2023

die Luft im Brot 2023

Erinnerungsstück 2023

Gadgets 2023

Ideen 2023

Kürzlich hatte ich einen Traum 2023

May You Bloom Eternally 2023

May You Bloom Eternally
2023
Andrea Rickhaus

Gian Losinger

gianlosinger@gmail.com

Major Kunstvermittlug

Mentorat: Andrea Gohl und Simon Küffer

Sieben Tintenstrahldrucke auf mattem Papier, Bulldogklemmen. Fotografie, an die Wand projiziert

Ursprünglich stammt die Tulpe aus dem trockenen Hochland Zentralasiens und wurde von den seldschukischen Türken nach Persien gebracht. Von dort aus gelangte die Tulpe in die Gärten des osmanischen Sultans bis hin zum Habsburgerreich in Wien und wurde in den folgenden Jahrhunderten zu einem Statussymbol im gesamten Nahen Osten.Die Entdeckung, dass der salzige und sandige Boden an der niederländischen Westküste für das Wachstum der Blumen geeignet war, fiel mit dem Goldenen Zeitalter der Niederlande zusammen: Kaufmannsfamilien in Ams- terdam und anderen Orten wurden innerhalb weniger Jahrzehnte zu den reichsten Menschen der Welt. Die noch immer vorherrschende calvinistische Kultur in den Niederlanden des 17. Jahrhunderts förderte jedoch Nüch- ternheit. Die einzige Möglichkeit, seinen Reichtum zu zeigen, war, ein paar Tulpen ins Fenster zu stellen. (2) Die holländischen Stillleben aus diesem Jahrzehnt unterstreichen diese Tendenz: Sie wurden zu einer Form der Dokumentation und Darstellung dessen, was man sich leisten konnte: Die opulente Blumenpracht war plötzlich nicht mehr nur für ein paar Tage da, sondern konnte über Jahrzehnte hinweg bewahrt und gezeigt werden. Vor diesem Hintergrund ist es besonders bemerkenswert, dass wir bei genauerem Hinsehen feststellen, dass viele der abgebildeten Blumen in diesen Stillleben unmöglich zur gleichen Zeit geblüht haben können. Dies deutet darauf hin, dass die Maler für ihre neuen Gemälde keine echten Requisiten verwendeten, sondern das Beste, was die je- weilige Jahreszeit zu bieten hatte, abbildeten: eine noch raffiniertere Art, den Reichtum des Besitzers zu zeigen. Die sozioökonomischen Faktoren jener Zeit liessen den Tulpenmarkt in kürzester Zeit expandieren und wach- sen. Die Amsterdamer Börse war der größte Finanzmarkt der Welt, und der Tulpenanbau war in vollem Gange. Investoren begannen, Geld in das Tulpengeschäft zu stecken, und die Preise stiegen. In den Jahren 1632 und 1633 fielen die Tulpenernten eher schlecht aus, was den Wert einer einzigen Zwiebel noch weiter in die Höhe trieb. Im Jahr 1634 führten die Amsterdamer Behörden ein System ein, bei dem die Händler Verträge für die Ernte der Blüten des folgenden Jahres kaufen konnten. Damit war der Grundstein für die ersten spekulativen In- vestitionen gelegt: Die Menschen begannen, Geld zu leihen, um in die Ernte des nächsten Jahres zu investieren, und so begann die Tulpenmanie, wie sie heute genannt wird. Sie dauerte von 1634 bis 1637 und gilt allgemein als die erste Spekulationsblase, die in der Geschichte geplatzt ist. Eine einzige gesprenkelte Tulpenzwiebel (in den 1630er Jahren war die gesprenkelte Tulpenzwiebel die attraktivste, und wie wir heute wissen, trug sie einen Virus in sich, der die Flecken verursachte) wurde für den Preis eines großen Kaufmannshauses oder für mehr als ein Jahresgehalt eines geschickten Handwerkers verkauft. Doch irgendwann begannen die Menschen ihr Vertrauen in den Markt zu verlieren: Es kamen Fragen auf, wie diese enormen Summen zu rechtfertigen waren und viele begann zu verkaufen. Innerhalb kurzer Zeit stürzten die Preise für die Blüten ab. Mehrere Menschen begingen Selbstmord, weil sie das Geld, mit dem sie spekuliert hatten, nicht zurückzahlen konnten. (3)
Seitdem sind viele Blasen geplatzt, und doch sind Kapitalismus und Spekulation so stark wie eh und je: Heute werden jährlich dreihundert Millionen Tulpenblüten aus den Niederlanden exportiert. (4)

Der Prozess der Erstellung der Bilder für May You Bloom Eternally folgt einer Reihe von Regeln: Zu- nächst wird die gesamte verfügbare Menge an verschiedenfarbigen Tulpen in einem durchschnittlich großen Einkaufszentrum gekauft. Dann werden sie in einem einzigen Bild fotografiert, das stilistisch in der Tradition der niederländischen Stilllebenmalerei des 17. Jahrhunderts steht. Das Bild wird mit der vollen Auflösung einer modernen Digitalkamera aufgenommen. Aus diesem Bild werden dann digital Bilder in der Größe von 100 x 150 Pixeln ausgeschnitten, da das Verhältnis 2:3 in der Fotografie am häufigsten verwendet wird.Die neu erstellten Ausschnitte werden dann auf 110x165 cm vergrößert, dem Standardformat von Vollformat- Rollenpapier für Tintenstrahldrucker. Um die für Kunstdrucke erforderliche Auflösung von 300 dpi wieder- herzustellen, verwendet Photoshop die Interpolation, eine Methode, bei der die umliegenden Pixel gemessen werden, um neue Pixel zu erzeugen, die die Lücken füllen. Es gibt zwar verschiedene Formen der Interpolation mit unterschiedlichen Stärken und Schwächen, aber wenn die automatische Einstellung gewählt wird, erstellt Photoshop das, was es für jeden Teil des Bildes als am besten geeignet hält.Mit dieser Methode wird jedes ausgeschnittene Bild, das ursprünglich 100 x 150 Pixel groß war, auf 12992 x 19488 Pixel bei 300 dpi vergrößert. Photoshop hat also 253'173'096 (zweihundertdreiundfünfzig Millionen einhundertdreiundsiebzigtausendsechsundneunzig) neue Pixel erzeugt. Oder, um es allgemeiner auszudrücken, das ursprüngliche Bild von 0,85 x 1,27 cm ist jetzt 110 x 165 cm groß, Photoshop hat also eine zusätzliche Fläche von 18148,9205 cm2 oder 1,8 m2 Bildfläche geschaffen.

