde im Hinblick

auf eine Integration innerhalb eines instituti-

onellen Rahmens gestaltet. Das Konzept kann

dabei zeitlich adaptiert, ausgebaut sowie auf

diverse Altersklassen und fotografische Ni-

veaus hin entwickelt werden.

Salima Hänni
Kontakt:


Mentorat Praxis: Andrea Heller, Patricia Schneider
Mentorat Theorie: Priska Gisler
 
Technik: Siebdruck und Digitaldruck 
Format: 24 x 18 cm

Das Buch zeigt Auszüge aus Gesprächen mit meinen Freunden Hamed, Hussain und Shahi. 
Ursprünglich aus Afghanistan, sind sie vor zwei bis drei Jahren in die Schweiz gekommen, um hier Asyl zu beantragen. Wir haben uns vor zwei Jahren an wöchentlich durchgeführten Spielnachmittagen kennengelernt. Mein Wunsch, mehr über meine Freunde zu erfahren und dadurch deren Situationen und Sichtweisen besser zu verstehen, gab den Anstoss zu dieser Arbeit. 
Von mir erstellte Fragekärtchen bildeten den Ausgangspunkt für die Gespräche und den intensiveren Austausch. Google Earth gab uns zudem einen vereinfachten Zugang, über Örtlichkeiten zu sprechen. Die Gesprächstexte im Buch werden ergänzt durch acht Kartenausschnitte. Diese zeigen die Herkunftsländer von uns vier Gesprächspartnern, Orte, an denen wir gewohnt haben und den Ort, wo wir uns trafen. Diee Auseinandersetzung zeigt mir, eine Annäherung ist trotz unterschiedlicher Sprachkenntnisse, Herkunft und Geschichten möglich.

Sofie Hänni & Mara Schenk 

Email:

mara.schenk@gmail.com

Mentorin: Sara Smidt

Minor Kunstvermittlung 2018

AUS + EIN beschäftigt sich mit dem Thema der Atmung. Ausgehend von der Ausstellung «Jeppe Hein. Einatmen - Innehalten - Ausatmen» im Kunstmuseum Thun führten wir sieben Workshops zu diesem Thema durch. Mit unserem Atemobil besuchten wir Menschen an unterschiedlichen Institutionen und stellten überall die gleiche Frage: Wie lässt sich Atem einfangen? Wie könnte man sichtbare, fassbare, hörbare Formen für den Atem finden? Die Teilnehmenden setzten sich selber mit einer Frage auseinander, welche auch den Künstler in seinen Arbeiten beschäftigt. Uns interessierte dabei einerseits die vielfältigen künstlerischen Strategien, die rund um diese Frage entwickelt wurden, wie auch die Umsetzung des gleichen Vermittlungskonzepts-Settings in unterschiedlichen Kontexten und mit verschiedenen Zielgruppen. Welche Erkenntnisse lassen sich aus den unterschiedlichen Begegnungen gewinnen? Inwiefern passieren Anpassungen durch die Teilnehmenden und uns als Vermittlungspersonen, bewusst und unbewusst? Parallel zu den Treffen erstellten wir eine Webseite, die mit Beispielen aus der Gegenwartskunst wie auch Eindrücken aus den Workshops gefüllt wurde und so als wachsender Sammlungsort und Ideenpool diente.

Luca Pitsch



Mentorat: Joseph Loretan

Material: Buchenholz

Technik: Hohlbeitel, Japansäge, Motorsäge und Handkreissäge

Die in einem Wintersturm gefallene Buche wird als materiell begrenzte Ausgangslage für die prozessorientierte Auseinandersetzung mit Buchenholz genommen. Aus der Arbeit am Holz und den damit einhergehenden Sinneserfahrungen werden Form und Inhalt der Arbeit entwickelt. Angefangen bei den dünnen Ästen der Baumkrone konkretisiert sich die Suche entlang des Stammes weiter. 

Der schriftliche Teil der Arbeit setzt sich mit Holz als Material im alltäglichen, sowie im künstlerischen Kontext auseinander. Insbesondere an der Position des Künstlers Giuseppe Penone wird der Umgang mit Holz als lebendiges Material aufgezeigt.

Anhand der eigenen Erfahrungen im künstlerischen Prozess wird das Potenzial der sinnlichen Materialerfahrung als Ausgangslage für gestalterische und pädagogische Prozesse herausgearbeitet und verdeutlicht.

Elisa Schiltknecht und Barla Pelican

Kontakt: ,

Mentorat: Helena Schmidt, Virginie Halter, Gila Kolb

Format: 1 Raum, 5 Events

Ausbreiten ist ein partizipatives Kunstprojekt welches im Team durchgeführt wurde. Unsere Motivation für das Projekt Ausbreiten war es, eine experimentelle Annäherung an die Vermittlung im Kunstkontext zu schaffen und unsere dazugehörige Positionierung darin zu finden. Im Projekt war es uns wichtig, eine völlig freie Auseinandersetzung mit Raum und unterschiedlichen Materialien zu generieren. Die Zusammenarbeit mit anderen Menschen war dabei zentral. Wir versuchten ein Format zu schaffen, welches durch offene Aufgabestellungen die Besucher_innen zur Partizipation anregte. Grundidee war also, in einem leerstehenden Raum an fünf Daten innerhalb der Monate April/ Mai 2018, Besucher_innen anzuregen, sich unter bestimmten Rahmenbedingungen auszubreiten. Die Reflexionen des praktischen Projektes Ausbreiten wurden anschliessend in einer theoretischen Arbeit zusammengefasst und ausgewertet.

Dörthe Jordan

Kontakt: 

Mentorat: Patricia Schneider

Technik: variabel

(Performance, Postkarten, Installation)

Wie viele Fragen passen in einen Kopf? Wie viele Fragen davon werden wir niemals stellen?   Wie viele Fragen beantworten wir nicht einmal uns selbst gegenüber ehrlich?   Wie viele Fragen ertragen wir, bis wir keine Lust mehr haben? Welche Fragen irritieren uns? Suchen wir überhaupt nach Antworten? 

BERGEAUSFRAGEN ist ein andauerndes Projekt, das sich mit dem Be- und Hinterfragen der eigenen Person, der eigenen Wahrheiten, Gewohnheiten und Umstände beschäftigt. Auf verschiedenen Wegen wird das Publikum mit Fragen konfrontiert und die Möglichkeit eröffnet, diese annonym zu beantworten.

Stefanie Janssen



Mentorat: Lea-Nina Fischer und Dr. Yvonne Schweizer

Technik: Installation - 41 432 g Einblick in die Geschehnisse in und um Bern (Juni 2018)
Format: 17 mal 70 x 103 cm


Das Material als Konzentrat für Ort, Zeit, Raum: Das Medium Staubsaugerinhalt als Abbild eines Ortes mit einer einmaligen Zusammensetzung während der Zeitspanne vom leeren zum vollen Staubsaugervolumen. Die Installation ist Zwischenstand einer Auseinandersetzung mit der Wertigkeit und Qualitäten von Materialien. Die im Saaltext gezeigte Herkunft des Materials (in Gramm) lässt den Betrachter über Ort und Geschehnisse spekulieren. Die Inhalte bleiben in ihrer Präsentation ephemer und vermischen sich mit den Spuren des Ortes der Präsentation. Zwischen Widerwillen und Neugierde schnüffelt der Betrachter in den Restmaterialien des Alltags der Andern.Öffentliche Institutionen, Halbprivate, sowie Privatpersonen wurden angefragt, ihren Staubsaugerinhalt zu spenden.Das Display von teilabstrakten Daten - Was findet sich in denselben Behälter unterschiedlicher Herkünfte? Wie vereint (oder distanziert) sich die meist auf den ersten Blick als «Abfall» eingestufte Materialität und mit der Präsentation ebendesselben? Was verraten die Spuren dem Betrachter?

Italo Fiorentino und Philipp Studer

Kontakt: fiorentinoitalo@gmail.com und filisur@gmx.ch

Minor Forschung

Mentorat: Patricia Schneider

Technik: Interviews, Analysen, Webseitengestaltung.

Im Rahmen des Kunststudium mit Lehrbefähigung (Sek2) wird man immer wieder vor die Aufgabe gestellt, Unterrichtseinheiten zu gestalten - und dies ohne vorher viel Erfahrung darin mitzubringen. Vor allem im Einführungs- und Fachpraktikum möchten wir einerseits den Schülerinnen und Schülern einen spannenden Beitrag zum Schulalltag bieten und andererseits unseren Ansprüchen an einen innovativen Unterricht genügen. Unter diesen Voraussetzungen ist der Austausch von Ideen und Erfahrungen mit anderen Studierenden sehr wichtig.

Wir verschafften wir uns einen Überblick über bestehende Austauschplattformen im Bereich Bildnerisches Gestalten und erarbeiteten eine Analyse auserwählter Beispiele. Diese Analyse bietet nun Lehrpersonen in der Ausbildung eine Hilfestellungen, welche Tools zur Verfügung stehen und welche Vor- und Nachteile es aus Sicht von uns Studierenden gibt. Die durch die Recherche entstandenen Erkenntnisse stehen in Form einer kleinen übersichtlichen Webseite zur Verfügung: www.bgaustausch.ch.

Bigler Jasmin, Kernen Belinda, Weibel Nicole

Email: , belindakernen@bluewin.ch, nicole@biglerweibel.ch

Mentorin: Myriam Gallo, Virginie Halter, Franz Krähenbühl

Vermittlungsprojekt

Minorprojekt «Brunnengeschichten» von Jasmin Bigler, Belinda Kernen und Nicole Weibel untersucht die Frage: «Was ist und was braucht Kunstvermittlung im öffentlichen Raum?». Anhand einer breiten Recherche und zwei Versuchsanordnungen beim Dorfbrunnen in Bümpliz wurde dieser Frage auf den Grund gegangen.

Lorenz Fischer
Kontakt:

Praxismentoren: Andrea Wolfensberger und Stefan Sulzer
Theoriementor: Stefan Sulzer

Material: Holz, Concrete Canvas, Mörtel, Eisen
Masse variabel

Implizite Kraft und suggerierte Schwere zeigen sich in der Skulptur. Die verräumlichten Flächen und linearen Konstruktionen tangieren sich und changieren in den Rollen des Trägers und des Getragenen. Die materialinhärenten Eigenschaften werden herausgearbeitet. Die Arbeit handelt von Schwere und Leichtigkeit, vom Formwillen des Materials – Flexion und Extension als konservierte Bewegung.

Alexandre Cottier
alexandrecottier@protonmail.com

Mentorat: Sam Porritt (Praxis), Konrad Tobler (Theorie)

Technik: 384 Zeichnungen, Kugelschreiber und Edding auf A4-Druckerpapier
Material: Holzrahmen, Anglerschnur, A4-Druckerpapier
Format: 400 x 400 x 216 cm

Ausgangspunkt dieser Arbeit ist das alltägliche Zeichnen, bei welchem sich das Subjektive auf das Blatt absetzt. Aus der kontinuierlich wachsenden Zeichensammlung wurde eine Auswahl getroffen, welche das Eintauchen in eine mannigfaltige Bilderwelt ermöglicht und ein Wechselspiel der Ähnlichkeiten erzeugt. Auf diese Weise soll das Objekt den Betrachtenden als Kaleidoskop dienen, um dem eigenen subjektiven Blick nachzugehen.

Parallel dazu ist die Theoriearbeit mit dem Titel "Weben, Zwirnen, Knüpfen: Gedankliche Texturen aus zerfransten Fragmenten" entstanden. Hierbei handelt es sich um eine Textsammlung, die Fragen des persönlichen Alltags mit jenen der Ästhetik verknüpft und gedanklich weiterführt. Aus diesem Prozess heraus ist eine zweiteilige Theoriearbeit entstanden, die sowohl mit einem linearen, als auch einem schweifenden Leseblick durchschritten werden kann.

Mira Buck
mira.buck@gmx.ch

Mentorate: Iver Ohm, Stefan Sulzer
Film, 10 Minuten

In diesem Film wird ein historisches Ereignis innerhalb der Italienischen Resistenza reflektiert, wobei Partisanen im April 1945, in der von der Schweiz benachbarten Region Ossola, 64 Tonnen TNT zerstört haben.

In den vergangenen 73 Jahren gab es über diese Aktion verschiedene Auslegungen, die jeweils auch aktuelle Schweizerische Gesellschaftslagen widerspiegeln. Mittlerweile sind alle an der Aktion beteiligte Partisanen verstorben und die Historik der Resistenza ist in der Schweiz immer noch kaum bekannt. In diesem Film wird diese Partisanen-Aktion, welche mit der Schweiz zusammenhängt, nochmals hervorgeholt und die historischen Hintergründe werden von einem zeitgenössischen Blick aus neu ausgelegt.

Kristin Muth

morecambeproject@hotmail.com

Mentorat: Priska Gisler, Andrea Wolfensberger, Nadia Bader


This is an art education project set in a socially and economically deprived neighbourhood of the English seaside town Morecambe. The project combines art education, sociology and ethnography to define challenges and opportunities in the work with young people living in a deprived community. The workshop’s participants were asked to show their favorite places in the community and to document them photographically. Furthermore, they created artworks that were on display in an exhibition curated by the participants.  

Katharina Karras

Mentorat: 
Praxis_Carolien Niebling 
Theorie_Jörg Wiesel

Material:Butter aus Kuh-, Schaf-, Ziegen-, Büffel- und Dromedarmilch, Glas, Eiswasser, Paraffinpapier

Masse:
Butterglocken: insgesamt 5 x 12 cm (Durchmesser) x 20 cm (Höhe) 
Papiere: 20 cm x 20 cm

Der jeweils gegenwärtige Status von Butter kann als Spiegelbild westlicher Gesellschaften gesehen werden. Butter ist heute alltäglich, aber unscheinbar. Obwohl Butter wirtschaftlich gesehen stets ein unbequemes, stark reglementiertes Produkt war, bekam sie eine bis dato währende identitätsstiftende Funktion in der Schweiz. Ihre immanente ökologische und ökonomische Ineffizienz ist Gegenpol Intensiver Landwirtschafsformen. „Die Butter (Plural).“ untersucht das Material aus unterschiedlichen Perspektiven, verweist auf den Begriff der Biodiversität als Zukunftsbasis und hinterfragt die Identitätssymbolik der Butter, indem sie das Produkt - auf aktuelle Umstände reagierend - neu definiert.

Pascal Graf
Kontakt:


Mentorat: Andrea Wolfensberger, Samuel Herzog

Technik: Sammeln und erschaffen


Die Sammlung besteht aus diversen historisch anmutenden Objekten und setzt sich aus Fundstücken, Käufen und eigenhändig erstellten Objekten zusammen. Sie wird von einer Hintergrundgeschichte um den Schweizer Arzt, Entdecker und Sammler Karl Gustav von Wendelhäusen zusammengehalten. Mit dieser Sammlung wurde der Versuch unternommen eine fiktive Wunderkammer von Grund herauf zu erschaffen.

ABSTRACT
Fabian Unternaehrer

info@fu-photo.ch

Minor Mediale Vermittlung

Mentorat: Anna-Lydia Florin & Jacqueline Baum

Fabian Unternaehrer hat den Hauptinitianten des Skatebowls bei der Reithalle in Bern interviewt. Das Interesse galt hierbei nicht bloss dem Skateboarding als solchem, sondern vielmehr auch jenem aussergewöhnlichen Treffpunkt, welcher als Schnittstelle agiert sowie in steter Wechselwirkung steht. Der Bowl liegt zwischen Eisenhahn, Hauptstrasse, Parkplatz und der Reithalle und wird so von den verschiedensten Menschen frequentiert. Ein soziokulturelles Projekt also, das mit integrativem Charakter fungiert. Zur Sprache kommen hier unter anderem Alex Haller, Leiter Jugendamt sowie Reto Nause, Direktor für Sicherheit der Stadt Bern. 

ZIEL

Der Plan war, eine Begegnung zu schaffen mit einem Macher, mit jemandem der soziokulturelle Arbeit verrichtet, ohne sich dessen wirklich bewusst zu sein oder dies jemals studiert zu haben. Mit jemandem, der sich selbst an einem stark vorbelasteten Knotenpunkt für Kultur einsetzt und dabei auch keine Angst hat vor Träumen. Ganz im Gegenteil, seine Träume nicht eben nur für sich, sondern auch gleich mit für andere wahr macht. 

KULTURVERMITTLUNG 

Unter der Eisenbahnbrücke, da wo der Bowl liegt, wird die Brücke daher gleich mehrmals geschlagen - zwischen der Reitschule und der Allgemeinbevölkerung, der Stadt, zwischen Aussenseitern und Partygängern, zwischen Dealern, Junkies, Obdachlosen und wiederum Skateboardern, DJ`s, Streetartists sowie politisch Aktiven. Dies also auf kultureller wie auch auf sozialer Ebene. Pablo wirkt dabei wie ein allverbindendes und vermittlendes Element. Er sitzt mit den verschiedensten Lagern zu Tisch und sucht Lösungen, dies über zehn Jahr hinweg hinsichtlich einem Traum, dem Skatebowl bei der Reithalle.  

Ergebnis

Der Film zeigt verschiedene Seiten auf. Einerseits, wie es stadtbauamtlich und finanziell überhaupt dazu kam und andererseits, wie die Kids den Bowl heute in Anspruch nehmen. So denn auch wie Pablo Skateboarding sie dabei unterrichtet und in diesem Zusammenhang, was die Elternteile sowie das Jugendamt dazu sagen. 

Ausblick

Der Film könnte ausgestrahlt werden. Ob die Qualität dazu ausreicht, werden andere entscheiden. Jedenfalls fest eingeplant ist, den Film an die grosse Betonwand, dem Brückenpfeiler bei der Skatebowl zu projizieren. Der Film soll nun in erster Linie Pablo bei seinen weiteren Kultur-Projekten und Vorhaben unterstützen.

Belinda Kernen

Kontakt: belindakernen@bluewin.ch

Mentorat: Stefan Sulzer & Anna-Lydia Florin

Technik: digitale Fotografie


Im Fokus dieser Auseinandersetzung steht der Dialog und das gemeinsame Interesse für Fotografie. Seit November 2017 führen Shannon Zwicker und ich einen WhatApp-Chat, in welchem wir uns abwechslungsweise Fotografien schicken. Dafür haben wir uns einige Regeln festgesetzt. Innerhalb von 48 Stunden muss eine Antwort erfolgen und die Fotografien müssen sich inhaltlich oder formal auf das vorherige Bild beziehen. Entstanden ist eine Sammlung von über 90 Fotografien, die einen Einblick in unseren Alltag und unsere Denkweisen ermöglicht. 