Bei diesem Verfahren und dem daraus resultierenden Bild stellt sich natürlich die Frage, was wir uns ansehen. In Zeiten von "Everything AI" mag diese fast schon antike Methode der Hochskalierung von Bildern überflüssig erscheinen. Sie wird jedoch tagtäglich und ohne jede Form der kritischen Auseinandersetzung, mit der KI seit ihrer Geburt betrachtet wird, eingesetzt. Irgendwie wird der Fotografie in der Popkultur bis heute die Glaubwürdigkeit zugeschrieben, die sogenannte reale Welt abzubilden. Im akademischen Bereich ist die Tat- sache, dass ein Foto nur sehr wenig - wenn überhaupt - Wahrheit oder Realität enthält, eine seit langem bekannte Diskussion, von Susan Sontag (die dies behauptet) bis Roland Barthes (der das Gegenteil behauptet). Dennoch ist sie noch nicht in den Diskurs des alltäglichen Bildkonsums in den sozialen Medien, Nachrichten und allen anderen Formen eingeflossen.

Wenn ich heute einen Tulpenstrauß kaufe, dann kaufe ich nicht die so genannte natürliche Blume, für die ich sie halte. Vielmehr kaufe ich ein Simili einer Blume, ein deep fake, einen Platzhalter, eine Idee. Tulpen kann man heute in allen Formen und zu jeder Zeit kaufen. Längst sind die Zeiten vorbei, in denen sie an eine bestimmte Jahreszeit gebunden waren. Die Her- steller werben stolz mit der Möglichkeit, Tulpen das ganze Jahr über anzubauen und weltweit zu versenden: «Diese wunderbaren Blumen sind das ganze Jahr über erhältlich - dank erstaunlicher Innovation und Technologie - sowie weltweiter Beschaffung. Tulpen sind 24 Stunden am Tag, 7 Tage die Woche und 365 Tage im Jahr erhältlich - auf den Sun Valley Flower Farms in Arcata, Kalifornien» (1) Diese Blume ist zu einem perfekten Beispiel für einen fortlaufenden Mechanismus des Kapitalismus geworden: Etwas Hochgeschätztes wird - durch Globalisierung, Züchtung und Optimierung der Arbeitsabläufe - zu etwas jederzeit Verfügbarem. Während es anfangs noch teuer sein mag, macht der mythische (und wohl nicht oder nur teilweise existierende) Trickle- Down-Effekt das Produkt für fast jeden im globalen Westen verfügbar.In diesem Licht erscheint der Titel der Arbeit als ein als Wunsch getarnter Fluch. Mögest du ewig blühen wird zum Zauberspruch von Goethes Zauberlehrling, wenn er verzweifelt feststellt: «Die ich rief, die Geister / Werd ich nun nicht los»(5) Was wir uns einst wünschten - dass die Dinge immer am besten seien, nicht blühend, sondern in voller Blüte, nicht vorübergehend, sondern ewig - ist dasselbe, was den Planeten zerstört, auf dem wir heute leben. Dennoch sind die Arbeiten nicht als Propaganda für eine andere Gegenwart zu verstehen: Die Bil- der, die genau diese Mechanismen kritisieren, sind nur durch die Werkzeuge möglich, die aus ihnen entstanden sind: Von den Tulpen und dem Geschäft, in dem sie gekauft wurden, über die Kamera und das Objektiv, die die Bilder aufnahmen, bis hin zum Programm, das sie vergrösserte, und dem Drucker, der die Tinte auf das Papier brachte. All diese Dinge wurden - teilweise oder nicht - in einem kapitalistischen System geschaffen und ent- wickelt, mit einem finanziellen Interesse im Hinterkopf. Das Werk nimmt sogar an der Erschaffung des immer Neuen teil: Die Erschaffung neuer, noch nicht gesehener Farben, die einst durch die Züchtung von Tulpen erfolg- te, erfolgt durch Interpolation und Druck, wobei der Tintenstrahldrucker in der Lage ist, Farben darzustellen, die über die eines jeden anderen Mediums hinausgehen.(6) Die Bilder stellen die Ideen und Werkzeuge, die sie hervorgebracht haben, in Frage, indem sie sie an ihre relativen Grenzen und darüber hinaus treiben und die Un- vollkommenheiten hinter ihrer Fassade des ewigen Wachstums und Strebens nach Perfektion offenbaren. Die Bilder werden gerade deshalb interessant, weil sie nicht ohne Fehler vergrößert werden können, so wie Tulpen immer noch interessant sind, weil sie fehlerhaft sind (erinnern Sie sich an die Flecken?) und weil sie nur eine bestimmte Zeit lang blühen.