Esther Tellenbach
e.tellenbach@gmx.ch

Mentorat Praxis:
Andrea Wolfensberger, Peter Scherer
Mentorat Theorie: Andi Schoon

Technik: 2 Aktivboxen, 1 Subwoofer, Audiodatei
Format: Klanginstallation
Dauer: ca. 10 Minuten


Esthesis _ Komposition «1»

Die Komposition «1» basiert auf gesammelten Klanggeräuschen aus dem öffentlichen Raum und elektronisch erzeugten Sinustönen. Die beiden Klangelemente vereinen sich zu einer Klangreise, die sich zwischen den Polen von angenehm umhüllend und störend weckend bewegt. 
Die Klänge schwingen und schweben im Zusammenspiel mit der Architektur des Raums. Als Klanginstallation bietet Esthesis ein akustisches und physisches Erlebnis. Sie lädt zum Innehalten ein und ermutigt zu einem bewussten Wahrnehmen von Klang und Raum. Als Vorbereitung auf das Klangerlebnis stehen dem Rezipierenden Decken und Kissen zur Verfügung. 

Philipp Studer

Kontakt:


Mentorat: Karoline Schreiber

Technik: Gouache auf Segeltuch

Format: 150 x 170 cm

Zufälligkeiten bewusst zulassen oder inszenieren.
Mit Hilfe von Apparaturen ein Bild entstehen lassen und dabei dem Zufall eine grosse Rolle zukommen zu lassen, war Ziel dieser Experimente. Sich als Künstler nach dem Auslösen der Konstruktionen aus dem Entstehungsprozess rausnehmen, heisst auch mit allen Konsequenzen zu arbeiten. Als "one-shots" entstanden mit vier Methoden vier Bilder - keine Auswahl, keine Zensur.

Jelena Helbling

Kontakt: 

Mentorat: Ursula Jakob, Urs Gehbauer

Technik: mehrfarbiger Holzschnitt

Format: 46 x 64 cm


Dieses Projekt widmet sich dem mehrfarbigen Holzschnitt und dem Bildmotiv «Wald». Themenschwerpunkte waren harmonische Farbklänge, Farbvarianten, Farbatmosphäre, Tiefenwirkung und unterschiedliche Bearbeitungsverfahren der Druckstöcke mittels Lasercutter oder analoger Bearbeitung. Inspiriert durch den japanischen Farbholzschnitt entstanden mehr als 60 Bilder mit Farbverläufen und klaren Farbflächen, welche sich beliebig zu einer dreiteiligen Bildserie zusammenstellen lassen. Im Rahmen des Hochdruckkurses an der HKB (Grundlage und Vertiefung) konnte ich mir eine neue Technik aneignen und durch das Experimentieren vom Vorbereiten der Druckstöcke über die Farbmischung bis zum fertigen Druck einen vertieften Einblick in die Welt des mehrfarbigen Holzschnitts erhalten.

Andrea Rickhaus

Kontakt: 

Minor Kulturvermittlung

Eine performative Reaktion auf das Werk von Anna Barriball im Centre d'Art Pasquart, Biel.

frotter ist ein performatives Vermittlungsprojekt auf der Suche nach einer eigenen Übersetzung des titelgebenden Begriffs in die Sprache der Bewegung und des Klangs. Die reliefartigen Zeichnungen von Anna Barriball sind statische Fragmente eines zeitaufwändigen und physischen Arbeitsprozesses von Reiben, Drücken, Pressen und Modellieren.
Nadine Kunz (Bewegung) und Emile van Helleputte (Klang) übertragen Aspekte von Anna Barriballs Arbeitsweise und ihren Zeichnungen in dynamische und körperliche Gesten, die sie den Besucher:innen in einem flüchtigen Ereignis in den Räumlichkeiten der Ausstellung präsentieren.

Mit
Nadine Kunz - Bewegung
Emile Van Helleputte - Klang

Idee & Konzeption
Andrea Rickhaus

Das Vermittlungsprojekt fand in Kooperation mit dem Kunsthaus Pasquart Biel am 27. Mai und 10. Juni 2018 statt.

Mentorat: Sarah Stocker & Simone von Büren

Anna Jaun  

 
Mentorat:
Praxis_ Karoline Schreiber
Theorie_ Julia Jost 

Technik_ Öl auf ungrundierter Leinwand
Format_ Block à 6 Malereien. Alle haben das Format 120 x 165 cm 

Ich bewege mich zwischen Figuration und Abstraktion. In kurzen und intensiven Momenten entstehen Bilder, in denen Erinnerungen, Geschichten, Gefühle oder Vorstellungen Ausdruck finden.
Ich erzähle von humorvollen Begegnungen, bei welchen die bildliche und materielle Körperlichkeit im Zentrum stehen. Sie wird spürbar im gewählten Material, in der ungrundierten Baumwolle und im lustvollen Auftragen der Farbe. Der Reiz, mit der Zweisamkeit zu spielen und den Bildraum als Raum für Erzählungen, Erfindungen und Phantasie zu nutzen, ist der Grund warum diese Bilder entstehen. Dem Körperlichen begegne ich in meinen Bildern immer wieder, jeweils in neuen Formen und Ideen.

Laura Schaffroth

Email:

Mentorat: Karoline Schreiber, Theres Roth-Hunkeler

Technik: Gouache auf Papier
Format: 200 cm x 148 cm

Der Haarwuchs ist naturgegebenes und vitales Merkmal unseres Körpers und oft Ausdruck individueller Bestrebungen. Für viele Menschen wird das Körperhaar zum Gegenstand eines subjektiven und formenden Eingriffs, welcher von einem persönlichen Schönheitsempfinden, gesellschaftlichen Normen, sowie dem damit verbundenen Schönheitsideal mitgeprägt wird. Gespräche mit drei Frauen bildeten einen Resonanzraum für die Auseinandersetzung mit dieser Subjekt-Objekt-Beziehung.

Gianna Rovere

Email:


MentorIn: Regina Dürig und Michael Mischler

Technik: digitale Prints, Publikation

Format: variabel


«Gianna» ist eine Untersuchung von Bildmaterial, welches ich von verschiedenen Giannas im Kanton Bern mithilfe von Culture Probes erhalten habe. Ich interessiere mich für den schwer zu definierenden Begriff der Privatsphäre. Ziel meiner Untersuchung war zu sehen, welche Giannas mir wie viel von ihrer Wohnung, ihrem Leben und ihrem Körper zeigen. In einer Welt, in der Social-Media boomt und das präsentieren der eigenen Person und seines Umfelds angestachelt wird, kann das Bewusstsein über seine eigene Privatsphäre verloren gehen. Der Fokus meiner Untersuchung liegt zurzeit auf den Scans von Haut- und Textilfragmenten. Ihre Ambivalenz und gleichzeitige Schutzfunktion empfinde ich als eine Essenz der Privatheit. Hier sehe ich auch eine klare Abgrenzung von «privat» und «persönlich»; während die Haut inklusive ihrer DNA wohl das Privateste ist, was sichtbar wird, sagt unsere Kleidung meist mehr darüber aus, wer wir als Person sind. Die Textilien schützen unseren Körper vor äusseren Einflüssen und bedecken unsere Nacktheit. Dass sich in meinen Scans Haut und Textil nicht mehr klar abgrenzen lassen, ist eine Spiegelung dieses Phänomens der Zuordnung.Begleitend habe ich in der Publikation «Beobachtungen von Gianna» Texte zu privaten Szenerien geschrieben, die mi im öffentlichen und privaten Raum begegnet sind.

Lisa De Nigris

Mentorat: Prof. Dr. Birgitt Borkopp-Restle Technik: Wolle und Textil gehäkelt, gestrickt, geknotetDie Arbeit "Hirngespinnst" ist ein Ausdruck meiner Gedanken, sie soll im übertragenen Sinne zeigen, wie es in meinem Kopf aussehen könnte. Den Besuchern wird hiermit die einmalige Chance zuteil, in meine Kopf einzudringen, sich meine Gedanken anzusehen und sich auch mit ihrer eigenen Gedankenwelt zu beschäftigen. 

Janick Sommer
Kontakt: janick.so@bluewin.ch

Mentorat: Urs Aeschbach (Malerei) und Andi Schoon (Theorie) 
Technik: Öl auf Leinwand Format: zwischen 21x28cm und 140x100c

Wie gelingt das gute Bild? Gelingt es überhaupt? Der Berner Maler Janick Sommer stellt Ölmalereien aus, welche in einem Zeitraum von vier Monaten entstanden sind. Dazu reflektiert er seine Arbeit und die Entwicklung in der Theoriearbeit mittels Reflexionen und einem Tagebuch.   Die Einblicke in den Malprozess sollen auch in der Ausstellung präsent sein. So zeigt er teilweise mehrere Versionen von Bildern um einen Einblick in die Entwicklung zum (hoffentlich) gelungenen Bild zu geben.

Jasmin Bigler

Nicole Weibel

Kontakt:

Die Videoinstallation Im Auftrag von Sebastian zeigt fünf sich wiederholende Szenen. Zwei Figuren erkunden ein Hotelzimmer. Sie gehen interaktiv mit ihren Körpern und Kostümen auf die angetroffenen Situationen im Zimmer ein. Durch die Eingriffe eignen sich die Protagonistinnen den Raum an.

Maria Altwegg
Kontakt: 

Mentorat: Karoline Schreiber,
Theres Roth-Hunkeler

Technik: Bleistift auf Papier
Format: 15-teilige Serie, je 14,8cm x 21cm

Im Westen von Bern ist eine zeichnerische Auseinandersetzung mit dem Ort Bümpliz. Das Spazieren gehen dient dabei als Methode um bewusst wahr zu nehme und zu eigenen Bildern zu kommen. Wiederholte Spaziergänge durch den Ort lassen den Blick auf die Umwelt allmählich verändern. Es entsteht eine Fokussierung auf Aspekte und Merkmale der Betonarchitektur. Der gedankliche Bilderfundus welcher auf diesen Spaziergängen entsteht wird am Atelierplatz und ausschliesslich aus der Erinnerung zeichnerisch umgesetzt.

Tina Z'Rotz

Mentorat:
Theorie_Tine Melzer
Praxis_Andrea Wolfensberger

IN DER TAT
Eine Untersuchung zu implizitem Wissen und Wahrnehmung 

Mit der Master Thesis IN DER TAT wird ermittelt, inwiefern und unter welchen Bedingungen implizites Wissen durch manuelle Tätigkeit entsteht.
Die Untersuchung ist geprägt von einem Verständnis des Handelns im und mit Material als nicht sprachlogische Wissens- und Erkenntnisform. In Theorie und Praxis wird implizites Wissen vor allem in Bezug zur Haptik reflektiert und das zugehörige Tastsinnessystem untersucht. Sinnbildlich dafür steht die Aussage, dass der Mensch «nicht nicht berühren» könne.

_Die Untersuchung erforscht folgende Fragen:

_Wie wirken sich manuelle Arbeit und haptische Erfahrung auf den Menschen aus?

_Was wird dabei aus der Ruhe gebracht und in Bewegung gesetzt?

_Welche Verbindungen und Interaktionen entstehen?

_Wie verändern sich Kommunikation und Kontakt?

Tina Odermatt

Mentorat: Jacqueline Baum

Installation und Performance

Die Performance In Memoriamist die Darstellung eines gescheiterten Kreativ-Prozesses. Was machen, wenn man nicht mehr weiterkommt? Wenn nichts mehr Sinn macht? Wenn man vor lauter Fragen blockiert ist? 

Das Publikum wird zu einem Leichenmahl eingeladen.  Die Leute setzen sich um den langen Tisch, die Performerin grüsst, dankt für das Erscheinen und lädt zum Essen ein. Doch schnell wird die Stimmung unangenehm. Die Performerin isst in sich versunken, ungepflegt und führt ein Selbstgespräch. Während dem Essen beschreibt sie in loser Form Momente ihres Kreativ-Prozesses und thematisiert Unsicherheiten, Ängste vor dem Scheitern und Selbsthinterfragung. Auf dem Tisch befinden sich Sets mit Skizzen und Fotos von aufgegebenen Ideen, Projektembryos, welche die Performerin entwickelt hatte. Das Essen auf dem Tisch symbolisiert ebenfalls verschiedene Phasen des Prozesses.

«Die Unmöglichkeit sich künstlerisch und vermittelnd zu positionieren führte zu einer generellen Befragung von sich selbst und die Momente des Scheiterns wurden Ausgangslage für die Performance «In Memoriam». Das Begräbnis der Jahresarbeit als Anlass zu nehmen, um diesem Scheitern eine Form zu geben, war ein mutiger Schritt. Die kapellenartige Stimmung in der Cabane B, die lange gedeckte Tafel und die Verweigerung einer konstruktiven Kommunikation machten die ganze Performance für das Publikum unerträglich, so dass einem förmlich der Biss im Halse stecken blieb. Filme wie «Festen» von Thomas Vinterberg oder «The Square» von Ruben Östlund wie auch andere Werke aus Kunst und Performance wurden im Geiste wachgerufen und boten eine Hintergrundfolie für die gewagte Performance. Das Selbstgespräch war überzeugend dargestellt als hilfloses aber auch sehr bestimmtes Abdriften und verstärkte das Unwohlsein im Publikum.» Jacqueline Baum

Anna Marcus & Alizé Rose-May Monod

Kontakt:

Mentorat: Annaïk Lou Pitteloud, Gila Kolb, Geneva Moser

Technik: Variabel

Format: Variabel

Es gibt eine Vielzahl von Geschlechtern und geschlechtlichen Ausdrucksformen. Diese Vielfalt wird unter anderem dort unsichtbar gemacht, wo Toilettenräume aus einer zweigeschlechtlichen Logik heraus beschriftet werden. INCLUSION setzt sich mit künstlerischen Strategien für neue Lösungen und Alternativen von WC Beschilderungen ein, um den Raum „Toilette“ inklusiver zu denken, gestalten und benutzen. Dieses Kunstprojekt wird aktuell an und mit verschiedenen Kunst- und Kulturinstitutionen umgesetzt und angedacht. 

Nermina Serifovic

E-Mail:

Minor Kulturvermittlung

Mentorin: Carol Baumgartner


Im Rahmen der Ausstellung von Dorothée Elisa Baumann und Adrian Sau- er entsteht ein Vermittlungsprojekt für Erwachsene, das einen gemeinsa- men Brunch mit anschliessendem interaktiven Ausstellungsbesuch beinhaltet. Beim gemeinsamen Sonntagsbrunch entsteht eine Plattform für Austausch und Begegnungen. Die Ausstellungsbesichtigung im herkömmlichen Sinne wird durch die soziale Interaktion und den Event aufgebrochen. Die eher strikte Funktion der Kunstinstitution wird ausgeweitet. Im Fokus des Projekts steht der Austausch innerhalb eines möglichst heterogenen Publikums bestehend aus Mitarbeitenden des Photoforums, BesucherInnen, KunstkennerInnen und Neugierigen verschiedenen Alters und unterschiedlicher kultureller Hin- tergründe.

Das Projekt hat zum Ziel, einen Austausch über Fotografie – unabhängig von Fachkenntnissen – zu erreichen. Der Brunch im Museum dient als erster Aufhänger dafür – Essen verbindet bekanntlich. Da die Arbeiten von Baumann und Sauer viel Hintergrund- und Fachwissen voraussetzen, ein grosses Anliegen des Projekts es jedoch ist, auch Leute ohne Kunsthintergrund zu involvieren, ist es von grosser Bedeutung, den Beteiligten einen geeigneten Zugang zur Kunst zu ermöglichen. Aus diesem Grund erhält jede Person vor dem Ausstellungsbesuch ein Säckchen, das als Kit funktioniert. Darin befinden sich ein Stift und Klebetiketten für persönliche Notizen sowie Kärtchen mit offenen Fragen zur Fotografie im Allgemeinen, die während dem Ausstellungsrundgang als Anstoss dienen können. Ebenfalls sind im gesamten Ausstellungsraum Interventionen aufgebaut, die den Teilnehmenden als Stütze dienen. Die Interventionen liefern zu den ausgestellten Arbeiten zusätzliche Informationen in unterschiedlichster Form: Beispielsweise liegen iPads, Bücher oder Kopien auf, die das spezifische Thema des jeweiligen Kunstwerks vertiefen oder Aufschlüsse über den Hintergrund und Kontext der Kunstarbeit geben. Spielerische Settings wie Puzzles liefern Anhaltspunkte über die Machart des Kunstwerks oder es werden im Ausstellungsraum direkt Fragen an die BesucherInnen gestellt, die schriftlich zu beantworten sind. Dadurch erhalten die TeilnehmerInnen die Möglichkeit, sich auf interaktive Weise den Kunstwerken anzunähern und einen Lernprozess zu durchlaufen. Im Fokus des Projekts steht das selbstständige Sehen, Erleben und Lernen der BesucherInnen.

Sofie Hänni, Mara Schenk
in Zusammenarbeit mit Mirko Kircher und Nadja Knuchel

Mentorat: Andrea Wolfensberger und Die Werkstatt

Aufgebaut war das transdisziplinäre Theaterprojekt nach verschiedenen Standorten, durch welche sich das Publikum an den Aufführungsabenden bewegte. Unsere Herangehensweise bei der Realisation des Bühnenbildes lag darin, uns an den sehr unterschiedlichen Raumcharakteren abzuarbeiten um verschiedene Impressionen, wie kurze Einblicke/Lichtblicke in eine andere Welt, zu generieren. Basierend auf der Ballettoper 'Les Indes Galantes' von Rameau erarbeiteten die Studierenden der unterschiedlichen HKB-Studiengänge eine Neuinszenierung, welche sich auf das Wilde Europa bezog. Die Auseinandersetzung mit verschiedenen Materialien, die Inszenierung als Handlungsraum und die Zusammenarbeit mit anderen Studierenden waren die Schwerpunkte des Projektes.

Sarah Glaisen

Contact:

Mentor : Esther Maria jungo. 

Technique / matériaux : bois, béton mural, caméra vidéo, projecteur vidéo, 8 haut-parleurs, régie son.

Format du volume : 180 x 180 x 57 cm.

"Les mains libres" est le titre à la fois d’un texte et d’une installation réalisés conjointement. Le texte présente les intentions, le processus et les réflexions activées par l’élaboration du travail pratique de Master en Art Éducation de la Haute école des arts de Berne. L’installation est constituée de trois éléments mis en scène dans l’espace dans lequel le spectateur se mouvoir : un volume, du son et une projection vidéo. Le volume provient des moulins à olives traditionnels, réalisé avec des matériaux différents et fortement simplifié, ne conservant que son élément de base, la meule gisante. Le son, enregistré en extérieur, diffusé en continu et sortant du dessous du volume, reproduit le mouvement circulaire de la meule. Il s’agit du son de pas dans de la boue, tournant autour d’un cercle. La projection vidéo, comme le ferait un miroir en temps réel, introduit un double, celui du volume filmé en direct ou encore du spectateur qui entre dans le champ de la caméra.

Tim Rod

Kontakt:

Mentorat: Stefan Sulzer, Jan Steinbach, Peter Glassen

Technik: Fotografie

Format: 3x 27.0 cm x 18.5 cm x 0.4 cm

Die Fotografien entstanden im Zeitraum von September 2017 bis Januar 2018 in und um Lissabon. Sie sind das Ergebnis einer Auseinandersetzung mit einem fremden Ort. Die Kulissen des ungestellten Alltags und die mystisch anmutende Küstenregion waren Inspiration für die 3 thematisch gegliederten Broschüren. Sie geben unter den Titeln rua, costa und querida intime Einblicke in das Leben vor Ort sowie in die Streifzüge und Befindlichkeiten des Fotografen.

Michael Gsteiger & Luca Egger 

Kontakt: mikgst@hotmail.com; luca.egger@students.bfh.ch

Mentorat: Gila Kolb

Extern: Aline Minder

Wer kennt es nicht: Man läuft durch die musealen Räumen, bleibt hie und da vor den Informationsschildern stehen, liest diese mal genauer, mal weniger genau und wird abgelenkt von den anderen Besucherinnen und Besuchern, die genau dasselbe tun. Dieser Situation wollen wir entgegenhalten: Durch einen akustischen Spaziergang in der Dauerausstellung des Bernischen Historischen Museums wollen wir die Gegenstände und Geschichten in einem neuen Licht erscheinen lassen. Ausgestattet mit Kopfhörern soll sich die Besucherschaft des Museums in einer akustischen Sphäre durch die Räume des Bereichs „Privates Leben“ bewegen. Hierbei werden historische Hintergründe, Erkenntnisse und Informationen auf verschiedenen Ebenen vermittelt: Direkte und informative Sprachinputs paaren sich mit klanglichen Exkursen zu den Ausstellungsgegenständen und Räumlichkeiten. Objekt und Raum sollen somit ein Eigenleben für die Besucherin entwickeln, wie sie diese sonst nicht wahrnehmen würde. Der Spaziergang soll sowohl ein Eintauchen in die Vergangenheit ermöglichen als auch ein steter Bezug zur Gegenwart beinhalten: Somit fördern wir auch das kritische Hinterfragen von musealen Gegenständen und deren Geschichten 

Isabelle Weber


Mentorat: Daniela Keiser

Kupferrohr, Wasser, Rotameter. Installation raumvariabel.

Ein Kupferrohr ist entlang den Wänden und dem Boden durch den Raum verlegt. Durch die Leitung fliesst Wasser - sichtbar gemacht durch einen Rotameter. Die Leitung richtet sich einem In- und einem Output des Raumes aus. Es ist allerdings nicht erkennbar, woher die Leitung kommt und wohin sie geht. Die Betrachtenden sehen nur einen Teil eines grösseren Systems.

„Manzi“ ist Nyanja und bedeutet Wasser. Nyanja wird in verschiedenen Regionen Sub-Sahara-Afrikas, unter anderem in Sambia, gesprochen. Die Arbeit Manzi ist im Kontext meiner Auseinandersetzung mit der Relation zwischen der Schweiz und Sambia entstanden. Sambia ist reich an Bodenschätzen, verfügt über eines der grössten Kupfervorkommen überhaupt und ist gleichzeitig eines der 20 ärmsten Länder weltweit. Die Schweiz ist auf dem Papier, d.h. gemessen am Handelsvolumen, der grösste Importeur von sambischem Kupfer. Physisch gelangt kaum jemals Kupfer in die Schweiz. Dem Rohstoffriesen und umsatzstärksten Konzern der Schweiz, Glencore, gehört 73 Prozent der grössten Bergwerksgesellschaft Sambias, der Mopani Copper Mines. Trotz der hohen Preise für den Rohstoff, weist die Mopani Copper Mines in den vergangenen Jahren nur Verluste aus. Man geht davon aus, dass multinationale Unternehmen wie Glencore die Gewinne künstlich in ein steuergünstigeres Land verfrachten. Sämtlicher Kupfer, der von den Mopani Copper Mines produziert wird, wird intern an Glencore verkauft. Der Kupferabbau der Glencore-Mine in Mufulira bringt den AnwohnerInnen derweil vor allem Gesundheitsrisiken, zerstört durch sauren Regen die Vegetation und kontaminiert das Grundwasser.

Die Arbeit Manzi soll in diesem Kontext gelesen werden.

Lieben Dank gilt der B. + U. Buchschacher AG, der Spaeter AG und derNussbaum GmbH in Bern.

Und für mehr Hintergründe zur städtischen Wasserversorgung, beispielhafter Vergleich der Wasserversorgung von Luzern und Lusaka auf: lucernewater.ch

Selin Bourquin

selin@bourquin.ch

Mentorat: Karoline Schreiber, Tine Melzer & Kathrin Flück

Im Sitzungszimmer 234 an der HKB ist während der Ausstellung «Finale» eine raum- und materialspezifische Arbeit entstanden. Sie thematisiert das Verhalten von Staub im Raum und unser Verhalten ihm gegenüber. Dabei wurde in einer täglich stattfindenden Aktion der Raum von Staub und Schmutz gereinigt, um die «Ernte» in ein Bild zu übersetzen. Während der Ausstellung blieb der Raum in seiner ursprünglichen Funktion als Sitzungsraum bestehen, so dass nicht nur Besucher*innen Staub in den Raum bringen, sondern auch Sitzungsteilnehmende. Aus dem im Raum angesammelten Staub und Schmutz sind täglich zeichnerische Abdrücke entstanden.

Das Heft «Mikro» setzt sich genauso wie sich Staub aus einzelnen Partikeln zusammensetzt, aus verschiedenen Sammlungssträngen zusammen. Da ist einerseits das Putztagebuch, in dem die Autorin protokolliert, wie sie täglich vom Staub reinigt sowie eine Staubmaussammlung zu finden. Nebst den Abbildungen aller Putzutensilien, welche die Autorin verwendete, sind in eine andere Papierschicht Gespräche mit Menschen, die mit oder gegen den Staub arbeiten, abgedruckt. 

Selina Hofer



Mentorat: Lea-Nina Fischer und Theres Roth-Hunkeler

Technik: Installation - Hochsitz, Sonnenschirm, Einführung in die Beobachtung, Systemzeichnung, Fernrohr, Munition, Schleuder, Weste, Sonnenhut, Rucksack, Dokumentationskarte
Format: 3.5 x 3 x 3m


Die Beziehung rotiert, die Beobachtung ruht
    

Die Jägerin beobachtet in ihrem Hochsitz das Reh. Ein Gewehr, Munition und eine Regenjacke liegen bereit. Indessen der Bademeister in seiner Badehose Schwimmende beim Tauchen beobachtet. Links fliesst die Wasserrutschbahn und über ihm erfüllt ein Sonnenschirm seine Funktion. Der Astrologe schaut durch sein Teleskop und beobachtet den Verkehr im Orbit, während die Ornithologin über die Beobachtung und Verortung des Gezwitschers eine Bestandesaufnahme der Vogelpopulation im Wald erstellt. Ein beobachtendes Subjekt und ein beobachtetes Objekt, ich beobachte meine Nachbarn und sie mich. Ich sitze im Tram und sehe, wie ein bärtiger Typ sich seine Fingernägel in einer routinierten Art und Weise schneidet, als gehöre dies zu seinen morgendlichen Präparierungs-Handlungen. Die Kunststudentin in der hinteren Reihe skizziert meinen irritierten Gesichtsausdruck bei meiner geglaubt unbeobachteten Beobachtung. Dokumentation einer Beobachtung. Randnotizen einer Wichtigkeit. Fragmente einer abhängigen Beziehung. Wie steht es um die korrelative Beziehung zwischen dem beobachtenden Subjekt zum beobachteten Objekt?

Oona Siegenthaler

Kontakt:


Mentorat: Karoline Schreiber

Monotypien auf Büttenpapier  


Im Fokus dieser Auseinandersetzung steht mein Eigenschatten, der mich ständig begleitet. Mit dem I-Phone flüchtig, spontan aufgenommene Fotografien meines eigenen Schattens wurden ins Medium der Monotypie transferiert. 

Entstanden ist eine Serie von fünf abstrakten Schattenfiguren, die alle mit derselben Technik hergestellt wurden, sich aber in Form, Struktur und Farbe unterscheiden. Es sind Figuren an der Grenze zwischen Figuration und Abstraktion, zwischen Realem und Surrealem. Die komischen, verzerrten und unproportionalen Schattenfiguren interessieren mich, nicht die lang gezogenen klaren Idealfiguren. Obwohl es zweidimensionale Drucke sind, wird durch dunkle Spuren im hellen Hintergrund und Lichtpunkte in der dunklen Figur eine Räumlichkeit und Tiefe erzeugt. Die Figuren sollen dadurch einen Zugang in eine andere Welt bieten. 

Kristin Muth

Mentorat: Karoline Schreiber

12 Zeichnungen, 42 x 59,4cm, Fineliner auf Papier, Zine mit Zeichnungen und selbstgeschriebenen Texten 

Thematisiert wird der sozioökonomische Kontext im Gebiet der ehemaligen DDR. Es wurden individuelle Geschichten von Freunden und Bekannten, allgemeine Narrationen und Reflexionen der DDR-Zeit, sowie aktueller Nazismus aufgegriffen, literarisch verarbeitet und zeichnerisch untersucht. Es wird dabei ein Blick auf Menschen gewagt, die die Wende 1989 miterlebt haben und deren heutige Leben von dieser beeinflusst sind. Die dabei aufgegriffenen Schicksale sind teilweise schockierend, wirken befremdlich oder zeigen Umstände auf die kaum möglich erscheinen: schmerzhafte Begebenheiten, tragische Lebensumstände, alltäglich Skurriles, und vor allem für die neuen Bundesländer der scheinbar ganz normale alltägliche Wahnsinn. 

Nermina Serifovic

Kontakt: 


Mentorinnen: Jacqueline Baum und Helena Schmidt

Technik: Installation, Glühbirne, Laptop, Arduino, Processing

Zwei Drittel des Lebens verbringt ein Mensch in der Regel schlafend. Es ist ein Prozess, der uns jeden Tag begleitet und trotzdem scheint der Schlaf unzureichend zu sein. In der heutigen globalisierten 24-Stunden-Gesellschaft, in welcher der Leistungsdrang enorm hoch ist, wird das Schlafen immer weniger. Die Folgen dieses ungenügenden Schlafes werden oftmals unterschätzt.

Die Arbeit entstand aus der Auseinandersetzung mit dem Thema Schlaf. Im Majorprojekt wurde durchaus forschend vorgegangen: Erstens fanden Interviews mit Bekannten und Freunden statt, zweitens wurde ein Tagebuch geführt und drittens und dokumentierte ich eine Woche lang meinen Schlaf durch Audio-Aufnahmen.

Aufgrund des starken Interesses gegenüber dem Unbewussten des Schlafes, beschäftigte ich mich tiefer mit meinem persönlichen Schlaf. Die ausgestellte Arbeit zeigt eine Visualisierung einer solchen Audio-Sequenz (das Audio ist also nicht zu hören). Die Glühbirne gibt das Audio visuell wieder, indem sie dimmt: Ist das Audio laut, leuchtet die Glühbirne hell auf; wird es leise, ist das Licht dementsprechend dunkler. Demnach wird das Unbewusste des Schlafes durch das Licht dargestellt - regelrecht beleuchtet - und bleibt trotzdem mysteriös und unerreichbar.

Nadja Knuchel

Mentorat: Andrea Wolfensberger Material: 6 Ventilatoren, Gartenvlies, Holzlatten

Die künstlerische Auseinandersetzung galt dem „Einhüllen“ des menschlichen Körpers in einen Stoff, der von mehreren Ventilatoren in den Raum befördert wird. Der Holzrahmen dient als Formgeber des Stoffes, wobei hier zwei gleiche Formen sich gegenüber stehen und sich gegenseitig ganz zart berühren. Der Betrachter soll die Situation zwischen den beiden Tücher erleben und die Installation „passieren“. Das Gefühl des „dazwischen sein“, des „eingebettet werden“, des „vom Tuch umschmeichelt werden“ kann der Betrachter erleben und wird somit auch Teil der Installation.

Anna Marcus

Mentorat: Virginie Halter


Während einer Woche im Januar 2019 wurde die Cabane B das erste Mal
im Rahmen einer queer-feministischen Kulturbesetzung in einen Raum für
interdisziplinäre Dates zur Bildung von Synergien und Kompliz*innenschaft
zwischen Künstlerinnen*, ihren Werken, und Besucher*innen verwandelt.

It`s all about:
CARE_ SPIRITUALITÄT_ BEZIEHUNG_ KÖRPER_ AUSTAUSCH _ PROZESS

Lara Caluori

Kontakt: lara.caluori@gmail.com

Titel: Raumtransfer 2.4

Mentorat: Stefan Sulzer, Andrea Wolfensberger

Technik: Skulptur / Installation

Format: Variable Installation (in diesem Arrangement: 0.4x 0.8m, 1.5x 1.1, 1.7x 0.5m, 1.7x1.4m)

Materialien: Polyestergiessharz, Kunststoffgittergewebe, Glas, Silikon, Kunststoffsaugnäpfe, Aluminium, Poly-urethangiessharz

Raumtransfer 2.4 ist eine mobile, flexible, skulpturale Installation. Zwei Objekte lehnen an der Wand, Eines liegt am Boden, ein Weiteres steht fragil in der Raummitte. Die jederzeit verstellbaren Skulpturen sind in diesem Arrangement in ein Equilibrium gebracht und gehen eine Konversation miteinander und mit den Betrachtenden ein. Sie beziehen sich auf die Grösse und die Bewegung der Betrachtenden.

Die Objekte stammen aus der Nasszelle. Der Begriff der Nasszelle bezeichnet den architektonischen Innenraum in welchem Wasserleitungen liegen und welcher wasserdicht ausgestattet ist.Die Nasszelle ist die ursprüngliche Form des heutigen individualisierten Badezimmers und kann als architektonisch genormter Raum mit wiedererkennbaren Attributen betrachtet werden. Die Objekte spielen mit der funktionalen Einrichtung des Raumes. Sie laden nicht zum Wohlfühlen in einer Badeoase ein. Architektonische und mobile Elemente aus der Nasszelle werden in abstrakte Objekte umgewandelt und in den Ausstellungsraum transferiert. 

Mirko Kircher

Kontakt: mirko.kircher@gmx.ch

Minor Y

Mentorat: Urs Aeschbach

Technik: interaktive Installation mit Malerei und Musik

Moritz Tobler und Mirko Kircher improvisieren mit elektronischen Klängen und Malerei; die beiden Medien übersetzen, ergänzen oder widersprechen sich intuitiv und unmittelbar. Die gemalten Bilder und die Klangaufnahmen werden anschliessend in einer raumfüllenden interaktiven Installation kombiniert. Die Installation mit dem Titel „Talking Heads“ zeigt vier Malerei-Klang-Kombinationen, die in Bezug zueinander stehen und als ein grosses Ganzes immersiv erfahrbar ist. Mit Hilfe einer präzisen Ortungstechnologie kann die BetrachterIn durch ihre Bewegung im Raum die Klänge beeinflussen und dadurch ihr individuelles Erlebnis gestalten.

Katharina Karras

Kontakt: katharina.karras@gmx.net

Mentorat: Andrea Wolfensberger

12 skulpturale Handlungen in diversen Techniken und Formaten

Den Ausgangspunkt dieser Arbeit bildet die Verblist von Richard Serra aus dem Jahr 1967. Meinen skulpturalen Handlungen liegen die Verben zu Grunde, die Serra vor 50 Jahren zusammentrug und auf von ihm gesammelte Materialien anwendete. In regelmäßigen Abständen ziehe ich ein Verb per Zufall aus der Urne. Eine kurze Zeitspanne, eine halbe Stunde bis maximal zwei Tage, stelle ich mir für die Verkörperung eines gezogenen Begriffes zur Verfügung. Dabei zählen ein direkt durch das Verb ausgelöstes Bild im Kopf und ein verfügbares Material, dessen Möglichkeiten ich während des Bearbeitungsprozesses ausreize. Dementsprechend stellen die einzelnen Arbeiten dreidimensionale Skizzen dar. Nicht eine perfekte, sondern eine prägnante und handlungsorientierte Ausführung ohne langes Planen ist entscheidend. Eine allumfassende Inkarnation des Wortes ist nicht angestrebt und nicht möglich. Sprache wird zurück in Materie überführt. Die Übersetzung eines jeweiligen Handlungsverbs in meine Muttersprache bietet meist mehrere Ausdrucks- und Deutungsvarianten. Ich lasse mich von spezifischen Assoziationen leiten, die in manchem Fall erst durch eine Kette von mehrdeutigen Übersetzungen ausgelöst werden. Dabei ist es mir willkommen, eine anfängliche Idee innerhalb des Handlungsprozesses abzulegen und durch eine dem neuen Moment entsprungene adäquatere Idee zu ersetzen. 

In ihrem Ursprung beabsichtigen die Arbeiten scheinbar keine inhaltlichen Bezüge zueinander. Im Laufe des fortschreitend angewandten Rituals zeigt sich, dass die skulpturalen Handlungen einerseits von mir erlebte Geschehnisse der jeweils vorangegangenen Tage aufgreifen, und dass formale, thematische und methodische Dialoge zwischen den Skizzen enstehen. Sie zeigen unbewusste Auseinandersetzungen und geben irrationalen Zusammenhängen eine materialisierte Erscheinung. 

Rachel von Dach
Kontakt:

Mentorat: Annaïk Lou Pitteloud, Nadia Bader
Technik: Full HD, 1920x1080,15’ Video, Loop, Projektion auf Leinwand, ohne Ton. 
Format: 250x400cm


Le traitement des nus féminins obéit à des conditions très strictes. Les nus sont toujours harmonieux, dépouillés de toute imperfection: Le corps n’a pas d’histoire, les femmes sont toujours jeunes et en même temps d’un âge indéfinissable. Elles sont belles mais sans caractère, sans personnalité. Toute manifestation de sentiment est volontairement exclue, les visages ont toujours la même expression, marquée d’une béatitude céleste, les poses sont alanguies, les gestes sans objet, format des arabesques, le sourire un peu figé, tout ce qui donnerait vie au corps et au visage est comme gommé.