1)https://ubloom.com/blog/2019/05/11/episode-6-tulips-year-round-spring/
2)https://medium.com/illumination/the-teachings-of-the-tulip-aea27f50e440
3)Ibid.
4)Ibid.
5)https://kalliope.org/da/text/goethe2000010804
6)https://www.artforum.com/print/201207/michelle-kuo-talks-with-wolfgang-tillmans-31942

Peripherie 2023

Réttir (Arbeitstitel) 2023

2022

all behind, we’ll go deeper, deep down and they will say weightless: 2022

Les choses que je regarde 2022

STITCHES 2022

verorten 2022

2021

"I love what you do - Don't you know that you're toxic?" 2021

Ich sehe die grünen Berge, sowie sie mich auch sehen 2021

IN ITS WAKE 2021

Just Smile 2021

Katroffel 2021

Katroffel
2021
A Rickhaus

Roshan Adhihetty

Kontakt: contact@adhihetty.ch

Major

Mentorat: Andrea Wolfensberger und Andrea Rickhaus

(An-)Ordnung

Roshan Adhihetty dokumentiert auf seinen Reisen Situationen, scheinbar, wie er sie vorfindet. Zusehends losgelöst von ihrer Verortung, verbindet sie in der wachsenden Sammlung die Ambivalenz, die Adhihetty bei ihrer Betrachtung verspürt und der Fakt, dass sie die Ordnung der Natur durch den Menschen dokumentieren. Zwischen Faszination und Abneigung betrachtet Adhihetty Schnittstellen von organisch und notorisch kontrolliert; Ein zugeschnittener Rasen lässt seine Planung erahnen, ein Baum, zylinderförmig gestutzt, wächst kerzengerade gen Himmel. Der menschliche Eingriff ist omnipräsent, der Mensch selbst bleibt – physisch – abwesend. In der Geometrie suchen die Augen den Ausbruch. Ist Wildwuchs das Unberührte? Spielen Adhihetty’s Bilder mit der Romantisierung dessen in einer höchst strukturierten Welt? Die Frage nach dem Verlauf der Linie zwischen Natur und Kultur ist für ihn zentral. Ist es schiere menschliche Megalomanie, die Welt formen zu können?

Zucht

Adhihetty schafft sous terrain entgegen jeglicher Intuition ein Biotop für tropische Setzlinge. In einem Gefüge von Abhängigkeiten kompensiert er die Abwesenheit von natürlichem Licht in seinem Labor durch LED-Panels, eine Infusion versorgt Avocadokern, Süsskartoffel und Ingwerwurzel mit Wasser. Dieses neue artifizielle Gleichgewicht verlangt nach konstanter Involvierung in Prozesse, die sich in ihrer natürlichen Umgebung selbst regulieren. „Ich habe eine Pflanze gezogen. Kann ich deswegen über sie verfügen?“ Adhihetty schafft eigenartige Hybride durch die Kreuzung von Pflanzensorten. Diese gewaltsamen Verformungen lassen an das Machtgefälle denken, welches jede Art von Ausbeutung – auch jene der Natur – bedingt: Die vermeintliche Überlegenheit über das Andere.

Lassen wir uns auf Adhihetty’s Bilder ein, bleiben wir für einen Moment alleine mit der Pflanze, mit dem Berg und mit der Frage nach Diversität und ihrem Verlust. Solange der Mensch existiert, hat er Einfluss auf die Natur. Was bliebe, wenn wir unser eigenes Habitat zerstörten? Wir würden verschwinden. Ökosysteme würden sich regulieren, auf bekannte oder unbekannte, ungeahnt resiliente Weise. „Seit wann nimmt sich der Mensch als Fremdkörper in der Natur, also abgespalten von ihr wahr?“ Und was passierte im Gegensatz dazu, wenn wir uns wieder als Teil der Vielfalt verstünden? Wir sind hier. Und nun? Wie ein neues Bewusstsein entwickeln für das, was uns umgibt? Für das, was uns bleibt? Adhihetty’s Bildwelt hinterfragt die Hierarchisierung im Blick auf das Andere. Und lädt dazu ein, das Eigene im Anderen wieder zu erkennen.

Dimitra Charamandas

(Ausstellungstext, "Freispiel"2021, Kunstmuseum Solothurn)

Mue 2021

pathways 2021

SEE YOU TOMORROW 2021

Sicuro che avrò tutto di cui ho bisogno? | Tu es sûre que j'aurais tout ce qu'il faut? | Bist du sicher, dass ich alles haben werde, was ich brauche? 2021

tools for staying alive_IJWTBL ft. SLIPS 2021

Untergehen 2021

vorgestern das letzte mal über mich selbst gelacht 2021

2020

18 Nächte, schlafend. 2020

1:15 000 2020

40 Zylinder 2020

Annoatak - Expedition Nordpol 2020

Aus dem Bett 2020

GelbSchwarz 2020

I bi im Zug, Schatz. 2020

Konventionen entsprechen? 2020

Là où les palmiers font la course aux étoiles 2020

Malerei auf Porzellan 2020

possibilities / now and now and now 2020

Sekundenarchitektur 2020

Struktur im Holz 2020

Tetris & HKB-Tagebücher 2020

2019

Malen: auf der Suche 2019

Nahe dem Stoff, aus dem die Welt besteht 2019

nid wöue müesse 2019

Ohne Titel 2019

Orte der Vernetzung 2019

rocks and ruins 2019

Sans titre 2019

Soulseeker (work-in-progress) 2019

Störungen im elektrischen Feld 2019

Störungen im elektrischen Feld
2019
Major 2019

Christiane Hamacher

Mentorat: Andrea Wolfensberger

Berühre ich mit dem Finger das Display meines Handys, geht ein Teil der Ladung auf meine Haut über. Eine Störung im elektrischen Feld der Bildschirmoberfläche wird ausgelöst. Die Berührung meiner Finger mit dem Material Glas erzeugt Spuren.

Das Display meines Handys habe ich über mehrere Monate fast täglich eingescannt. Ich bearbeite diese schwarzen Bilder auf meinem Computer mit einem Belichtungsfilter. Aus der Dunkelheit der Bildoberfläche entstehen abstrakte „Gemälde“, die an Landschaften und Orte erinnern. Mit diesen Bildprotokollen von nun mehr als 110 Tagen ist eine Sammlung entstanden.