Rebecca Noser



Mentorat: Florian Bachmann, Marcus Pericin
Technik: Tinte auf Papier (Plot), Licht in verschiedenen Farben (LEDs), Holz (Koje)


Der künstlerische Teil ist eine Arbeit über das Sehen und das über das alltägliche Übersehen. Durch das gezielte Zusammenspiel von Oberflächenfarbe (und Form) und sich stetig verändernden Lichtverhältnissen irritiert das Werk die Farbwahrnehmung des Betrachtersubjekts. Dadurch wird diesem nicht nur ein Kunstobjekt gezeigt, sondern die eigene Wahrnehmung vor Augen gehalten. Denn erst in dieser Wahrnehmung zeigt sich das Werk in seiner Ganzheit.

Sowohl der theoretische als auch der künstlerische Teil der Arbeit widmen sich der Rolle der Betrachterin bzw. des Betrachters und den schöpferischen Qualitäten der menschlichen visuellen Wahrnehmung.

Andrea Rickhaus

Kontakt:

www.andrearickhaus.ch/

Mentorat: Andrea Wolfensberger

Performative Skulptur

Beton, Holz und Gummiband

Dauer: 20 - 40 Min.

IV

RECHTECKLEISTEN

aufeinanderlegen

gut festhalten

gleichmässig auf dem Boden entlang auseinanderschieben (sodass sich die Knotenjeweils voneinander entfernen) die beiden Enden gegeneinander stellen und arretieren

Ein Unterrichtsprojekt der Hochschule der Künste Bern an der Schule Stegmatt in Lyss

Der Werkunterricht einer 8. Klasse (Sek) bietet den Rahmen für ein Projekt indem es um die Dekon- struktion und Unbrauchbarmachung von Gegen- ständen geht. Durch Konstruktion sollen dann neue Objekte entstehen, die sowohl realitätsfern und zweckfrei wie auch ästhetisch ansprechend sind. Der Werkraum wird zu einer Kunstwerkstatt in der die Schüler selbstständig künstlerische Strategien entdecken und ausprobieren können. Freies und ex- perimentierendes Arbeiten stehen dabei im Mittel- punkt.

Kristin Muth

Mentorat: Kathrin Eggimann, Ursula Jacob, Patricia Schneider

Yvonne Siegenthaler

Mentorat: Evelyne Roth

Installation: Stickerei, Tisch und Stühle, Audioaufnahme

Diese Arbeit zeigt die Auseinandersetzung mit der Zierde im Sinne der Verschönerung einer Oberfläche. Die Arbeit besteht aus eine praktischen und einer theoretischen Auseinandersetzung. In der theoretischen Auseinandersetzung wird die Zierde nach Funktion und Charakter befragt. Dies geschieht anhand der beiden Ankerpunkten "Oberfläche" und  "das Zusätzliche". Die Theorie setzt sich aus Gesprächen und eigenen Gedanken zusammen.Im praktischen Teil dieser Arbeit wird dieses Thema anhand der Technik des Stickens untersucht. Hier geht es insbesondere um die Trägergebundenheit der Zierde, die in einer übersteigerten Ortsgebundenheit Ausdruck findet. In einer installativen Präsentation eines bestickten Tischläufers sind Elemente zu sehen die sich aus den Räumlichkeiten speisen in denen sich die Installation befindet. Über Lautsprecher ist zudem eine Audioaufnahme zu hören, die den Zuhörer auf eine fiktive Reise durch diese Räumlichkeiten nimmt. Sitzend können so die Stickereien betrachtet werden während die Audioaufnahme durch die Räume führt. 

Italo Fiorentino

Kontakt:

Foodblogs erobern schon seit einiger Zeit unsere Sozialen Medien
Sogenannte Food- oder Lifestyleblogger bestimmen neu auch die Gastronomieszene mit und erlangen durch ihre Instagram- und Youtube-Channels viele Followers und weltweite Anerkennung.
Doch welche Berechtigung besitzen solche Persönlichkeiten, das Leben von ganzen Generationen zu beeinflussen und zu bestimmen was gut (gesund, nachhaltig, usw.) und was schlecht ist?
Dieser Frage stellt sich die folgende Arbeit in Form eines Koch Happenings. Zusammen mit Vertretern aus der Gastronomie und der Kunst, legen die Besucher selber Hand an ein Foodblog Rezept an.
Der vom Künstler zur Verfügung gestellte Raum wird zum Kunst Happening, eine Plattform für ein Gespräch über die aktuelle Thematik und die Chance, selbstverständliche Szenarien in unserem sozialen Netzwerk kritisch zu hinterfragen.

Eva Alleman
Kontakt: 

Mentorinnen: Cécile Hummel, Priska Gisler und Gila Kolb

Technik/Material: ca. 70 kg Moos von verschiedenen Orten in Kleinlützel, Audioinstallation mit gelesenen und gesprochenen Texten

Format: variabel

Gehen atmet mich,
sieht, fühlt, riecht, verbindet mich, 
lebt als Prozess. 

Und geh ich einmal träge los,
so schickt mir der Weg, wie es scheint,
schon ganz zu Beginn
eine Begegnung,
ein paar letzte Tropfen vom Blätterdach herab, ein Summen, ein Brummen oder
einen Lichteinfall 

In der Masterthesis ist der Spaziergang in seiner Vielfältigkeit meine Methode in drei Dimensionen: in meiner vermittelnden Praxis, in meiner künstlerischen Praxis und in meiner Lektüre. Die verschiedenen Aspekte und Triebkräfte des Spazierengehens als Methode beschreibe ich in meiner Theoriearbeit Wegkreuzungen – Eine Reflexion meiner Spaziergänge. Der Blog www.kleinlutzel.com vereint und verknüpft die Fragmente meiner Wege in ihrer medialen Vielfältigkeit und funktioniert gleichzeitig als Dokumentation. 

Die künstlerische Arbeit in Form einer amorphen Moosinstallation von ca. 16 m2 in Verbindung mit gelesenen und spontan gesprochenen Textfragmenten entwickelte sich aus den Erfahrungen meiner Spaziergänge in den Wäldern meines Dorfes Kleinlützel. 

Nina Kurth

Mentorin: Helena Schmidt

online Performance, Fotografie, Video 

Hey I’m Yokko Okoy and this is my life!  

Diese Performance ist alles andere als real. Oder etwa doch? Yoko war in Thailand mit Delfinen schwimmen, sie durfte in Moskau bei der Schwanensee Ballett Aufführung mittanzen, sie hat ein promoviertes Fitnessprogramm und lernt momentan Akkordeon spielen.

Yokko Okoy ist eine Person, die real existierende Grenzen spielend leichtfüssig überschreitet und die „ach so schöne Social Media Welt“ mit einem Schmunzeln parodiert. Möglichst mit dem Motto: „Be wild, be free, be everything you want!“ - Yokko Okoy

Fabian Unternaehrer

Kontakt:

Mentorat:Esther van der Bie

Technik: Digitale Raw-Aufnahmen, per Computer Schwarz-Weiss gewandelt sowie mit analogem Korn versehen. Präsentiert als A2 Prints per Tintenstrahl K3-Druck.


Fabian Unternaehrer gestaltete eine fotografische Serie bestehend aus 21 Bildern. Thematisch handeln die Bilder u.a. von «Stille». Seit Ende 2015 wurde dafür ein ganzes Impressions-konglomerat gesammelt.
Aus über 3`500 Fotografien, welche innerhalb der letzten zwei Jahre im Zusammenhang und in der Auseinandersetzung des Todes eines geliebten Menschen enstanden, musste ein Leitmotif erkannt und definiert werden. Einordnen Es handelt sich bei der Bilderserie um eine atmosphärische Reise. Der rote Faden, in diesem Fall und den Umständen entsprechend, ein etwas melancholisches Gewebe, sollte subtil und nicht etwa pathetisch zu einem Gesamtbild geflochten werden. Selektion In verschiedenen Arbeitsgängen und mittels diversen Kriterien, Kontrasten oder Nennern, wie etwa „Licht, Dunkel, Präsenz, Absenz, Traum, Gegenwärtigkeit, Dur, Moll...“ wurden die verschiedenen Bilder stets aufs Neue zusammengerückt und mit der Zeit verdichtet. Es war eine Suche nach Kippmomenten und einem gegenseitigen, sich nach und nach herauskristallisierenden Resonanzraum. Das Ziel war mitunter eine zeitlose Stimmungspartitur, welche nun den Kern dieser Arbeit bildet - denn „Zeit“ ist hierbei kaum präsent, es scheint fast, als würde dabei die gesamte Existenz in Stille getaucht, als schweige sie in Gedenken. Anordnen Die Suche nach der richtigen Kombination bildete den finalen Arbeitsschritt. Die Bilderserie besteht aus Haupt- und Nebensätzen, Scharnierbildern, kleineren Kapiteln und dies führt dazu, dass sich dazwischen neue Räume und damit Bedeutungen eröffnen. Schlussendlich fand sich eine Art Raster oder Mosaik, ein Zusammenspiel aus 21 Fotografien. Zum Titel „Nocturnes“ sind in der Musik (Chopin, Field, Satié, Rachmaninow etc.) sowie auch in der Malerei (als Tonalismus) bekannt, beide umschreiben atmosphärische wie poetische Nachtlandschaften. Die Mentorin und HKB Dozentin Esther van der Bie leistete dabei wertvolle Unterstützung, daraus eine Selektion zu treffen, die Bilder ästhetisch wie symbolisch ein- sowie anzuordnen.

Body & Space (Fotoserie), 1. Preis

Schule: Collège de Saussure

Betreuende Lehrperson: Cèline Rossel-Blandenier

Die Schülerin hat in Zusammenarbeit mit einer Gruppe von TänzerInnen eine analoge Fotoserie erschaffen, welche die Beziehung zwischen Körper und Raum abbilden. Sie zeigt dabei sowohl Räume im Körper als auch Körper im Raum. Auf einigen Bildern sind die Körper so fragmentiert, dass sie kaum erkennbar sind. Auf anderen geht es Ella darum,  die Interaktion im Raum mithilfe von Tanz spürbar zu machen. In ihren Bildern schafft sie eine Spannung zwischen Dynamik und Statik, die weit über das zweidimensionale Format hinausgeht.

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Body & Space (série de photos), 1erprix

Établissement: Collège de Saussure, Genève

Enseignante: Céline Rossel-Blandenier

En collaboration avec un groupe de danseuses et de danseurs, l’artiste a créé une série de photos qui illustrent le rapport entre le corps et l’espace. Elle y montre des espaces dans le corps et des corps dans l’espace. Sur certaines images, les corps sont fragmentés au point de devenir méconnaissables. Sur d’autres, l’artiste illustre l’interaction entre corps et espace en faisant évoluer les danseuses et les danseurs. Les images créent un champ de tension entre dynamique et statistique que dépasse le format en deux dimensions. 

Solite (Installation), 1. Preis

Schule: Gymnase de Morges

Betreuende Lehrperson: Pierre Nydegger und Yves Renaud

Wie kann man den Regen zeigen? Diese Frage stellt sich Océane Forster in ihrer Maturaarbeit. Als Ausgangsthema wählt sie den Regen und die Atmosphäre währenddessen. Dabei legt sie den Fokus auf das ephemere, cineastische, sensorische und zugleich poetische Wesen des Regens und bearbeitet das Thema, indem sie Literatur und bildende Kunst verbindet.

Die Arbeit besteht in einem Happening, das einerseits eine interaktive Installation, andererseits eine Assemblage von Worten ist. Die auf Papierrollen handgeschriebenen Gedichte werden gleichzeitig abgerollt. Die Zuschauenden werden vom Fall der Rollen überrascht, sehen sich gegenseitig hinter dem Papier verschwinden und erhaschen während dem Gang durch die Installation nur Fragmente der Texte. So will die Schülerin die Atmosphäre und Sinneseindrücke, die uns bei einem überraschenden Regenschauer überwältigen, wiedergeben.

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Solite (installation), 1erprix

Établissement: Gymnase de Morges

Enseignants: Pierre Nydegger et Yves Renaud

Comment illustrer la pluie ? Océane Forster s’est interrogée sur la nature de la pluie et sur l’atmosphère qu’elle crée. Elle donne un coup de projecteur sur la nature à la fois éphémère, cinématographique, sensorielle et poétique de la pluie ; son approche allie littérature et arts visuels. 

Le travail consiste en unévénement, à la fois installation interactive et collage de mots. Les poèmes, calligraphiés par l’artiste sur des rouleaux de papier, se déroulent devant le public, qui se voit disparaître dans les franges de papier et qui captedes fragments de textes en parcourant l’installation : c’est ainsi que l’artiste crée une atmosphère accentuant les sensations par le bruit inattendu d’une pluie torrentielle subite.

Sucre & Crème (Video) 1. Preis

Schule: Gymnase de Nyon

Betreuende Lehrperson: Andrèanne Oberson

Das Maturathema Collage hat Theo Dao und Karim Chibani zu ihrem Kurzfilm Sucre et Creme inspiriert. Die zwei Freunde hatten keine vorhergehenden Video- oder Animationskenntnisse, aber liessen sich dennoch auf das Experiment ein, mit Film und Sound zu arbeiten. Sie setzten verschiedene Methoden wie Zeichentrick, Papierschnitt und Filmschnipsel ein, die sie experimentell überlagerten. Den Sound nahm Karim Chibani teilweise selbst auf, teilweise mixte er Aufnahmen verschiedener KünstlerInnen dazu. Sowohl Zufall als auch Experiment waren entscheidend für diese Arbeit. Das Ergebnis ist eine beeindruckende Filmische Collage, die sowohl rhythmisch als auch in der Komplexität ihrer Montage und gleichzeitigen filmischen Leichtigkeit überzeugt. Der Titel weist auf die Kaffeepausen hin, welche sich die Schüler während des Arbeitsprozesses immer wieder gegönnt haben. 

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Sucre & Crème (vidéo), 1erprix

Établissement: Gymnase de Nyon

Enseignante: Andrèanne Oberson

Le sujet du travail de maturité, Collage, a inspiré à Theo Dao et Karim Chibani un court-métrage intitulé Sucre et Crème. Les deux artistes, sans connaissances préalables du film vidéo ou d’animation, ont tenté l’expérience du travail vidéo et acoustique. Ils ont ainsi superposé des images qui résultaient de plusieurs techniques, telles que la bande dessinée, le découpage papier et les fragments de film. La bande sonore, en partie enregistrée par Karim Chibani lui-même, provient du mixage d’éléments sonores produits par plusieurs artistes tiers. Tant le hasard que l’expérimentation étaient au rendez-vous dans ce travail. Le titre renvoie aux pauses que les jeunes artistes se sont accordées. 

Rachel von Dach
Kontakt: 


Mentor: René Hagi

Technik: Mapping auf Filminstallation,UV-Flachbettdruck auf selbsthergestelltem 16mm Film

Format: 16mm Filmloop à 30 Sekunden

Die Idee der Herstellung eines projizierbaren Filmstreifens ohne Verwendung einer Kamera oder eines Zelluloidfilms steht zu Beginn des gestalterischen Prozesses. Mit Lasercutter und Flachbettdrucker wird der Versuch unternommen das Medium Film zu rekonstruieren. Diverse Techniken werden erprobt, um digitale Bildabfolgen auf einen analogen Träger aufzuzeichnen und diesen abspielen zu können. Es entsteht ist ein hybrides Material an der Schnittstelle zwischen Zelluloidstreifen und digitalen Medien auf welchem inhaltlich das Medium selbst zur Botschaft wird. Die Installation zeigt die Filmrolle, die sich durch die Spulen des Projektors schlängelt. Der Zelluloidstreifen wird durch die Projektion sichtbar vergrössert und als Loop abgespielt. In einem komplementären Dualismus treffen Handwerk und Hightech, Bewegung und Immobilität, Licht und Schatten im Raum aufeinander. 

Mara Ryser

MentorInnen Praxis:
Jacqueline Baum, Manuel Schüpfer
Mentorin Theorie:
Maren Polte

Medium:
Audio-Video-Installation
Dauer:
6min 33sek, Loop

Die Videoinstallation 

5. Januar 2016, 11:53-12:00 Uhr
5. Januar 2016, 11:53-12:00 Uhr
5. Januar 2016, 11:53-12:00 Uhr

zeigt drei verschiedene Ausschnitte aus einer einzigen Filmsequenz. Die Filmaufnahme ist mir einer fixen Kameraeinstellung gedreht worden. Die Tonspur wurde synchron dazu aufgenommen.

In der Arbeit wird die Raum-Zeit-Einheit eines Momentes aufgelöst, wodurch die Aspekte Raum und Zeit neu erfahrbar werden. Aus der Dekonstruktion eines Bildes entstehen gleichzeitige Welten, in denen sich je ein neues Raum-Zeit-Gefüge bildet.
Durch die Nebeneinanderstellung wird die Privilegierung eines Ereignisses gegenüber einem anderen abgeschafft.
Mit der mehrfachen Betrachtung einer einzigartigen Zeitspanne aus scheinbar unterschiedlichen Perspektiven weitet sich der Moment aus. Es vollzieht sich eine Verräumlichung von Zeit. Das Geschehen entfaltet sich nicht nur als Entwicklung einer linearen Geschichte, sondern auch als gleich-zeitige Vielzahl eines einzigen Ereignisses.

Kontakt:E-Mail

Anna Jaun und Yvonne Siegenthaler


Akt III ist ein transdisziplinäres Projekt, in welchem sich die beiden Disziplinen Modedesign und Malerei vereinen. Die beiden Künstlerinnen und Kunstvermittlerinnen schöpfen aus ihren jeweiligen Erfahrungen und Hintergründen, Yvonne aus dem Modedesign und Anna aus der Malerei. Untersucht wird das Zusammenspiel von Malerei und Kleid in einer dritten Disziplin, der Performance. In einem Wechselspiel ist der Stoff anwesend als Kleid und wird gleichzeitig zur Leinwand. Der Körper, die Bewegung und der Kragen als Code, lassen die Leinwand als Kleid erkennen. Mit Pinsel und Farbe wird der Stoff bemalt und durch diesen Eingriff zum Malgrund. Die Malerin reagiert auf das Vorhandene und dessen Trägerin. So wechseln sich die Akteurinnen ab und eine gegenseitige Abhängigkeit von Mode und Malerei entsteht. Es ist eine Bildfläche die in Bewegung ist. Das Bild fliesst stetig ineinander und übereinander - der Betrachter sieht mal mehr Kleid, dann wieder Leinwand. Nicht Anna hat die Entscheidung welchen Teil der Leinwand sie bemalt, sondern dessen Trägerin Yvonne, da sie das Kleid, welches in der Performance zur Leinwand wird, nach ihrem Empfinden umhängt und so eine andere Fläche für die Malerei zur Verfügung stellt. Anna greift als Malerin in das Kleid ein, indem Sie dieses als Leinwand nutzt. Yvonne greift wiederum in das Bild ein, indem sie es als Kleid nutzt, es umhängt und neu formt. Das gegenseitige Eingreifen benötigt Vertrauen und wird zu einem Frage- Antwort Spiel der beiden Künstlerinnen. Die Leinwand, ein Stoff, ist das verbindende Element dieser beiden Disziplinen und wird in der Malerei sowie in der Mode zur Gestaltungsfläche. Die Anwendung ist jedoch unterschiedlich. In der konventionellen Malerei wird der Stoff auf einen Keilrahmen gespannt und verliert so die Bewegung, seine weichen Eigenschaften und die Anpassungsfähigkeit. In der Mode steht der Stoff immer dem Körper gegenüber, er wird zur Hülle, zur zweiten Haut, zu einer Erweiterung des Körpers. Er kann den Körper deformieren, unterstützen, betonen oder verstecken. In der Mode wird der Stoff zur Gestaltungsfläche, die zwischen Träger und Betrachter vermittelt. In Schrift und Bild versuchen Anna und Yvonne in dem gemeinsamen Projekt ihre Eindrücke und Vorstellungen einander mitzuteilen. Dazu kommunizieren sie sowohl über Briefe als auch über das gemeinsam gesammelte Bildmaterial. Dabei wird ein neuer Spannungsbogen zwischen beiden Disziplinen geschaffen. Die gemeinsame Arbeit fordert es, sich auf die gegenüberliegende Position einzulassen und sich seiner Eigenen sehr bewusst zu sein. Es ist eine Auseinandersetzung mit dem Wir, dem Du, dem Ich und dem gemeinsamen Akt.

Pamela Gardi


Minor Forschung

Marlies Aryani Råegg
Mentorin Praxis: Dorothea Schürze
Mentor Praxis: Christian Höfliger
Mentorin Theorie: Yvonne Schweizer

Medium: Video
Grösse: 3 heilige Videoperformance
Dauer: 5:21 min
Material: Studio-Setting
Anzahl: eine Serie von 3 Videos

Zutaten: Tuch, Kletterseil, Wetsuit, leerer Raum, Licht, Kamera, Körper.
Die dreiteilige Videoperformance zeigt das Resultat eines abgesteckten Experimentierfeldes, in welchem mit einem Material zusammen körperliche Bewegungen und deren Grenzen erprobt werden. Routinierte Handlung mit Material lässt bestimmte Bewegungen entstehen, die durch gezieltes Framing erzählt werden. Von der Kamerafrau zur Performerin wechselt die Autorin dieser Arbeit ihre Rolle und geht der Frage nach, inwiefern das Framing der Kamera als Erzählinstanz dienen kann und schliesslich die Videoperformance konstituiert.
BUNDLE – COIL – CLAD zeigt drei Handlungen, die mit alltäglichen Abläufen assoziiert werden. Der formale Rahmen fällt zusammen mit dem Inhalt. Durch die Doppelperspektive werden die simplen Handlungen hervorgehoben, Neugier für Bewegung geweckt und der menschliche Körper mit seinen möglichen Bewegungsradien zelebriert. Ein weiterer Aspekt, der als Aussage dieser Arbeit erwähnt werden muss, ist die Wertschätzung gegenüber der Vorbereitung. Die Vorbereitung für eine Handlung ist genauso wichtig, wie diese selbst. 

Kontakt: E-Mail

Tina Odermatt

Mentorat: Josef Loretan und Jacqueline Baum

1 Monat in New York City

5 Picknick Sets

10 kg Beton

9 Stunden Kochen

6 Begegnungen


Die Arbeit „Concrete Pic Nyc“ unterteilt sich in zwei Hauptphasen; das Erstellen von Geschirr aus Beton und seine Verwendung in den Strassen von New York City. Die Picknicks wurden fortlaufend auf Instagram dokumentiert. 

Das Concrete Pic Nyc Set besteht aus einem Löffel, einem Becher und einer Schale aus Beton, dazu eine Tasche genäht aus einer Leuchtweste. Die Tasche ist multifunktional, sie dient zum Schutz des Geschirrs und als Sitzfläche. Es wurden fünf Sets erstellt. Von den fünf Sets sind drei Sets und ein Löffel in New York geblieben.

Kathrin Zurschmitten

Kontakt:

Minor Kunstvermittlung

Mentorin: Maren Polte 

Semesterkurs für Studierende und Mitarbeitende der Hochschule der Künste Bern eine Zusammenarbeit von Marcel Beer und Kathrin Zurschmitten


Im Zentrum des Kurses stand der Dialog im engeren Sinne als Kommunikationsform ebenso wie im weiteren Sinne als dialogische Haltung und Arbeitsweise. Der Kurs war eine Versuchsanordnung, bei der uns die Frage beschäftigte, wie wir in einer Gruppe gleichberechtigt, partizipierend zusammen sein und gemeinsam Neues entwickeln können und wie uns der Dialog dabei unterstützt. Ausgangspunkt / Kursbeschreibung Mit sieben Studierenden aus unterschiedlichen Fachbereichen sowie zwei Sekretariatsmitarbeitenden trafen wir uns zwölf Mal für jeweils zwei Stunden. Die ersten sieben Treffen wechselten wir ab zwischen Dialoggespräch und individuellem freien Malen ohne Vorgaben. Ab dem siebten Treffen schliesslich verbanden wir die beiden Tätigkeiten und malten in kleinen Gruppen sowie mit der gesamten Gruppe an einem Bild. Dabei spielte die künstlerische Qualität eine untergeordnete Rolle. Das Malen mit Gouachefarben stellte eine unkomplizierte Möglichkeit für kollaboratives Arbeiten im kleinen Rahmen mit einfachen Mitteln dar. Es war ein Versuch, die Ideen des Dialogs in eine kreative Gruppentätigkeit zu übertragen, um die dialogischen Fähigkeiten in der experimentellen Zusammenarbeit zu erproben. Im Fokus standen das Üben von Präsenz und achtsames Wahrnehmen der eigenen Prozesse, der Prozesse der Anderen sowie der Gruppenprozesse. Am Ende unserer Treffen führten wir eine Reflexionsrunde durch, in der alle ihre Erfahrungen und Beobachtungen mitteilen konnten. Wir verstanden den Dialog nicht im alltäglichen Sinn, sondern in Anlehnung an die Ideen des amerikanischen Quantenphysikers David Bohm, der unter Dialog den « freien Sinnfluss, der unter uns, durch uns hindurch und zwischen uns fliesst ». Im Gegensatz zu Diskussionen, Debatten oder Disputten, wo Meinungen gegenüber gestellt werden, hinterfragt der Dialog Wertvorstellungen, Annahmen und Denkmuster, um das alle Gruppenmitglieder Verbindende zu finden. 

Nora Bratschi
Kontakt: 

Praxismentoren: Cécile Hummel, Stefan Sulzer
Theoriementor: Andi Schoon


Religion ist der Umgang mit dem transzendenten Gott, der in einer übersinnlichen Wirklichkeit existiert und sich der sinnlichen Wahrnehmung entzieht. Das Überirdische vollzieht sich auf einer abstrakten und unfassbaren Ebene. Religion wird aber erst durch die sinnliche Darstellung erfahrbar. Die Manifestation des Übernatürlichen im Materiellen deckt die Sehnsucht sich dem Glauben auch materiell und visuell zu versichern. Sonst verliert sich das religiöse Gefühl in Unbestimmtheit. Wenn sich das Heilige in einem Gegenstand offenbart, bleibt dieser er selbst und wird gleichzeitig in eine andere Wahrnehmungsebene transferiert. Er wird das Unfassbare an sich. Ist diese heilige Aura nun eine Eigenschaft des Objektes oder wird sie im Auge des Betrachters gebildet? Der Wandel von Wahrnehmung findet nicht nur in der Religion, sondern auch im Kunstkontext statt. In beiden Fällen wird eine gewisse Ehrfurcht oder ein Andachtsmoment erzeugt. Die Kunst ist seit jeher Bestandteil des religiösen Kults und wird selbst Gegenstand religiöser Verehrung. Wie die Religion bietet auch die Kunst den Menschen mögliche Wahrheiten und Alternativen. Der Akt der Kunst gleicht einem religiösen Ritual. Beides sind Handlungen, die Körper und Geist vereinen und ein anderes Bewusstsein generieren.

Nicolas Wirth

Mentorin Praxis: Andrea Wolfensberger
Mentorin Theorie: Katrin Weilenmann

12 Malereien, Öl/Gouache auf Leinwand, diverse Formate
Nussbaum-Anrichte, 100 x 220 x 40 cm
Gerahmtes Filmstill, 18 x 30 cm

Die Arbeit setzt sich malerisch und installativ mit meiner verstorbenen Grossmutter auseinander. Um mich vom allzu intimen Thema abzugrenzen, wähle ich ein Double für meine Grossmutter. Anstelle von Fotografien meiner Grossmutter nutze ich Filmmaterial der Schauspielerin Elizabeth Taylor aus «The Sandpiper» für die malerische Annäherung. Elizabeth Taylor sowie ihre Figur im Film weisen Parallelen zum Leben meiner Grossmutter Mitte der 1960er-Jahre auf.
Installativ fliesst der Ort, an dem die Malereien entstehen, das Haus meiner Grossmutter, in die Arbeit mit ein. Ein Objekt des Ortes, an dem meine Grossmutter ihr ganzes Leben verbracht hat, wird als Artefakt, als Body-Double, zusammen mit den Malereien präsentiert.
Der praktische Teil wird begleitet von einer kunstgeschichtlichen Arbeit. Sie setzt sich mit dem Filmbild in der Malerei auseinander. Anhand dreier Positionen – Andy Warhol, 1960er-Jahre; Kathe Burkhart, 1980er-Jahre; Judith Eisler, 2010er-Jahre – wird untersucht, wie Filmbilder, am Beispiel von Elizabeth Taylor, malerisch umgesetzt werden können. Es wird die These aufgestellt, dass die Einzelperson Taylor in den drei Oeuvres zur Projektionsfläche für ganz unterschiedliche Themen wird.

Mara Schenk und Sofie Hänni
Kontakt Mara: mara.schenk@gmail.com 
Kontakt Sofie: 


Praxismentorierende: Rita de Nigris, Christoph Stähli Weisbrod, Ursula Jakob
Theoriementorin: Dr. des. Yvonne Schweizer

2.80 m x 1.40 m 50
Keramikteller Kobalt-Salzlösung auf Langenthaler-Rohlingen


Essen als repetitiver Moment in unserem Alltag steht neben der Nahrungsaufnahme in Zusammenhang mit weiteren wichtigen Bedürfnissen wie Dialog, sozialem Austausch, Kreativität und Erinnerung. Was bleibt übrig? Welches Bild würde dieser Akt zeichnen? Die Arbeit Echo basiert auf der Grundidee der Fixierung dieses flüchtigen, sich jeden Tag in Variationen wiederholenden Moments. Industriell gefertigte Langenthaler-Teller wurden im Rohzustand begessen. Der Essensakt setzte sich als Rest ab und bildete farbabweisende und farbsaugende Stellen, die durch eine Salzlösung in ein bildgebendes Verfahren umgewandelt wurden. Die Essensmomente zeichneten individuelle Spuren auf ihre genormten Träger. In der Transformation liegt die Ambivalenz, dass das eigentliche Material zerstört wurde und sich das Bild in der Leerstelle manifestiert. Es wird zum Zeugen sämtlicher vorhergehender Materialien, Prozesse und Momente. Sie haben sich in ihm abgelagert.

Anja Dietrich und Janick Sommer
Minor Medienbasierte Vermittlung

Anja: 
Janick:

Mentorat: Moritz Keller (HyperWerk / Virtual Valley), Alexa Kusber (MuDA), Carol Baumgartner (Photoforum Pasquart)

Jedes künstlerische und vermittlerische Medium muss erlernt, die Nutzungsmöglichkeiten dadurch erkannt und angeeignet werden. So ist das Ziel der künstlerisch-vermittlerischen Minor-Arbeit Erweiterte Bildwelten, einen persönlichen und kreativen Zugang zu den uns vorher noch unbekannten Techniken und Methoden innerhalb der Virtual Reality (VR) zu schaffen. Im Rahmen der Arbeit wurden unterschiedliche VR-Kreativitäts-Tools (Tilt Brush, Medium, Unreal Engine 4) erforscht und genutzt. Daraus resultiert eine virtuelle Ausstellung, welche mit vier real existierenden Malereien von Janick Sommer in einer klassischen Ausstellungssituation, dem Withe Cube, startet. Hinter jeder Malerei befindet sich ein, in Unreal gestalteter und mit Tilt Brush oder Medium ergänzter, virtuell begehbarer Raum, der auf das Werk reagiert und es weiterführt. Die eigenen Interpretationen der Malereien werden dem/der BetrachterIn genommen, indem Janick und Anja sie in der erweiterten Bilddimension selber erschaffen; die Malereien werden virtuell erweitert. Jeder der vier Räume spricht dazu jeweils ein, die Kunstvermittlung betreffendes Themenfeld an und wirft Fragen dazu auf.

Wie sind diese neuartigen Tools zukünftig für die zeitgenössische Kunst und Kunstvermittlung einsetzbar? Was sind deren Bedeutung und Position in der jüngsten Kunstgeschichte und was sind die Auswirkungen für künstlerische Entwicklungen? Gibt es neue kuratorische Strategien? So nehmen wir im Rahmen unserer Arbeit einerseits die Rolle des/der KünstlerIn, sowie des/der KunstvermittlerIn, als auch der Forschenden ein. 

Durch die intensive Beschäftigung mit VR und einer erkenntnisbasierten Arbeitsstrategie haben wir uns Gedanken zur Verwendung von VR in Lehrinstitutionen und Museen, Ausstellungräumen und Kulturinstitutionen gemacht. Diese Erkenntnisse wurden in einem Leitfaden festgehalten. Die konzipierte, virtuelle Ausstellung ist ein Vorschlag, wie ein rein virtuelles Ausstellungskonzept aussehen könnte und wo und wie diese potenziell unendlich grosse Ausstellungsfläche in Kunst, Kunstvermittlung und Kunstpädagogik eingesetzt werden könnte. Die Ausstellung, sowie die einzelnen Elemente und Räume behalten stets ihren Experimentcharakter.

Alexandra Uehlinger  
Praxis Mentorin: Theres Roth-Hunkeler
Theorie Mentor: Thomas Strässle
 
Medium: Push-Mitteilungen

ES® ist ein fiktives Gerät der nahen Zukunft. Es kommuniziert via App mit dem Besitzenden und schickt je nach Messung passende Ratschläge, Informationen, Optimierungsvorschläge und Befehle.

Die Arbeit baut auf einer intensiven Recherche zu den gesellschaftlichen Phänomenen der Selbsthilfeliteratur, Selbstvermessung und Selbstoptimierung auf. Entstanden ist eine Textarbeit mit mehreren Protagonisten.

Kontakt: E-Mail
Download App: goodbarber.espro

Nadja Kuenzli

Theorie Mentorin: Esther Jungo
Praxis Mentorin: Andrea Wolfensberger 

Installation mit Pflanzen (Euphorbia pulcherrima) und einer Zeichnung (Bleistift auf Papier), Grösse variabel.

Basierend auf den umfassenden Erkenntnissen über die Pflanze Weihnachtsstern und deren exemplarische Stellvertreterrolle in der Diskussion über das Verhältnis zwischen Mensch und Natur entsteht eine Installation im vermittelnden Kontext. Im Zentrum steht dabei die Kritik an der Züchtung von einem pompösen, kräftigen Strauch aus den tropischen und trockenen Wäldern Mexikos hin zu einem dekorativen, nicht lebensfähigen Krüppel für beheizte Wohnzimmer unserer westlichen Welt, involviert und gesteuert durch kapitalistische Marketingstrategien. 
Die Installation zeigt auf, wie die Pflanze zum Konsumobjekt mutiert ist und jährlich, gleich nach Weihnachten Tausende davon entsorgt werden, egal in welchem Zustand sie sich befinden. An ihre natürliche, kräftige Form erinnern nur noch zärtliche Annäherungen mit Bleistift. 

Der Betrachter wird dazu angehalten, ein vermeintlich wohlbekanntes Konsumgut, das sich als Tradition im wahrsten Sinne des Wortes verkauft, zu reflektieren als auch seinen Umgang mit der Natur und sein dazu in Zusammenhang stehendes Konsumverhalten zu überdenken. 

Kontakt: E-Mail, Website
Dokumentation PDF

Elisa Schiltknecht und Barla Pelican


Ein Experiment.


Wir öffnen einen Raum für alle - alle die Lust haben kreativ aktiv zu sein. Was wird sich ergeben? Wo gibt es Grenzen? Entstehen Konflikte? Farben und Pinsel stellen wir zur Verfügung. Es kommen Menschen von verschiedenen Tätigkeiten und Altersstufen, mit verschiedenen Interessen, Fähigkeiten und kulturellen Kapitalen. Die Wände werden immer voller. Berührungspunkte werden unumgänglich. Ein interessanter Akt entsteht. Wie wirken die Beteiligten aufeinander ein? Wie kann man etwas Vorhandenes weiterführen, ohne es zu rekonstruieren? Entsteht durch Eingreifen eine Abwertung oder eine Aufwertung des bereits Vorhandenen? Eine Interaktion von Selbstüberwindung und Kompromissen entsteht. Wunderbare Momente und ein Gemeinschaftswerk sind Resultat dieses Wagnisses. Wir selbst haben aus diesem Projekt wertvolle Erkenntnisse gezogen und viele Fragen bleiben noch zu beantworten. Wie definiert sich unsere Rolle in diesem Projekt? Was sind unsere ästhetischen Ansprüche? Ist es überhaupt legitim, in diesem Rahmen ästhetische Ansprüche zu haben? Wie und wann greifen wir selbst künstlerisch ein? Uns ging es bei diesem Projekt nicht um eine komplett bemalte Wand, sondern um eine Aktion und den Austausch mit den Mitwirkenden. 

Link zur Cabane B

Nermina Serifovic
Kontakt: 

Praxismentorinnen: Esther van der Bie und Cécile Hummel
Theoriementorin: Maren Polte

Die Fotoserie repräsentiert die Bar im Allgemeinen, in ihrem gesamten Gefüge als Ort der Begegnung und der vordefinierten Entspannung, in der die Zeit keine bedeutende Rolle mehr spielt. 

Im Fokus der Aufnahmen steht der Mensch. Die Fotografien zeigen die Besucher der Bar in ihrem natürlichen Verhalten und in einem unbeobachteten Zustand der Versunkenheit, der das private Moment im öffentlichen Raum darstellt. Es entsteht eine intime Stimmung, die einen Gegensatz zum öffentlichen Raum bildet. Das komplexe Verhältnis zwischen dem Innen- und Aussengeschehen, zwischen privaten und öffentlichen sowie anonymen und intimen Augenblicken charakterisiert die Bar und begründet mein besonderes Interesse an der Bar.