Ich erstelle damit ein eigenes Archiv. Und schon schleicht sich ein weiterer Begriff ein. Das Tagebuch. Mein Tagebuch. Es betrifft meine Biographie. Mein Tun und Handeln. Eine Selbstvergewisserung im Jetzt. Tag für Tag. Ich sammle Spuren. Bewege mich im Dazwischen von Archiv und Tagebuch. Im Sichtbaren und Unsichtbaren. Im Sagbaren und Unbewussten.

Ebenen und Fragmente in Form der großformatigen ausgedruckten Papierbahnen, der Auflistung im Videoprotokoll der Daten der Tage, an denen ich den Display meines Handys gescannt habe, und meine performative Lesung im Ausstellungsraum zeigen die Unmöglichkeit, ein Archiv als Ganzes zu erfassen.

Die Prints ganz bestimmter Tage sind nicht mit Erinnerungen an diesen einen bestimmten Tag verbunden. Sie sind bildliche Protokolle, Spuren eines Teils meines Alltags. Verwischt schon in der nächsten Sekunde.

Das Verborgene und Unsichtbare dieser Sammlung im Ordner auf der Festplatte erscheinen nun im Ausstellungsraum. Ich habe drei Prints unter formalen Kriterien ausgewählt. Der Text, in Form einer Lesung während der Präsentation, ist aus Fragmenten gebaut. Persönliche Gedanken, Wahrnehmungen und wissenschaftliche Inhalte erzeugen ein weiteres Wahrnehmungsfeld. Persönliche Tagebuchnotizen werden mit Textfragmenten aus wissenschaftlichen Veröffentlichungen über die digital codierte Welt, Sprache, Forschung im Bereich Raumfahrt, Technik und der Arbeitsmethode des Archivierens einander gegenübergestellt. Sie eröffnen einen Raum für neue Fragen, Auseinandersetzung und Austausch.

Andrea Büttner, Künstlerin, wendet die gleiche Arbeitsmethode für ihre großformatigen Arbeiten an, die mir nun erst jetzt nach der Präsentation begegnet sind. Meine Sammlung wird in eine andere Richtung sich weiter entfalten.

Submariner Wald, Abend. 2019

Submariner Wald, Abend.
2019
Major 2019

Elia Schwaller

Mentorat: Daniela Keiser

Installation in der Cabane B, Bahnhof Bümpliz Nord

Submariner Wald, Abend.

Wann gibt’s Suppe?

Ein Text würde die Installation sicher entmystifizieren.

Durch die Maske sind alle Sinne geschärft. Ich höre den Ton viel besser, sehe mehr. Spüre den Boden.

Ich hab dich gar nicht erkannt! So die Jacke bis zum Kinn, eine Wollkappe bis zu den Augenbrauen und noch diese Maske. Ich hab dich erst vorhin beim Suppe essen erkannt.

Ich hab gar nicht gewusst, dass der Plastik auch aus Rohöl ist.

Ich hab gerade heute am richtigen Erdöl gerochen. In der Werkstatt hat's ja einen Liter. Das hat mich ziemlich umgehauen. Hier stinkt’s nicht so fest. Eigentlich ist ja überall Erdöl drin.

Was ist das für ein Material?

Am Samstag fliege ich nach Kalkutta. Für eine Woche hab ich ein Airb’n’b, dann weiss ich noch nicht. Nach einem Monat fliege ich zurück, wieder von Kalkutta. Vielleicht mach ich die Reportage über die Gemüseträger aber ich weiss nicht wie das ist im Winter, ob sie da auch Gemüse haben.

Darf man das anfassen? ich hab mich nicht getraut vorhin als ich drin war. Ist es trocken? Oder wann hast du das rein geleert? Ich sag tschüss.

Ich muss noch arbeiten gehen. Im Magnet. Danke für die Suppe und den Most. Und natürlich die Ausstellung!

Das ist gar nicht mehr ein Liter. Das Gefäss ist ja nicht einmal luftdicht verschlossen. Ich glaub inzwischen haben sie es aber im Spezialschrank, so mit eigener Luftschranke und so.

Warum ist das Material giftig?

Ich finde es hat viele Gegensätze: Dieses feine durchsichtige vom Plastik und das schwere schwarze vom Öl. Dann, dass es so schön ist und gleichzeitig so giftig. Und das ganz Schwarze vom Öl und das Helle vom Licht.

Vorhin waren die Bohnen noch schwarz, aber nach dem einlegen waren sie lila. Aber jetzt ist’s sowieso dunkel, dann sieht die Suppe schwarz aus. Wie Petrol! Aber wenn man Zitrone reinmacht, wird sie rosarot.

Meine Zehen sind eingefroren!

Wann gibt’s Suppe und Most? Komm wir machen einen Hahnenkampf. Das macht warm. Oder besser gesagt einen Huhn- Hahnenkampf. Du musst auf ein Bein stehen, die Hände hinter den Rücken.

Das Gebäude ist glaub ich von der Expo 04. Es gab doch auch diese Obelisken aus Rost. Wir sind jetzt vom Stöckacker hierher gefahren. Irgendwie verirre ich mich immer in Bümpliz. Sieht alles so gleich aus. Er ist gefahren, der macht das schon ganz gut. Muss er ja auch, wenn in den nächsten tagen das Bébé kommt. Übermorgen hat er seine erste Fahrstunde.

Dann springen wir gegeneinander, wer zuerst beide Füsse auf dem Boden hat, verliert. Oder wer zuerst ausserhalb dieser Linie ist.

Was war deine Idee?

In diesem Raum wäre geil ein Technorave. Aber die Nachbarn sind wahrscheinlich das Problem. Vielleicht ein Dayrave. Oder eine Plattentaufe.