Die Fotografien wurden mit einer digitalen Spiegelreflexkamera aufgenommen. Das Endprodukt besteht aus 11 Digitaldrucken von 42 x 62 cm Grösse, die auf weissen Leichtschaumstoffplatten aufgezogen wurden. Die Fotografien sind in einer freien Anordnung ausgestellt. Dies soll die Vernetzung im Barraum und die heterogene Verteilung der Menschen in der Bar widerspiegeln.

Atelier Rohling, Kulturzentrum Progr, Zimmer 109

Eva Rekade

Mentorat: Karoline Schreiber und Diego Roveroni

Das Atelier Rohling ist ein Künstlerkollektiv von behinderten und nichtbehinderten Künstlerinnen und Künstlern. Es wurde 2012 von Sophie Brunner gegründet und ist noch ein junges, sich ständig weiter entwickelndes Konstrukt. 
Im Rahmen meiner Masterthesis verlagerte ich mein künstlerisches Schaffen in die Räumlichkeiten und Strukturen des Atelier Rohling – und zwar nicht in der Rolle der Kunstvermittlerin sondern derjenigen der Kunstschaffenden. Ich habe mich auf Rohling ein­gelassen um so den Eigenschaften, Qualitäten und auch Schwierigkeiten dieses Künstlerkollektivs auf die Spur zu kommen.
Meine Erfahrungen habe ich schriftlich und zeichnerisch dokumentiert. 

Das entstandene Buch lässt die Lesenden teilhaben an den Gedanken und Fragen, die mich im Laufe dieser Erfahrung beschäftigten. Es erzählt von der teilweise widersprüchlichen Realität der «Outsider-Künstlerinnen und Künstler». GET INVOLVED ist aber auch ein Portrait des Künstlerkollektivs und bietet Einblick in das Schaffen der einzelnen Künstlerinnen und Künstler. 

In der theoretischen  Arbeit konnte ich mich vertieft mit Fragen, die sich mir im Laufe dieser  Erfahrung stellten, auseinandersetzen. Was bedeutet Inklusion generell und was bedeutet sie für ein Künstlerkollektiv? In welchem Verhältnis steht der Begriff zur Kunst und zur Kunstgeschichte? Ist nicht jede Form der Unterstützung von Künstlerinnen und Künstler mit Behinderung auch eine Bevormundung oder ein Eingriff in deren Werk?

Kontakt: E-Mail, Web
http://neu.rohling209.org

Bilder (Fotografie: Nicole Hametner)
Bild 1: Cover (Schrift: Clemens Wild)
Bild 2: Seiten 10,11 (Text: Eva Rekade, Zeichnung: Clemens Wild)
Bild 3: Seiten 22,23 (Text und Zeichnung: Eva Rekade)
Bild 4: Seiten 34,35 (Skulptur: Heinz Lauener)
Bild 5: Seiten 44, 45 (Zeichnung: Marco Glauser)

Luca Egger
Kontakt: 

Mentorat: Karoline Schreiber

Technik: Schwarzer Kugelschreiber auf Papier

Unentdeckte Orte stellen in der heutigen Zeit eher eine Seltenheit dar. Die Entdeckung eines solchen Ortes bildet die Grundlage für diese zeichnerische Arbeit, wobei die Erfahrung des Vor-Ort-Zeichnens zum Konzept gehört. Die Zeichnungen des alten Steinbruchs im Ostermundiger-Wald sollen die Stimmungen und Eindrücke des Erlebten darstellen und interpretieren. Durch den feinen Strich des Kugelschreibers entsteht eine organische Struktur, die teilweise aus der Imagination stammt und die Wirklichkeit erweitert. Gleichzeitig soll durch gezielt eingesetzten Leerraum Platz für die Vorstellung des Betrachters entstehen. Durch den vom Menschen bearbeiteten Stein und den natürlichen Pflanzenformen entsteht ein starker Kontrast, der durch die zeichnerische Textur jedoch zu verwischen scheint.

Philipp Studer
Kontakt: 

Praxismentorat: Anna-Lydia Florin und Stefan Sulzer

Theoriementorat: Dr. Florian Werner

Videoinstallation (2 Videos auf Stellwände projiziert)

Dauer: 8.57 Minuten und 8.36 Minuten

Die Beziehungen zwischen Mensch und Tier sind heute so vielfältig wie unterschiedlich. Wir errichten Zäune, um die Tiere vor unbedachten Handlungen von Menschen zu schützen oder auch, um unbedachte Menschen vor Tieren abzuschirmen. Im Zoo werden Zäune und Glasscheiben zu Leerräumen zwischen Mensch und Tier. Zu Zwischenräumen, die Distanz ermöglichen. Wir beobachten Zootiere. Und wenn sie für uns auch keinen weiteren Nutzen haben, so dienen sie doch der Unterhaltung, dem Spektakel. Drehen wir diese Perspektive aber einmal um. Beobachten wir die Beobachtenden. Was unterscheidet nun den Besuch eines Zoos vom Anschauen eines Dokumentarfilms über Tiere in der Serengeti? Wir betrachten die Tiere, erwarten uns aber eine gewisse Interaktion, dem Distanzhalter Gehege zum Trotz. Blicken die Tiere nicht zurück, versuchen wir oft die Aufmerksamkeit auf uns zu ziehen. Werden wir dadurch aber vom unbeteiligten, passiven Betrachter zum aktiven Besucher? Quasi zu einem Gegenüber des Tieres?

Um die Beobachtungen zu machen, wurde die Filmkamera in den Zoos so positioniert, dass für die anderen Besucher nicht ersichtlich war, was oder wer  genau im Bild war. Es wurde nach Plätzen gesucht, an denen die Kamera vordergründig auf die im Gehege befindlichen Tiere gerichtet werden konnte, heimlich aber die Menschen auf der anderen Seite der Zäune oder Glasscheiben gefilmt wurden. Aus den Aufnahmen entstanden zwei Videos, die auf zwei Stellwände projiziert werden. Die Videos sollen sich ergänzen und das eine Bild auf das andere reagieren. Dadurch, dass beide Videos nicht gleich lange dauern und die Clips in Loops abgespielt werden, verschieben sich die anfangs  gesteuerten Bildkombinationen aleatorisch.

Eva Allemann
Kontakt:

Minor Forschung

Mentorinnen: 

Cécile Hummel und Annika Hossain

Ein Dorf aus den multiperspektivischen Ansichten seiner Bewohner

Das künstlerische Forschungsprojekt macht das Dorf Kleinlützel zum Gegenstand der Recherche. Mich fasziniert fast Vergessenes: übersehene Orte, ein verschwundener Flurname, das zugeschüttete «Dych», vergangenes Gewerbe und Netzwerke. Wie hat sich der Dorfkern in den letzten 80 Jahren verändert? Und wie kann diese Entwicklung anhand von alltäglichen Lebensgeschichten beschrieben werden?
Das Forschungsprojekt ist ein Versuch, die Vergangenheit des Dorfes durch subjektive Wahrnehmungen aus verschiedenen Perspektiven zu erzählen und zu rekonstruieren.

Maria Nur Beglerbegovic
Kontakt: 

Praxismentorin: Daniela Keiser, Tine Melzer
Theoriementorin: Maren Polte

„Die Brote in der Auslage sind paarweise angeordnet, die Hausbesitzer haben ihre Hecken in Apfel- und Birnenform geschnitten und einer Schaufensterpuppe ist die Perücke vom Kopf gefallen.

Sammeln ist eine Tätigkeit für Liebhaber und der Versuch, nichts zu verlieren. Meine Handyfotos halten Momente fest und bringen Ordnung in die Welt und in die Dinge, die mich umgeben. Sie sind Erinnerungen, Erscheinungen, wunderliche Begegnungen und kuriose Schätze. Was auf dem Bild ist, ist auch auf der Welt: nebenbei Gemachtes, eine schnelle Antwort oder eine sorgfältig durchdachte Anordnung. 

Nichts davon gehört mir, alles war schon da.“ 

Die praktische Bachelorarbeit konstellation #5 besteht aus zwei Teilen:

Zum einen aus einer Anordnung von sechs Fotografien aus meiner Handyfotosammlung, die auf MDF-Platten aufgezogen und so installiert wurden, dass sie meinen Standpunkt als Bild-Sammlerin und den Standpunkt des Betrachters vom Bild im Raum verbinden. 

Zum anderen liegen in der Vitrine vier Handyfotobücher, die als Notiz- und Tagebuch verstanden werden können. Obendrauf liegt „Die Ordnung der Brote“, ein Buch, welches für diese Präsentation zusammengestellt wurde und eine Auswahl aller bisherigen Bilder beinhaltet. 

Die einleitenden Worte des Buches sind hier zu Beginn wiedergegeben.

Anicia Gerber

Praxismentorin: Karoline Schreiber
Theoriementorin: Judith Bühling 

Technik: Öl auf MDF Holz
Grösse: 21,5 x 27,5 cm
Serie bestehend aus 8 Bildern

«Kunst in der Praxis» untersucht die Hausarztpraxis als halböffentlichen Raum und den Umgang mit Kunst innerhalb dieser. Durch bewusstes Aufräumen der Bildvorlagen in der Malerei wird meine forschende Bestandsaufnahme visualisiert. Es wird gezeigt, welche Rolle Bilder und insbesondere deren Auswahl im Alltag spielen. Diese Übersetzung in die fgurative Malerei macht kuratorische Gesten von Laien ebenso sichtbar wie ein verbreitetes Kunstverständnis. Das Thema Bild wird in einer unkonventionellen Weise behandelt und vermittelt.

Kontakt: E-Mail

Annette Brand
Email: 


Mentorin: Patricia Schneider

Technik: Siebdruck auf Papier 

Format: 780 x 565 mm 

In Landshades werden die subjektiven Aspekte der Landschaft untersucht. Die Auseinandersetzung erfolgt dabei einerseits über das direkte Erleben und Bereisen des Schweizer Aplenraumes, sowie über das Aufgreifen der bestehenden Landeskarten als subjektive und abstrahierte Aufzeichnungen. Die Karten sind so bearbeitet, dass sich die vorhandenen Strukturen mit frei hinzugefügten Linien und Flächen überlagern. Skizzen, übergrosse Hautabdrücke, Linien, die einmal das Profil eines Panoramas, ein andermal die Struktur von Felsen und Steinen wiedergeben, greifen ineinander und führen die Farb- und Formsprache der Karten weiter. Schatten von Menschen sind bis zur Unkenntlichkeit verzerrt. Sämtliche Relationen werden aufgehoben und es gelten keine Massstäbe mehr. Berglandschaften sind herausfordernd: Macht und Ohnmacht, Faszination und Schrecken können sehr schnell ineinander übergehen. In Landshades gehen die Karten als Expeditionsgrundlage bis zur Befragung des eigenen Verhältnisses zu einem bestimmten Gebiet. Inwiefern bedingen sich Erinnerung und Gegenwart, Realität und Fiktion gegenseitig? Was machen Menschen in der Landschaft und was macht die Landschaft mit den Menschen?

Mira Buck
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Eine experimentelle Raumuntersuchung

Mentorate: Iver Ohm und Daniela Keiser

In dieser Arbeit habe ich durch lineare Zeichnungen die Strukturen im öffentlichen Raum nachgezeichnet, um diese durch eine Abstraktion wahrzunehmen und dadurch die Raumgestaltungen isoliert zu betrachten. LEITSYSTEME ist eine Momentaufnahme meiner Überlegungen zu Fragen der Gestaltung von öffentlichem Raum und die Wechselwirkungen mit den Menschen die sich darin bewegen. Ich habe einen Film präsentiert, bei dem ich im Bild eine Abfolge der Zeichnungen zeige und die Tonebene ein Gespräch ist, die meine Überlegungen zur Raumgestaltung in einem Dialog verdichten.

Thushany Iyampillai
Kontakt: 

Praxismentorin: Cécile Hummel
Theoriementorin: Priska Gisler

6:25, 6:44, Video Loops, zwei 32 Zoll Monitore sechs Publikationen, Bildersammlung, unterschiedliche Grössen  


Als meine Kollegin und ich im Bus eine Kleinigkeit assen, beschimpfte uns eine ältere Dame, dass solch respektloses Verhalten bei schwarzen Leuten normal sei. Mir war schon immer bewusst, dass Menschen Vorurteile gegenüber Dunkelhäutigen haben, aber bis zu diesem Zeitpunkt war ich noch nie direkt damit konfrontiert worden oder hatte die bisher an mich gerichteten Aussagen nie als Vorurteil wahrgenommen. Aber seit diesem Ereignis hatte ich plötzlich das Gefühl Wahnvorstellungen zu haben, jeder Blick, der mir zugeworfen wurde, schien damit zu tun zu haben, dass ich dunkelhäutig bin. Jedes Getuschel und Kichern um mich herum war, weil ich dunkelhäutig bin. In meiner Arbeit «Nur weil ich schwarz bin» werden die Vorurteile, mit denen sich dunkelhäutige Menschen täglich auseinandersetzen, thematisiert. Zwei Diashows mit gesammelten Bildern aus dem Alltag zeigen die Sichtweise des Vorurteilhabers. Im Zentrum der theoretischen Arbeit steht die Analyse der Fokusgruppengespräche, die ich mit sechs Jugendlichen aus Somalia, Eritrea und Äthiopien im Alter von 17 und 18 Jahren durchführte, um aufgrund ihrer eigenen Erfahrungen zu erkunden, welche Vorurteile sie in ihrem Alltag erleben.

Tina Z'Rotz



75 X 45 X 25 Gips, Farbe, Birnbaum. Besteht aus zwei skulpturalen Elementen und einem Holzgestell.

Mentorat: Aldo Mozzini


Bäume begleiten mich seit meiner frühen Kindheit, sie nähren meine Phantasie, lassen mich verweilen und innehalten. Sie haben in ‚permanent siegen’ die Form von fragmentarischen Wesen angenommen. Sanft geschwungen, zum Teil in sich verkeilt oder sich gegenseitig zärtlich sorgsam haltend - der Natur entlehnt ruhen die zwei Objekte in sich.

Agathe Mauron

Ohne Titel, 2016, Digitalfotografie, Inkjet auf Foto-Papier, 160 x 118 cm 
Mentorat: Andi Schoon

Die zeitgenössische Architektur Rio de Janeiros dient als Experimentierfeld für futuristische Sphären und Visionen globaler Küstenstädte. Im Fokus stehen Solarenergie, Klimaerwärmung, Cityscape, City-Aesthetik, Lifestyle und digitale Vernetzungen. 

Kontakt: E-Mail

Dominique Nadiya Liniger 

Praxismentorin: Karoline Schreiber
Theoriementorin: Patricia Schneider

Schwarze Tusche mit Pinsel auf Papier gezeichnet, 9 Bilder (70cm x 100cm)    

Das Zeichnen mit Tusche und Feder begleitet mich seit über einem Jahrzehnt. Es ist eine sehr persönliche Ausdrucksweise zwischen Verdichtung, Wiederholung und Ornament, welche sich in unzähligen Skizzenbücher wiederfindet. 
In einem Selbstversuch erkunde ich die idealen Bedingungen, unter welchen sich mein zeichnerisches Potential am besten entfaltet. Welchen Raum brauche ich, um zu zeichnen?
Es sollte ein geschützter Raum sein, in dem nicht geurteilt wird – einer, in dem ich suchen, scheitern, spielen und mäandrieren kann. 
Dort verlasse ich das Kleinteilige und Introvertierte meiner Buchzeichnungen und finde zu einer neuen Bildsprache. Die grosszügigen Pinsellinien fordern den ganzen Körper, mehr Platz, Geschwindigkeit und Kraft.
Diese Beobachtungen begleiten meine theoretische Auseinandersetzung, in welcher ich untersuche, warum wir den Gestaltungsunterricht nicht als Möglichkeit sehen, den Kindern und Jugendlichen Raum zu geben, ihnen mehr Platz zu lassen um eigene Ausdrucksform zu finden und eigenen Interessen nachzugehen. Hier verbirgt sich viel Potential, nicht nur auf der Gestaltungsebene, sondern auch im Hinblick auf die Entwicklung der Lernenden.

Kontakt: E-Mail, Web

Elia Huber
Kontakt: elijah.hubba@gmail.com

Mentorat Praxis: Andrea Wolfensberger, Esther Maria Jungo Mentorat 
Theorie: Esther Maria Jungo

Technik: Video Installation, 3 Video Loops (Dauer: 10.09 min, 18.31 min, 14.17 min)

Strassenpoesie ist eine Installation, die sich mit dem Trieb des Unterwegsseins befasst. Als Ausgangspunk diente die Suche, nach der Essenz, dem Konzentrat meiner persönlichen Art, unterwegs zu sein. Dabei wurde die kollektive Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft nicht miteinbezogen. Die Pfade, die Wege und die Strassen die wir heute gehen, wurden schon gegangen und werden noch weiterhin begangen. Selten passiert es, dass ein neuer Weg entsteht. Meist gelten Wege, für ein einzelnes Individuum als neu und unerkundet. Für die kollektive Erinnerung sind diese jedoch schon alt und bekannt. Jeder geht sein Weg, bestehend aus unendlichen Kombinationen, von erkundeten und etablierten Wegen. So wie sich die Videoloops immer zu Neuem kombinieren und überlagern.

Sarah Glaisen
Kontakt: 


Installation avec son et projection vidéo Tissu, tables basses, plateau en bois, moteur, roulettes, spiner, micros, enceintes, carte son, amplificateurs, ventilateurs, caméra vidéo, trépied, vidéo projecteur, dedolights.

Mentor: Esther Maria Jungo

Remerciements à : Laurent Dechanez, Joëlle Glaisen, Marc Glaisen, Nicole Haefliger, Nicolas Python.


Placée au centre de l’espace, une haute table ronde recouverte d’une longue nappe blanche touchant le sol tourne sur elle-même dans un mouvement circulaire continu. Le drapé formé par la nappe blanche se meut inlassablement, balayant le sol de façon subtile et aérienne. Ce mouvement circulaire se poursuit sur l’un des murs de l’espace tel un dédoublement de la table ronde. Ces deux réalités, l’une tangible et matérielle, la seconde immatérielle, sont enveloppées par un grondement sonore. TABLE RONDE fait référence au lieu et au réceptacle d’une possible médiation autour de laquelle se réunissent plusieurs personnes. Pourtant, le grondement sonore provenant de la table entrave toute écoute réciproque attentive. Le mouvement circulaire, le déploiement de la nappe blanche et la hauteur inhabituelle de la table ronde tiennent à distance les spectateurs qui voudraient s’en rapprocher.

Fabian Unternaehrer

Theoriementorin: Maren Polte
Praxismentor: Thomas Seelig

Technik: Öl auf MDF Holz
Grösse: 21,5 x 27,5 cm
Serie bestehend aus 8 Bildern

Eine Fotografie ist das Sichtbarmachen einer Idee, eines Gedankens oder einer Emotion. Eine Fotografie kann eine Aussage über verschiedene Sprachgrenzen hinaus transportieren. Die fotografischen Aussagen wiederum können, wie Haupt- und Nebensätze in der Literatur, aneinandergefügt werden zu einem poetischen, mehrschichtigen Essay, in der Folge zu einem Buch. Im künstlerischen Fotobuch werden Fotografien somit nicht bloss lose aneinandergereiht, zu einem Katalog oder zu einem Portfolio, sondern diese werden zu einer neuen und eigenen, schlussendlich haptischen Gesamtaussage geordnet. Ein, spätestens ab diesem Zeitpunkt, künstlerisches Werk mit einem Spannungsbogen, einer Einleitung, einem Mittelteil sowie einem Abschluss. Triviale, wenn auch technisch brisante Abbilder werden dabei weggelassen, überwunden oder als visuelle Satzzeichen verwendet, um die Sinnbilder und damit Metaphern in den Vordergrund zu stellen, diese zu einer schlüssigen Kette zu verweben.

Während sich der theoretische Teil dieser Masterthesis auf das Fotokunstbuch und dessen Relevanz bezieht, zielt der praktische Teil darauf ab, die neu gewonnen Erkenntnisse umzusetzen.

Kontakt: Website
Feature 

Kathrin Zurschmitten
Videoinstallation mit Minibeamer, Loop 

Praxismentorin: Daniela Keiser, Karoline Schreiber Theoriementor: Francesco Micieli 
Masterarbeit im Studiengang Art Education 

Linien sammeln, Linien suchen, Linien denken, Linien fühlen, Linien ziehen. Linien beobachten und befragen, was sie zu sagen haben. 
In einer unaufgeregten und breit angelegten Suche, die über Umwege führte wurde Zeichnung im Alltag und das Phänomen der Linie erkundet. Dabei entstand eine umfassende Sammlung an experimentellen Zeichnungen und Textfragmenten. 
In einer Videoinstallation wurde schliesslich der Frage nachgegangen, wie weit der zeichnerische Akt reduziert werden kann: die reine Bewegung des Balancierens macht eine imaginierte Linie sichtbar. Das Zeichnen, wird hier zum sprichwörtlichen Balanceakt und zum ephemeren Konzept, das sich nicht nur auf Papier, sondern auch in Zeit und Raum äussern kann. 
In der Wechselwirkung zwischen Realität und unwirklichem Raum steht das Zeichnen als Eingang in einen wundersamen Ort. 

Kontakt: E-Mail
Thesis als PDF

Konzept und Organisation: 
Gila Kolb, Carina Herring, Helena Schmidt

Vom 6. bis 9. Juni 2017 findet an der HKB Bern das Netzwerkmodul für Studierende der Masterstudiengänge Art Education statt. Intention der Veranstaltung ist es, sich hochschulübergreifend zu vernetzen und sich über aktuelle Fragen und Bedingungen der Kunstvermittlung auszutauschen. Dazu gehören Theorie und Praxis, Formate und Inhalte genauso wie aktuelle Arbeitsbedingungen von Kunstvermittler_innen. 2017 lautet das Thema der Netzwerkwoche: „We, the Art Workers or: how to start a microrevolution?”.

Der Titel ist gleichermaßen Frage und Statement: Inwieweit hat sich im Feld der Kunstvermittlung der von verschiedenen Stellen geforderte Paradigmenwechsel von der Reproduktion zur Produktion von Wissen niedergeschlagen? Ist Kunstvermittlung Arbeit? Wer sind „wir“, welche Strategien verfolgen „wir“, und wie können „wir“ uns organisieren? Was meint eigentlich: Kunstvermttlung? Welchen Bedingungen unterliegt sie? Wessen Kunstvermittlung ist es? Was wird wem vermittelt? Welche Ziele werden und wurden von VermittlerInnen und von Institutionen verfolgt und warum?

Vor diesem Hintergrund eröffnet die diesjährige Netzwerkwoche einen Dialog, um die Potenziale der Kunstvermittlung für die Unterrichtspraxis an Schule und Museum herauszuarbeiten. Unterschiedliche Formate, um diese Fragen multiperspektivisch zu bearbeiten, werden vorgeschlagen und erprobt: Am Dienstag beginnt das Netzwerkmodul mit vier Workshopgruppen (Helena Björk, Danja Erni & Jun.-Prof. Dr. Nanna Lüth, Dr. Annika Hossain, Konstanze Schütze). The Art Educator’s Talk LIVE am Dienstag Abend (eröffnet ein Forum, um grundlegende Fragestellungen der Kunstvermittlung miteinander zu diskutieren. Diese Diskussionen werden am Mittwochnachmittag beim Art Educator’s Tea fortgesetzt, der Raum für selbstorganisierten Austausch bietet. Am Mittwochabend vertieft der Vortrag des Forschungsmittwochs von Prof. Dr. María Acaso die Diskussion, unter anderem mit der Figur der „microrevolutions“, die KunstvermittlerInnen in ihrem täglichen Handeln produzieren können. Nach einem Workshoptag am Donnerstag führt der Freitag die unterschiedlichen Perspektiven in einer Manifesto Session zusammen.

Rebecca Noser 
Kontakt: 

Minor Forschung

Mentorat:

Annika Hossain, Stephan Hartmann, Christopher Ritter

Zum Problem der Rot-Grün-Sehschwäche bei der Betrachtung von Malerei

Im Rahmen des Forschungsprojekts wurde nach einer Möglichkeit gesucht, Personen mit einer Rot-Grün-Sehschwäche beim Unterscheiden von einzelnen Farben in der Betrachtung von Malerei zu unterstützen. Dabei wurde von der Annahme ausgegangen, dass Betroffene durch gezieltes Einsetzen des Nachbildeffekts Problemfarben satter und differenzierter wahrnehmen können. Probandinnen und Probanden wurden dazu aufgefordert, eine Online-Testung durchzuführen. Dabei wurden ihnen nacheinander 10 Malereien gezeigt. Durch das Betrachten einer Farbfläche über 1:30 Minuten wurde ein Nachbild generiert, woraufhin die Probandinnen und Probanden wieder die Malerei betrachten sollten. Das Nachbild legte sich wie eine Art natürlicher Farbfilter über die Malerei, wodurch bestimmte Farbtöne intensiviert werden und die Farbwahrnehmung differenter werden sollten. Im Rahmen der Forschungsarbeit sollte ausserdem abgeklärt werden, ob das Interesse der Betroffenen an Malerei geringer ist als jenes von Normalsichtigen und ob Bedarf an einer entsprechenden Vermittlung vorhanden ist. Mithilfe eines Online-Fragebogens wurden sowohl Personen mit Rot-Grün-Sehschwäche, als auch Normalsichtige über ihr Interesse an Malerei und Museen befragt, wodurch ein Vergleich zwischen den beiden Gruppen gezogen werden konnte. Um das Verhältnis der Betroffenen zur Malerei und ihren Bezug zu Museen individueller zu ergründen, wurden zudem Gespräche mit rot-grün-seh-schwachen Personen geführt, transkribiert und auf ebendiese Punkte hin untersucht. Bisherige Ergebnisse deuten darauf hin, dass eine Verbesserung der Farbwahrnehmung durch den Nachbildeffekt erreicht werden kann. Daher wurden bereits Farbbrillen angefertigt, um eine Anwendung des Effekts weiter zu optimieren und zu erforschen. Auch wenn viele der Betroffenen sich selbst nicht als kunstinteressiert beschrieben haben, wären die meisten einem Vermittlungsprogramm zugeneigt. In Anbetracht dessen, dass 8–9% aller Männer und 0.5–0-8% aller Frauen von einer Rot-Grün-Schwäche betroffen sind, wäre es spannend und sinnvoll, sich auch im Museum mit der Thematik zu befassen.

Anna-Lena Schroers

Praxismentor: Nicolas Vermot-Petit-Outhenin
Theoriementorin: Luzia Hürzeler 

«Wild·nis, die» beschäftigt sich mit der Frage, welche Vorstellungen von Natur und Kultur in Zoos widerspiegelt werden. Dabei rückt das Zeigen an sich ins Zentrum der Arbeit. Inszenierte Landschaften, befinden sich nicht nur in den Gehegen, sondern auch in den Besucherbereichen. Dazu gehören exotische Pflanzen, grosse Steinbrocken oder Zäune aus moosbewachsenen Ästen. 
Wie wird ein Bild von Natur und Wildnis generiert und wie wird dieses vermittelt? Zentraler Bestandteil der Arbeit sind fünf Gespräche. Mit einem Anthropologen über die Begriffe Natur und Kultur, mit einer Zoopädagogin über das Affenhaus im Zoo Basel, mit einem Bauleiter über das Wolfsgehege im Tierpark Dählhölzli, mit einer Tierpräpatarotin über Dioramen und mit dem Leiter Edukation über den Zoo Zürich im Allgemeinen.

Kontakt:E-Mail

LOSAN ou laville de l’ère biobotique (Zeichnungen) 1. Preis

Schule: Gymnase de la Cité

Betreuende Lehrperson: Alain Graf

Die Arbeit «LOSAN» besteht aus grossformatigen Zeichnungen, die gesammelt in einer Holzkiste Zugang zu einer Welt der Zukunft eröffnen. Oder präziser – zur Stadt Lausanne in den Jahren vor 2550 während der Ära des «biobotique». «Biobotique» bezeichnet das Vermögen des Menschen, in der Natur inexistente Organismen gemäss seinen Ansprüchen selbst zu kreieren. Die Zeichnungen sind die einzigen Dokumente, die von der Stadt im Jahr 2550 übriggeblieben sind, da sie danach zerstört wurde. Die detaillierten Zeichnungen zeigen 9 akkurat konstruierte Ansichten von Lausanne, zwei Blätter mit Erklärungen zu den biobotischen Organismen und eine Karte der Stadt. 

Auf 12 Zeichnungen lässt Louis Lou Collet eine kohärente Welt entstehen. Man entdeckt ein bizarres Universum, in dem Menschen die göttliche Gabe besitzen, die Natur vollends zu kontrollieren. 

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LOSAN ou la ville de l’ère biobotique (dessins), 1erprix

Établissement: Gymnase de la Cité, Lausanne

Enseignant: Alain Graf

«LOSAN», ce sont des dessins de grand format, déposés dans une caisse en bois, qui ouvrent une fenêtre sur le monde de demain, ou, plus précisément, sur la ville de Lausanne juste avant l’an 2550, à l’ère biobotique. Par biobotique, on entend l’aptitude de l’être humain à créer à son idée des organismes inexistants dans la nature. Les dessins de la caisse sont tout ce qui reste de la ville en 2550, après sa destruction. Les dessins offrent une représentation minutieuse de Lausanne, deux pages d’explications sur les organismes biobotiques ainsi qu’un plan de la ville. 

Sur les douze dessins, Louis Loup Collet crée un monde cohérent. Au regard s’offre un monde bizarre, peuplé l’êtres humains dotés d’un don divin qui leur permet de contrôler ce monde. 

Simone Hofmann
Fotografien, analog und digital
Digitalprints auf Papier


Theorie Mentorin: Ruth Kunz
Praxis Mentor: Matthias Gabi

Mein gesamter persönlicher Fotofundus war Ausgangslage dieser Master-Thesis. Das Suchen – ohne genau zu wissen, nach was – spielte als treibende Kraft, insbesondere zu Beginn, eine wichtige Rolle. Die insgesamt 17751 Bilder wurden gesichtet und geordnet, um anschliessend für eine künstlerische Arbeit fruchtbar gemacht zu werden. In einem mehrstufigen Prozess erfolgte schliesslich eine Auswahl von 407 Bildern, welche wiederum als Bilderpool für die finale Auswahl dienten und ergänzend zu den Fotografien an der Wand in einem Buch ebenfalls in der Ausstellung präsent waren. 
In meiner theoretischen Vertiefung habe ich mich mit dem Thema der Bildkombinatorik und des hyperimages auseinandergesetzt. Die daraus gewonnenen Erkenntnisse waren sehr wichtig für die letzte Phase der praktischen Arbeit – der Entwicklung des ausgestellten Bildgefüges «43 Bilder 1995–2015». Das präsentierte Gefüge kann als eine mögliche Selektion beziehungsweise Konstellation verstanden werden.

Theorie Dokumentation Master Thesis

Kontakt: E-Mail

Temps de cochons, (Animationsfilm) 2. Platz

Schule: Gymnase Intercantonal de la Broye

Betreuende Lehrperson: Pierre-Vincent Braillard

Der Animationsfilm «Temps de cochons» zeigt die Geschichte eines Mädchens, das sich dazu entschliesst, seine Schweinchen nicht mehr zu essen, sondern sich von selbst Gepflanztem zu ernähren. Obwohl das Thema Ernährung und der weltweit steigende Fleischkonsum ernste Themen sind, ist der Film sehr humorvoll. Am Ende werden die Schweinchen durch menschenfressende Pflanzen von ihren Peinigern befreit und führen ein sorgloses Leben vor dem Fernseher. Die Animation ist bis ins kleinste Detail durchdacht und fantasievoll umgesetzt. Lichtführung und Farbigkeit evozieren ein grosses Repertoire an Stimmungen, welches durch die eigens für den Film komponierte Musik unterstützt wird.

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Temps de cochons(film d’animation), 2eprix

Établissement: Gymnase Intercantonal de la Broye

Enseignant: Pierre-Vincent Braillard

Le film d’animation Temps de cochon, c’est l’histoire d’une fille qui décide de ne plus manger ses petits cochons et de se nourrir des plantes qu’elle fait pousser. L’alimentation et la consommation croissante de viande dans le monde sont des sujets sérieux. Le film, lui, est plein d’humour : à la fin, les petits cochons sont délivrés par des plantes carnivores qui ingurgitent leurs tortionnaires et on retrouve les cochons menant une vie insouciante devant la télévision. L’animation est étudiée dans ses moindres détails et mise en œuvre de manière créative. L’éclairage et la polychromie parviennent à évoquer un vaste éventail d’ambiances, soulignées par la musique composée pour le film. 

Alice, (Zeichnungen) 2. Preis

Schule: Lycée cantonal de Porrentruy

Betreuende Lehrperson: Emmanuel Wütrich

Gespräche mit ihrer Grossmutter über deren Leben und Erinnerungen inspirierten Maeva zur Arbeit «Alice», einer Reihe detailreicher, mit Kugelschreiber angefertigter Zeichnungen. Ergänzt werden die Zeichnungen durch kurze Texte — diese sind zweisprachig gehalten und geben im deutschen Teil einzelne Sätze der Grossmutter wieder. Im französischen Teil liest man, wie diese von der Enkelin Maeva verstanden werden und sie äussert ihre Gedanken und Vorstellungen dazu. Die Zeichnungen stehen in einem sehr freien Bezug zu dieser Textebene, sie sind nicht illustrierend, sondern eröffnen dem Publikum einen weiteren Zugang zu den Erinnerungen der Grossmutter, beziehungsweise zur Imagination dieser Erinnerungen durch die Künstlerin. In diesem Dreieck aus der Stimme der Grossmutter, den französischen Gedanken der Enkelin und den Zeichnungen entfaltet sich eine Beziehung zwischen zwei Menschen aus unterschiedlichen Generationen, Sprachen und Kulturen.


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Alice (dessins), 2eprix

Établissement: Lycée cantonal de Porrentruy

Enseignant: Emmanuel Wütrich

Les dialogues de Maeva Rubli avec sa grand-mère sur la vie et les souvenirs de l’aïeule sont à l’origine d’Alice, une série de dessins foisonnants effectués au stylo bille. De brefs textes bilingues complètent ces dessins, de manière à consigner certaines des réponses de la grand-mère en allemand. Dans la section française, on lit l’interprétation que la petite-fille donne à ces phrases et les idées et images qui en découlent. Le lien entre les dessins et ce niveau des textes est implicite ; les dessins ne sont pas des illustrations. Ils proposent une manière inédite de percevoir les souvenirs de la grand-mère et l’imaginaire que la petite-fille développe sur la base de ces souvenirs. Le triangle formé par la voix de la grand-mère, les pensées de la petite-fille et les dessins cristallise le lien de deux personnes, de génération, de langue et de culture différentes. 

Alexandre Cottier

Mentorat: Cynthia Gavranic, Alena Nawrotzki, Andi Schoon
 

Im Rahmen der Ausstellung 20 - An Exhibition in Three Acts im Migros Museum sind Zeichnungshefte entstanden. Darin wurden die ausgestellten Werke in technischer Manier abgebildet und in fremde Situationen platziert. Die Besucher_innen konnten damit die einzelnen Seiten auf spielerische Weise zeichnend und schreibend ergänzen. Schlussendlich ist eine Sammlung solcher Hefte entstanden, in welchen die verschiedenen Rezeptionsansätze der Besucher_innen sichtbar wurden und im Verlauf der Ausstellung stets weiterbearbeitet werden konnten.

Kontakt: E-Mail

abbandonato - appreciating the forgotten (Fotobuch), 3. Preis

Schule: Kantonsschule Zürcher Unterland

Betreuende Lehrperson: Maya Spuhler

Dario Veréb fängt mit seiner Arbeit «Abbandonato» die unterschiedlichen Stimmungen in einem kleinen Bergdorf in Norditalien ein. Die Gegend ist von Strukturwandel und Abwanderung stark betroffen. Zeuge davon sind unter anderem viele leerstehende Gebäude, Orte mit unterschiedlichem Charakter, beispielsweise ein Fort aus dem ersten Weltkrieg oder ein von Nonnen geführtes Ferienhaus für Waisenkinder.

Dario hält Stimmung und zurückgelassene Dinge fotografisch fest und beobachtet so den langsamen Zerfall, die stete Zurückeroberung durch die Natur und dokumentiert Lebenszeichen früherer Bewohner. Die Schwarzweiss-Fotografien fügte der Künstler zu einem Buch zusammen und platzierte zwischen den Bildern vereinzelt kurze Texte, in denen er Beobachtungen und Gedanken poetisch formuliert.

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abbandonato - appreciating the forgotten(album photos), 3eprix 

Établissement: Kantonsschule Zürcher Unterland

Enseignante: Maya Spuhler

Avec son travail intitulé abbandonato, Dario Veréb immortalise les différentes atmosphères qui prévalent dans un petit village de montagne du nord de l’Italie. La région est durement touchée par le changement structurel et l’exode rural, dont témoignent les nombreuses constructions vides de différentes époques : fort de la première guerre mondiale, colonie de vacances pour orphelins tenue par des religieuses. Dario Veréb capte la dégradation lente, la reconquête par la nature et les signes laissés par les anciens habitants. Les clichés noir-blanc sont rassemblés dans un album, qui présente aussi des textes poétiques où l’artiste formule ses observations et ses pensées.