Switch On 2019

Verlorene Welten 2019

2018

Abstrakte Bildexperimente 2018

bergeausfragen 2018

Ein Zwiegespräch über 9 Wochen 2018

Experimente 2018

Forest Symphony 2018

Im Auftrag von Sebastian 2018

L'Europe Sauvage 2018

MONO 2018

MUSTER IM KOPF 2018

Ohne Titel (Sound of Silence) 2018

to action - Vom Verb zur Handlung 2018

to action - Vom Verb zur Handlung
2018
Major 2018

Katharina Karras

Kontakt: katharina.karras@gmx.net

Mentorat: Andrea Wolfensberger

12 skulpturale Handlungen in diversen Techniken und Formaten

Den Ausgangspunkt dieser Arbeit bildet die Verblist von Richard Serra aus dem Jahr 1967. Meinen skulpturalen Handlungen liegen die Verben zu Grunde, die Serra vor 50 Jahren zusammentrug und auf von ihm gesammelte Materialien anwendete. In regelmäßigen Abständen ziehe ich ein Verb per Zufall aus der Urne. Eine kurze Zeitspanne, eine halbe Stunde bis maximal zwei Tage, stelle ich mir für die Verkörperung eines gezogenen Begriffes zur Verfügung. Dabei zählen ein direkt durch das Verb ausgelöstes Bild im Kopf und ein verfügbares Material, dessen Möglichkeiten ich während des Bearbeitungsprozesses ausreize. Dementsprechend stellen die einzelnen Arbeiten dreidimensionale Skizzen dar. Nicht eine perfekte, sondern eine prägnante und handlungsorientierte Ausführung ohne langes Planen ist entscheidend. Eine allumfassende Inkarnation des Wortes ist nicht angestrebt und nicht möglich. Sprache wird zurück in Materie überführt. Die Übersetzung eines jeweiligen Handlungsverbs in meine Muttersprache bietet meist mehrere Ausdrucks- und Deutungsvarianten. Ich lasse mich von spezifischen Assoziationen leiten, die in manchem Fall erst durch eine Kette von mehrdeutigen Übersetzungen ausgelöst werden. Dabei ist es mir willkommen, eine anfängliche Idee innerhalb des Handlungsprozesses abzulegen und durch eine dem neuen Moment entsprungene adäquatere Idee zu ersetzen.

In ihrem Ursprung beabsichtigen die Arbeiten scheinbar keine inhaltlichen Bezüge zueinander. Im Laufe des fortschreitend angewandten Rituals zeigt sich, dass die skulpturalen Handlungen einerseits von mir erlebte Geschehnisse der jeweils vorangegangenen Tage aufgreifen, und dass formale, thematische und methodische Dialoge zwischen den Skizzen enstehen. Sie zeigen unbewusste Auseinandersetzungen und geben irrationalen Zusammenhängen eine materialisierte Erscheinung.

Vier Figuren, nacheinander 2018

Was du essen solltest: 2018

2017

NOCTURNE 2017

NOCTURNE
2017

Fabian Unternaehrer

Kontakt:

Mentorat:Esther van der Bie

Technik: Digitale Raw-Aufnahmen, per Computer Schwarz-Weiss gewandelt sowie mit analogem Korn versehen. Präsentiert als A2 Prints per Tintenstrahl K3-Druck.

Fabian Unternaehrer gestaltete eine fotografische Serie bestehend aus 21 Bildern. Thematisch handeln die Bilder u.a. von «Stille». Seit Ende 2015 wurde dafür ein ganzes Impressions-konglomerat gesammelt.
Aus über 3`500 Fotografien, welche innerhalb der letzten zwei Jahre im Zusammenhang und in der Auseinandersetzung des Todes eines geliebten Menschen enstanden, musste ein Leitmotif erkannt und definiert werden. Einordnen Es handelt sich bei der Bilderserie um eine atmosphärische Reise. Der rote Faden, in diesem Fall und den Umständen entsprechend, ein etwas melancholisches Gewebe, sollte subtil und nicht etwa pathetisch zu einem Gesamtbild geflochten werden. Selektion In verschiedenen Arbeitsgängen und mittels diversen Kriterien, Kontrasten oder Nennern, wie etwa „Licht, Dunkel, Präsenz, Absenz, Traum, Gegenwärtigkeit, Dur, Moll...“ wurden die verschiedenen Bilder stets aufs Neue zusammengerückt und mit der Zeit verdichtet. Es war eine Suche nach Kippmomenten und einem gegenseitigen, sich nach und nach herauskristallisierenden Resonanzraum. Das Ziel war mitunter eine zeitlose Stimmungspartitur, welche nun den Kern dieser Arbeit bildet - denn „Zeit“ ist hierbei kaum präsent, es scheint fast, als würde dabei die gesamte Existenz in Stille getaucht, als schweige sie in Gedenken. Anordnen Die Suche nach der richtigen Kombination bildete den finalen Arbeitsschritt. Die Bilderserie besteht aus Haupt- und Nebensätzen, Scharnierbildern, kleineren Kapiteln und dies führt dazu, dass sich dazwischen neue Räume und damit Bedeutungen eröffnen. Schlussendlich fand sich eine Art Raster oder Mosaik, ein Zusammenspiel aus 21 Fotografien. Zum Titel „Nocturnes“ sind in der Musik (Chopin, Field, Satié, Rachmaninow etc.) sowie auch in der Malerei (als Tonalismus) bekannt, beide umschreiben atmosphärische wie poetische Nachtlandschaften. Die Mentorin und HKB Dozentin Esther van der Bie leistete dabei wertvolle Unterstützung, daraus eine Selektion zu treffen, die Bilder ästhetisch wie symbolisch ein- sowie anzuordnen.

16 mm 2017

AKT 3 2017

AKT 3
2017

Anna Jaun und Yvonne Siegenthaler

Akt III ist ein transdisziplinäres Projekt, in welchem sich die beiden Disziplinen Modedesign und Malerei vereinen. Die beiden Künstlerinnen und Kunstvermittlerinnen schöpfen aus ihren jeweiligen Erfahrungen und Hintergründen, Yvonne aus dem Modedesign und Anna aus der Malerei. Untersucht wird das Zusammenspiel von Malerei und Kleid in einer dritten Disziplin, der Performance. In einem Wechselspiel ist der Stoff anwesend als Kleid und wird gleichzeitig zur Leinwand. Der Körper, die Bewegung und der Kragen als Code, lassen die Leinwand als Kleid erkennen. Mit Pinsel und Farbe wird der Stoff bemalt und durch diesen Eingriff zum Malgrund. Die Malerin reagiert auf das Vorhandene und dessen Trägerin. So wechseln sich die Akteurinnen ab und eine gegenseitige Abhängigkeit von Mode und Malerei entsteht. Es ist eine Bildfläche die in Bewegung ist. Das Bild fliesst stetig ineinander und übereinander - der Betrachter sieht mal mehr Kleid, dann wieder Leinwand. Nicht Anna hat die Entscheidung welchen Teil der Leinwand sie bemalt, sondern dessen Trägerin Yvonne, da sie das Kleid, welches in der Performance zur Leinwand wird, nach ihrem Empfinden umhängt und so eine andere Fläche für die Malerei zur Verfügung stellt. Anna greift als Malerin in das Kleid ein, indem Sie dieses als Leinwand nutzt. Yvonne greift wiederum in das Bild ein, indem sie es als Kleid nutzt, es umhängt und neu formt. Das gegenseitige Eingreifen benötigt Vertrauen und wird zu einem Frage- Antwort Spiel der beiden Künstlerinnen. Die Leinwand, ein Stoff, ist das verbindende Element dieser beiden Disziplinen und wird in der Malerei sowie in der Mode zur Gestaltungsfläche. Die Anwendung ist jedoch unterschiedlich. In der konventionellen Malerei wird der Stoff auf einen Keilrahmen gespannt und verliert so die Bewegung, seine weichen Eigenschaften und die Anpassungsfähigkeit. In der Mode steht der Stoff immer dem Körper gegenüber, er wird zur Hülle, zur zweiten Haut, zu einer Erweiterung des Körpers. Er kann den Körper deformieren, unterstützen, betonen oder verstecken. In der Mode wird der Stoff zur Gestaltungsfläche, die zwischen Träger und Betrachter vermittelt. In Schrift und Bild versuchen Anna und Yvonne in dem gemeinsamen Projekt ihre Eindrücke und Vorstellungen einander mitzuteilen. Dazu kommunizieren sie sowohl über Briefe als auch über das gemeinsam gesammelte Bildmaterial. Dabei wird ein neuer Spannungsbogen zwischen beiden Disziplinen geschaffen. Die gemeinsame Arbeit fordert es, sich auf die gegenüberliegende Position einzulassen und sich seiner Eigenen sehr bewusst zu sein. Es ist eine Auseinandersetzung mit dem Wir, dem Du, dem Ich und dem gemeinsamen Akt.

Landshades 2017

LEITSYSTEME 2017

permanent siegen 2017

TABLE RONDE 2017

2016

Das sei ich 2016

Der Krebs 2016

Der Krebs
2016

Pia Zühlke
Mentorat: Josef Loretan
Eine künstlerische Auseinandersetzung

„Krankheit ist die Nachtseite des Lebens, eine eher lästige Staatsbürgerschaft. Jeder, der geboren wird, besitzt zwei Staatsbürgerschaften, eine im Reich der Gesunden und eine im Reich der Kranken. Und wenn wir alle es auch vorziehen, nur den guten Ruf zu benutzen, ist früher oder später doch jeder von uns gezwungen, wenigstens für eine Weile, sich als Bürger jenes anderen Ortes auszuweisen.“ Susan Sontag, Krankheit als Metapher
Dieses Zitat bezieht sich zwar nicht spezifisch auf die Krankheit „Krebs“, formuliert jedoch schön die Haltung der Gesellschaft gegenüber dem Thema. Zwar schon lange nicht mehr ein Tabu in der Medizin und der Forschung, jedoch immer noch stark ignoriert,durch Angst daran zu erkranken, in der Bevölkerung.
Mein Arbeit entspringt dieser verzerrten Wahrnehmung gegenüber dieser Krankheit, welche in der Zwischenzeit bis zu 50% aller Fälle geheilt werden kann. Dies liegt nicht zuletzt daran, dass die meisten Menschen schon nicht wissen, was Krebs genau ist.

These
Durch meine Eltern, welche beide studierte Pharmazeuten sind, wurde ich schon früh von den Begriffen „Sensibilisierung“, „Prävention“ und „Vorsorge“ besonders geprägt. Die Wahrnehmungsforschung definiert die „Sensibilisierung“ als eine Steigerung der Reaktionsbereitschaft auf (sinnliche) Reize. Es handelt sich hierbei also um einen psychischen Prozess, wobei beim Menschen Signalreize wiederholt dargeboten werden, und die Reaktion, sei sie negativ oder positiv, verstärkt wird.
In der Pharmaindustrie ist das Ziel der „Sensibilisierung“ meist eine Vorsorgereaktion der Bevölkerung, um präventive Massnahmen durchführen zu können (siehe Abb.;. Leider lassen sich jedoch sehr wenige Menschen im Rahmen der Sensibilisierungskampagnen für Krebs behandeln.
Meine These geht davon aus, dass im Rahmen des Krankheitbildes Krebs nicht genügend positive Reize vorhanden sind. Visuelles Material unterstützt bekanntlich die Verständlichkeit eines komplexen Inhaltes. Lösen diese Visualisierungen noch zusätzlich positive Reize aus, wären Betrachter/-innen vielleicht eher bereit, sich mit der Thematik auseinanderzusetzen

Héliotropisme 2016

Ohne Titel, Zeichnung auf Fotografie 2016

Verdutzte Kühe im kühlen Weiss bei Davos 2016

Wahrnehmen und wahr nehmen. 2016

Wahrnehmen und wahr nehmen.
2016

Pamela Gardi
Mentorat: Urs Gehbauer und Alena Nawrotzki

Und wie siehst du? Die Frage, wie blinde Menschen visuelle Kunst wahrnehmen können, motivierte mich dazu, unterschiedliche Zugänge über andere Sinne als das Sehen zu entwickeln. In der Zusammenarbeit mit dem Migros Museum für Gegenwartskunst in Zürich setzte ich mir zum Ziel, das abstraktes Bild Akt und Adler von Georg Baselitz für Blinde Menschen erfahrbar zu machen. Über Interviews mit blinden und sehenden Personen war es möglich, einen Überblick über die Ansprüche an eine Vermittlung einer abstrakten Malerei zu gewinnen. Gemeinsam mit meinen Interviewpartnern entwickelte ich kleine Vermittlungsformate, welche zum Ziel haben, sowohl blinde, als auch sehende Personen für ihre eigene Wahrnehmung zu sensibilisieren. Diese wurden dann über sich wiederholende Interviews getestet und reflektiert.