Lea-Nina Fischer 
312.7m3 HKB
Duft Nr. 64029.09 
Geosmine
Maceal

Cis-3 hexenyl
Salicylate

dpg; Dipropylenglycole 

Intervention Kamin
Nebelmaschine Heavy Fog Liquid 
2 min. mit Intervall 
Flatscreen 
SD - Video 2.24 min / loop 

Zusammenarbeit Andreas Wilhelm, Parfümeur.
Theorie Mentorat: Andi Schoon

Praxis Mentorat: Marta Kwiatkowski 

17.2m3 Bümpliz 
Sechs Kunstschaffende untersuchen 17.2m3 an vier Orten in Bümpliz und filtern diese zu einem kollektiven Duft-Konzentrat.
Ein olfaktorischer Perspektivenwechsel. 
Das Kunstprojekt untersucht unser Raumerleben. 
Schaffen Düfte neue Zugänge zu bekannten Orten? Wie verorten wir Duft? 
Während der Dauer des Stadtfestes Bern
(19. - 21. August 2016) können an drei Standorten
auf dem Festgelände unterschiedliche Interpretationen erlebt werden. 

Lea-Nina Fischer 
In Zusammenarbeit: Tamara Hauser, Selina Hofer, Salima Hänni, Stefanie Janssen, Esther Tellenbach und Andreas Wilhelm, Parfümeur.
Kuratiert von Marta Kwiatkowski. 

Kontakt: Mail

Rachel von Dach

Theorie Tutor: Andi Schoon
Praxis Mentorin: Tine Melzer

Technik: Collage, Cyanotypie

Kontakt: E-Mail

Verschickt werden in einer Mailart-Aktion Einsteckkarten mit zusammengestellten Briefmarken aus einer Kindheits- Sammlung. Deren Empfänger werden aufgefordert, eine von mehreren beigelegten Fragen in Briefmarkensprache zu beantworten. Der somit entstandene Satz wird als Antwort an den Absender zurückgeschickt und im 1/1 Format, im Rahmen einer Briefmarke, als Collage vereint. Jegliche Informationen zu ihren Herkunftsländern werden dabei verwischt und weggeschnitten. Neu aufgeladen tritt das Material unter einer gemeinsamen Identität auf, das Land Tandamien. Dieses Land, das keines ist, versucht sich durch Briefmarken, die keine mehr sind, zu legitimieren. 

Agathe Mauron
Mentorat: Andi Schoon

Es ist unmöglich, die Copacabana oder Rio de Janeiro mitsamt Einwohnern als Monumentalprojekt in einem Kunstraum unterzubringen. Möglich ist hingegen, eine Imagination des real Erlebten in künstlerisch abstrakter Form zu vermitteln. Die Stadt wird anhand einer Fotografiesequenz von monochromen Hausfassaden fragmentarisch dargestellt (Rauminstallation).

Ohne Titel, 2016, Digitalfotografie I/II, ink jet auf Foto-Papier, 1.10 x 0.80 m
Ohne Titel, 2016, Rauminstallation fotografische Sequenz, ink jet auf Foto-Papier

Kontakt: E-Mail

Selin Bouquin, Rachel von Dach

Mentorat: Stefan Sulzer, Dominique Lämmli
 

Chronicles of the Coast ist ein Workshop auf den Spuren der Chettiars, einer Händler­gemeinschaft aus Südindien. Der vierwöchige Workshop wird durch das Srishti Institut für Kunst, Design und Technologie veranstaltet. Das Projekt wird, im Rahmen eines Minor-Projektes im Master of Art Education an der Hochschule der Künste Bern, im Teamteaching mit Dozierenden der Srishti realisiert.

Gemeinsam mit Studierenden der Srishti erkunden und entdecken wir Räume der Chettiars in der Region Tamil Nadu. Durch Notizen, Zeichnungen, gesammelte Objekte und digitale Medien werden Situationen festgehalten und Erfahrungen sichtbar gemacht. Wir experimentieren mit verschiedenen Recherchemethoden und dokumentieren unsere Reise. Aus dem Angesammelten erarbeiten wir  ein künstlerisches Projekt.

Die Webseite www.chroniclesofthecoast.com versammelt Handlungsanweisungen zu Mapping und dokumentiert das Projekt Chronicles of the Coast.

Mehr zum Projekt

Plakat

Dokumentation

www.chroniclesofthecoast.com

Mitwirkende Institution: www.srishti.ac.in Kontakt: E-Mail Selin E-Mail Rachel

Sarah Glaisen

Mentorin: Annika Hossain

Ce projet de médiation repose sur la question de la relation entre un objet d’art et le «spectateur». Dans un contexte muséal, quel peut être le sens d’un objet d’art pour le «spectateur» ? Comment un objet d’art peut-il faire sens pour le «spectateur» ? Quel rôle donner au médiateur-trice afin qu’une relation personnelle, directe, ouverte et spontanée puisse s’effectuer entre un objet d’art et le «spectateur» ? Cette réflexion a conduit à envisager le rôle du médiateur-trice au sens premier du terme, c’est-à-dire sans lui attribuer une fonction de transmission spécifique, mais en le considérant, avant tout, comme un accompagnant, un troisième acteur dans cette relation triangulaire. Son rôle est, dans ce cas, d’accompagner, de soutenir et de permettre l’effectuation d’une mise en relation personnelle entre l’œuvre et le «spectateur». Afin de répondre concrètement à ces questions, il est apparu important de tenter, au moyen d’une forme spécifique de médiation, d’approfondir cette relation. C’est ainsi que fut conçu un scénario spécifique, basé sur l’expérience directe de l’objet d’art avec le moins d’interférence possible et la prise en compte des réalités propres du «spectateur».

Un scénario a ainsi été élaboré et expérimenté en janvier 2017 au sein du Migros Museum für Gegenwartkunst à Zürich avec trois enfants de 6, 9 et 10 ans. Les enfants ont découvert individuellement l'œuvre Principles Of Admitting (2009) de Karla Black, accompagnés par la médiatrice qui les filmait. À la fin de la visite, toujours dans l’espace d’exposition et sans regarder l’œuvre, les enfants ont dessiné le parcours qu’ils ont effectué ainsi que l’œuvre. Une brève discussion s’en est suivie. Puis, le lendemain de la visite, les enfants ont retrouvé individuellement la médiatrice avec laquelle ils ont parlé de leurs expériences respectives.

L’ensemble du processus a été enregistré (images & son). Les discussions entre les enfants et la médiatrice ont été retranscrites.

Kontakt: E-Mail

Eva Allemann
Mentorat: Brigitte Lustenberger und Annika Hossain

„Von dem Stimulus, den man sieht, rekonstruiert jeder sein eigenes Bild. Also etwa das Foto von einem Kind, das über den Sand läuft. Wir haben wohl alle ein solches Foto. Jeder verbindet einen anderen Strand damit. Man sieht nicht, man erkennt wieder.“

Diese Aussage von Christian Boltanski und 700 Fotografien aus der Sammlung meines Grossvaters bilden den Ausgangspunkt meiner Arbeit. Um zu überprüfen, wie ähnlich die Bildmotive unserer persönlichen Fotoarchive sind, habe ich gute Freunde und Bekannte angeschrieben, mir einen Einblick zu gewähren. 28 Personen verschickte ich per Mail Fotos aus der Sammlung meines Grossvaters und erhielt im Gegenzug Fotos aus ihrer Sammlung. Die Auswahl sollte assoziativ getroffen werden. „An welches Foto aus Deiner Sammlung denkst Du, wenn du meines siehst?“ Zusätzlich erhielt ich schriftliche Angaben zum Kontext der Fotografie, zahlreiche persönliche Geschichten und Anekdoten. 

Die zurückerhaltenen Fotos zeigen Porträts, Familienfeste, Ferienaufnahmen, kirchliche Anlässe und Tischgesellschaften. In der Installation werden die Bilder isoliert von ihrem Kontext gezeigt. Mit vier Beamern werden sie auf zwei Wänden projiziert. Die zufällige Wiedergabe lässt Kombinationen und Narrative entstehen. Innerhalb dieser kollektiven Bildkultur konfrontiere ich den Betrachter mit seiner eigenen Bildwelt. Er überspielt die Motive der Fotografien intuitiv mit seinen eigenen Erinnerungen. Dadurch wird die Installation für jede und jeden individuell erfahrbar.
Aus den retournierten Texten wurden die persönlichsten Stellen herausgefiltert und spielerisch zu neuen Kombinationen zusammengesetzt und zu sieben Textheften gebunden. 

Kontakt: E-Mail

Pia Zühlke
Mentorat: Josef Loretan
Eine künstlerische Auseinandersetzung

„Krankheit ist die Nachtseite des Lebens, eine eher lästige Staatsbürgerschaft. Jeder, der geboren wird, besitzt zwei Staatsbürgerschaften, eine im Reich der Gesunden und eine im Reich der Kranken. Und wenn wir alle es auch vorziehen, nur den guten Ruf zu benutzen, ist früher oder später doch jeder von uns gezwungen, wenigstens für eine Weile, sich als Bürger jenes anderen Ortes auszuweisen.“ Susan Sontag, Krankheit als Metapher
Dieses Zitat bezieht sich zwar nicht spezifisch auf die Krankheit „Krebs“, formuliert jedoch schön die Haltung der Gesellschaft gegenüber dem Thema. Zwar schon lange nicht mehr ein Tabu in der Medizin und der Forschung, jedoch immer noch stark ignoriert,durch Angst daran zu erkranken, in der Bevölkerung.
Mein Arbeit entspringt dieser verzerrten Wahrnehmung gegenüber dieser Krankheit, welche in der Zwischenzeit bis zu 50% aller Fälle geheilt werden kann. Dies liegt nicht zuletzt daran, dass die meisten Menschen schon nicht wissen, was Krebs genau ist.

These
Durch meine Eltern, welche beide studierte Pharmazeuten sind, wurde ich schon früh von den Begriffen „Sensibilisierung“, „Prävention“ und „Vorsorge“ besonders geprägt. Die Wahrnehmungsforschung definiert die „Sensibilisierung“ als eine Steigerung der Reaktionsbereitschaft auf (sinnliche) Reize. Es handelt sich hierbei also um einen psychischen Prozess, wobei beim Menschen Signalreize wiederholt dargeboten werden, und die Reaktion, sei sie negativ oder positiv, verstärkt wird. 
In der Pharmaindustrie ist das Ziel der „Sensibilisierung“ meist eine Vorsorgereaktion der Bevölkerung, um präventive Massnahmen durchführen zu können (siehe Abb.;. Leider lassen sich jedoch sehr wenige Menschen im Rahmen der Sensibilisierungskampagnen für Krebs behandeln.
Meine These geht davon aus, dass im Rahmen des Krankheitbildes Krebs nicht genügend positive Reize vorhanden sind. Visuelles Material unterstützt bekanntlich die Verständlichkeit eines komplexen Inhaltes. Lösen diese Visualisierungen noch zusätzlich positive Reize aus, wären Betrachter/-innen vielleicht eher bereit, sich mit der Thematik auseinanderzusetzen

Janick Sommer

Mentorat Theorie: Hans Rudolf Reust
Mentorat Praxis: Urs Aeschbach, Albrecht Schnider


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Die malerische Arbeit dísplay, plót,páint, displáy geht von Bildmitteilungen aus, welche dem Menschen im 21. Jahrhundert auf Smartphone zugesendet werden. Die so erhaltenen Bilder müssen als Interaktionspotential und nicht als Bild im kunsthistorischen Sinn gelesen werden. In der Malerei dieser Bildmitteilungen wird der Kontext weg von einem Geben/Erhalten von Bildmitteilungen zu einer Kontemplation des malerischen Potentials der Bilder verschoben.
Entstanden ist in der Malerei eine Reihe von Einzelbildern, welche in sich Bildhaftigkeit und Abstraktion verhandeln, wie auch den Anspruch stellen, eine malerische Erfindung zu sein. Das gemalte Bild unterscheidet sich in seiner Inhaltlichkeit grundsätzlich von einer Bildmitteilung. Jeglicher Kontext von Erklärung, unmittelbarer Lebenssituation und Betroffenheit wird aus dem Bild entfernt, sobald das Bild auf der Leinwand erscheint.

An der Wand hängen nun also keine Mitteilungen, sondern Bilder. Die Bearbeitung des Ursprungsmaterials ist so geschehen, dass das gemalte Bild ohne sein Ursprungsmaterial völlig kontextentleert als Malerei zu lesen ist. Diese Malerei hat die Aufgabe, die Frage nach dem Kontext auszulöschen und als Erfindung dazustehen.

Dokumentation / Theoriearbeit

Eva Allemann

Mentorat Praxis: Ursula Jakob, Michael Mischler
Mentorat Theorie: Theres Roth-Hunkeler
Technik: Installation, Künstlerbuch, 2-Kanal-Audioinstallation (Dauer: 25min 30sek, geloopt)

Am 17. Oktober 1992 fällt in Kleinlützel der erste Schnee. Und am 29. Januar 2004 ruft Moritz Allemann um 11:00 Uhr Grittli Schenk an. Noch am gleichen Tag schaltet er den zweiten Tank der Ölheizung ein und am nächsten Morgen bei -3 Grad füllt er Wasser nach.


Ausgangspunkt dieser Arbeit sind Postbüchlein, Ansichts- und Grusskarten, Quittungen, Notizzettel, Kalender, Schulbücher, Fotografien und Listen, die mein verstorbener Grossvater hinterlassen hat. Moritz Allemann lebte im selben Haus wie ich in einer eigenen Wohnung.


In einer ersten Aufarbeitung des vorgefundenen Materials ist ein Künstlerbuch entstanden, das seinem willkürlichen Ansammeln entgegenwirkt. Die Installation als weitere Auseinandersetzung beleuchtet einerseits das universelle Phänomen der subjektiven Projektionsfläche: Isoliert von ihrem Ursprungsort stossen die Alltagsobjekte Moritz Allemanns auch bei Menschen, die ihn gar nicht gekannt haben, individuelle Erinnerungsprozesse an. Andererseits drückt die Unmittelbarkeit der auditiven Ebene meine persönliche Faszination an der Sammlung aus. Ü̈ber die gesprochenen Listen rekonstruiere ich das Leben meines Grossvaters und imitiere die räumlichen Gegebenheiten, um den Besucher die Stimmung im Haus an der Dorfstrasse 74 spüren zu lassen.

Link zum Künstlerbuch

Link Audio
Theoriearbeit

Nora Bratschi

Mentorat: Andrea Wolfensberger, Romy Troxler

Jakob richtete an dem Ort, wo Gott mit ihm geredet hatte, ein Steinmal, einen Gedenkstein, auf. Darüber schüttete er ein Trankopfer und goss Öl darauf. (Genises 35.14 )

Wenn du ein neues Haus baust, sollst du um die Dachterrasse eine Brüstung ziehen. Du sollst nicht dadurch, dass jemand herunterfällt, Blutschuld auf dein Haus legen.(Deuteronomium, 22.8)

Da zerrissen sie ihre Gewänder, begannen laut zu klagen und streuten sich Staub auf das Haupt. (1. Makkabäer, 4.39)

Alles hat seine Stunde. Für jedes Geschehen unter dem Himmel gibt es eine bestimmte Zeit: eine Zeit zum Steinewerfen / und eine Zeit zum Steinesammeln. (Kohelet 3.1/5)

Zerreißt eure Herzen, nicht eure Kleider, (Joel 2.13)

Von ihrer Schlechtigkeit zeugen heute noch rauchendes Ödland und Pflanzen, die zur Unzeit Früchte tragen, und eine Salzsäule ragt als Denkmal einer ungläubigen Seele empor. (Weisheit 10.7)

Es war etwa um die sechste Stunde, als eine Finsternis über das ganze Land hereinbrach. Sie dauerte bis zur neunten Stunde. Die Sonne verdunkelte sich. Der Vorhang im Tempel riss mitten entzwei, (Lukas 23.44/45)

Eine Frau soll sich still und in aller Unterordnung belehren lassen. Dass eine Frau lehrt, erlaube ich nicht, auch nicht, dass sie über ihren Mann herrscht; sie soll sich still verhalten. Denn zuerst wurde Adam erschaffen, danach Eva. Und nicht Adam wurde verführt, sondern die Frau ließ sich verführen und übertrat das Gebot. Sie wird aber dadurch gerettet werden, dass sie Kinder zur Welt bringt, wenn sie in Glaube, Liebe und Heiligkeit ein besonnenes Leben führt.  (Timotheusbrief 2.11-15)

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Eine Bibel PDF

Andrea Beckel
Mentorin Praxis: Esther van der Bie
Mentorin Theorie: Anne Krauter Kellein

Ein Auto rast vorbei. 
Eine Dose steht da, eine Stimme ertönt. 
Eine Frau isst sitzend Schokolade.
Ein Mann schreit, eine Frau schreit.
Aus einem alten Telefonhörer spricht jemand.
Kakteen stehen im Raum. 
Eine Giesskanne giesst.
Ein Selfie macht ein Selfie.

Das Leben wahrnehmen durch bewusstes Innehalten in einer schnelllebigen Zeit, banale Dinge, Momente, Interaktionen im Alltag beobachten und ihnen Aufmerksamkeit schenken. Dies war der Ausgangspunkt für meine Master-Thesis. Seit zwei Jahren halte ich Augenblicke im Alltag, die mich auf irgend eine Art und Weise berühren, schriftlich fest. Es sind alltägliche Momente, die nicht völlig abnormal sind, aber dennoch solche, die auf eine banale Weise irgendwie irritieren, skurril sind, einen Witz in sich bergen oder mich nachdenklich stimmen und dadurch meine Aufmerksamkeit auf sich ziehen. Für meine Masterarbeit habe ich aus meiner Notizsammlung die Fundstücke ausgesucht, welche auf unterschiedliche Weise eine Absurdität in sich tragen. Das was mich berührt hat, das Absurde oder Witzige, schäle ich heraus und bringe es in einer künstlerischen Arbeit auf den Punkt. Dabei werden die ursprünglichen Situationen abstrahiert, verändert, ergänzt. Es sind Objekte, Installationen und Projektionen entstanden, die dieses von mir erlebte Moment vermitteln sollen. Durch die Inszenierung dieser banalen Alltäglichkeiten erhalten diese eine Präsenz und stehen plötzlich im Mittelpunkt.

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Annette Brand und Anna Jaun

Mentorin HKB: Romy Troxler
Mentorinnen im Museum: Alena Nawrotzki, Cynthia Gavranic
Material: Set à 12 Postkarten mit Bild und Textseite 
Durchführung: Während «20 An Exhibition in Three Acts» 15.10.2016–05.02.2017 und nach der Ausstellung