Teil 1
Museumsbesucher beschreiben mündlich und direkt vor der Malerei Akt und Adler im Migros Museum in Zürich ihre Wahrnehmung dieses Bildes. Über ein Audioaufnahmegerät werden diese Beschreibungen aufgezeichnet, es entsteht eine Bibliothek von unterschiedlichsten Bildbeschreibungen und unterschiedlichen Wahrnehmungen. Ziel der verschiedenen Bildbeschreibungen ist es, dass eine blinde Person über die unterschiedlich ausführlichen Beschreibungen eine detailliertere Vorstellung von der Malerei bekommt.
Die Bildbeschreibungen werden von blinden Personen angehört und beurteilt. Über einen Fragebogen soll die Qualität der Bildbeschreibungen und die Idee dieses Vermittlungsformats geprüft werden.

Teil 2
Sehenden Menschen, welche die Malerei Akt und Adler nicht kennen, wird die Bibliothek der Audio-Bildbeschreibungen zur Verfügung gestellt. Ihre Aufgabe ist es, das über die Tonaufnahmen gewonnene „innere Bild“ in eine Malerei zu übersetzen.
In Interviews werden die Tonaufnahmen und die Malerei reflektiert. Die Personen haben die Möglichkeit, die Bildbeschreibungen mit der Malerei von Baselitz zu vergleichen und somit mögliche Probleme der Bildbeschreibung ausfindig zu machen.

Teil 3

Eine Materialauswahl wird in kleinen Stoffsäcken als Tasterlebnis erfahrbar gemacht. Über Fragen zur Wahrnehmung dieser Materialien, wird die tastende Person gezwungen, sich auf ihre Wahrnehmung zu konzentrieren. Den Materialien sollen Farben, Assoziationen und Adjekive zugeordnet werden. Diese Zuordnung eröffnet eine Diskussion zum Thema Haptik und zur persönlichen Wahrnehmung.

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Windklänge 2016

2015

6min 27sek, 400m 2015

Bätzi 2015

Bätzi
2015

Susan Steiger

Medium: Video 23’

Mentorat: Maria Iorio und Raphael Cuomo

Der Rote Faden meiner Video Arbeit bildet der Ort Seelisberg. Das kleine Bergdorf durchlebte im letzten Jahrhundert viele religiöse und gesellschaftliche Wandlungen. Ab den 1930ern wurden junge Männer durch propagandistische Vorführungen als Missionare angeworben. Einige Jahrzehnte später errichtete der Maharishi Maheshi Yogi Guru sein Imperium im einstigen Grand Hotel Sonnenberg. Und seit Neustem muss die katholische Gemeinde Pfarrer aus Afrika anstellen. Im Video ‚Bätzi' werden die Perspektiven dieser Ereignisse miteinander non-linear verknüpft. Nach einer intensiven Recherchephase im letzten Semester, bin ich im Moment auf der Suche nach einer geeigneten Erzälstruktur. In ‚Bätzi‘ habe ich erstmals mit dem recherchierten Material experimentiert.

1. Video Still: Pfarrer Chidi aus Nigeria in Seelisberg, Reporter SRF 2008
Gesprochener Text: Missionar der Bethlehem Gesellschaft Immensee, der 30 Jahre in Sambia als Priester arbeitete, sagt:                                                                                                                      «Dann hiess es ja jetzt tu ich dich dorthin als Vikar zu diesem Pfarrer, der ein weisser war. […]Ich hatte ein bestimmtes Gebiet mit etwa zehn aussen Zentren. Selbstständig. Ich musste ja vom Vorherigen (die Arbeit) übernehmen. […] So habe ich eigentlich keine Mission gegründet, sondern eine übernommen.»

2. Video Still: Photographie, Kirche in Rhodesien, 1966, Archiv der Bethlehem Gesellschaft
Untertitel zum Bild: Memorandum der Behörden Seelisberg an den schweizerischen Bundesrat in Bern, bezüglich des Verkaufs des Hotel Sonnenbergs an die Maharishi Gesellschaft, 1971, Privatsammlung:                                                                                                                                    «Die Gefahr ist nicht von der Hand zu weisen, ist der neue Besitzer einmal da, wächst das Bedürfnis nach Expansion und das Bedürfnis wird immer Wirklichkeit. Weil man weiss, dass leider nicht alle den verlockenden Angeboten widerstehen können.»

3. Video Still: Photographie, Beerdigung eines Paters, Rhodesien, 1968, Archiv Missionsgesellschaft Bethlehem
Gesprochener Text: Tagesschau SRF 1980, Maharishis in Seelisberg, die Reporterin spricht:
«So etwas Weltfremdes passt aber nicht in das urchige, urner Bergdorf Seelisberg»

4. Video Stil: Photographie, Hochhaus in Salisbury, Rhodesien, 1965, Archiv der Bethlehem Gesellschaft
Gesprochener Text: Tagesschau SRF 1980, Maharishis in Seelisberg, ein Einwohner von Seelisberg spricht:                                                                                                                                                «Der Kampf war schon immer, weil es einfach etwas Fremdes ist. Und weil sie einfach einen Haufen Geld haben und sie uns die Heimat ringsum aufkaufen. Diese Häuser aufkaufen. Und weil sie einfach immer die sind, die am meisten Geld haben, wenn es etwas zum Kaufen gibt.»

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Festland 2015

I Gatti di Roma 2015

Im Sektionssaal 2015

Langweilig ist — das Kissen auf meinem Bett 2015

Poems for Space °1 2015

Politische Räume 2015

Täppeli 2015

Von zu nett zu nett in 48 Stunden 2015

2014

Aus dem Pfefferland 2014

Die Inszenierung des Statisten (1-15) 2014

Die Inszenierung des Statisten (1-15)
2014

Yasmin Mattich

Mentorat: Urs Aeschbach, Karoline Schreiber

Öl auf Leinwand

Die Werkserie «Die Inszenierung des Statisten 1-15» besteht aus 15 kleinformatigen Ölporträts. Die Arbeit setzt sich mit der Thematik vom fotografischen Schnappschuss auseinander. Die Suche nach Abwesenheit, gebündelter Konzentration und aufgeladener Magie innerhalb inszenierter Fotografien bildet dabei den Hauptuntersuchungsgegenstand.

Fotografien sind Spuren unserer eigenen Identitäten. Innerhalb von Millisekunden wird ein flüchtiger Augenblick auf Papier gebannt und für die Nachwelt unvergänglich gemacht. Als Fotografische Abbilder der Wirklichkeit sind sie Träger und Zeugen unseres handelnden Ichs. Dabei nimmt die Fotografie als Werkzeug für die Selbstdarstellung einen essentiellen Platz ein: Ob Selfies, Bilder mit Freunden oder Gruppenfotos - ähnlich wie eine Theaterbühne arrangiert und baut sich der Mensch seine eigene Kulisse auf - und mittendrin dann ER. Vor dem Auge der Kamera präsentiert sich der Mensch bevorzugt, ganz nach dem Frontalitätsprinzip, innerhalb einer Gruppe, integriert und kongruent mit den anderen (1). Die Haltung ist frontal, der Blick direkt in die Kamera gerichtet. Der Posierende maskiert sein Gesicht mit einer konventionellen Uniform.
Der Moment des Auslösens ist, aus diesem Blickwinkel betrachtet, gleichzeitig immer auch ein Moment der Kontrolle: Er steht in Abhängigkeit des Fotografen, welcher den Ausschnitt bestimmt, aber auch unter der Kontrolle des Abgelichteten, der sich in eine bestimmte Rolle hineingibt.
Die künstlerischen Arbeit fahndet nach Spuren von Momenten, in denen diese Kontrolle abhanden kommt. Sie interessiert sich für den flüchtigen Augenblick, in der sich die unmaskierte - und ein Stück weit auch unverfälschtere - Identität der fotografierten Person offenbart. Die Suche nach Abwesenheit, gebündelter Konzentration und aufgeladener Magie innerhalb inszenierter Fotografien bildet dabei den Hauptuntersuchungsgegenstand der Arbeit. Das Interesse gilt nicht den Akteuren im Vordergrund, sondern denjenigen Personen, die sich im Gegensatz zu den anderen dem Code der Selbstdarstellung entgegensetzen - sei es, weil sie sich im Moment der Aufnahme nicht im Bild wähnten, von der Kamera überrascht wurden oder als Abseitsstehende die Anstalten unterliessen, für den Fotografen eine spezifische Mimik oder Haltung einzunehmen. Dem präsenten Blick und der kokettierenden Pose der Hauptakteure wird die entrückte und selbstvergesse Haltung des Statisten gegenübergestellt. Durch den neu gesetzten Ausschnitt erfolgt eine Verlagerung: Der ursprüngliche Nebendarsteller transformiert sich zum neuen Hauptakteur.

Die Bilder zeigen die Porträtierten entrückt, still, manchmal in sich versunken und trotz ihrer Sonntagsrobe, oft mit einer ganz alltäglichen Handlung beschäftigt. Sei es der durchdringende Blick, oder die abwesende und in sich gekehrte Haltung: Allen Bildern gemeinsam ist die eigenartige Intimität, die sie ausstrahlen.

(1) Pierre Bourdieu, u.a. Luc Boltanski, Eine illegitime Kunst. Soziale Gebrauchsweisen der Fotografie. Hamburg: Europäische Verlagsanstalt, 2006.

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Website

Dokumentation

ex|is|tiere|n 2014

Familiar Faces 2014

InStabilität 2014

Mehrfarbiger Holzschnitt 2014

Ohne steht alles still 2014

raum 2014

Redefluss I 2014

Reflection 2014

Sehnsucht nach Wildnis? 2014

Sommerneige 2014

Take a photo from this point of view 2014

Unter dir die Stadt 2014

Vertuschte Schnappschüsse 2014

2013

1000 2013

1000
2013

Neal Byrne Jossen

Mentorat: Jacqueline Baum
Daniela Keiser

About my two artworks: «1000» and «beams»

Momentarily my art evolves within themes such as repetition, chance, simplicity and probably many more of which I am not yet conscious.
For my artwork entitled ì1000î I have chosen to repeat the same drawing (an underlined circle) one thousand times using the old ìonion skinî animation technique (drawing one layer after another, always starting off from the last drawing) to create a sequence running at twelve images per second, thus bringing a whole new perception of the drawings. What could have been perceived as flaws or mistakes from one drawing to the other now becomes the hole interest of the work. Combining repetition with rudimentary handmade drawing allows inexactitude, which is the core of this piece. These inexactitudes provide the animation with some sort of autonomy, I have cautiously drawn every frame, always trying my best to reproduce faithfully the last drawing, but in the end I have no control over what the sequence will look like. As if the artwork had been running its own course, independently from my own will.

For the second work, which is not yet titled, I used only two drawings to create an animated sequence. This sequence I now use as raw material, projecting it on pieces of architecture I find appealing. I like the simplicity of the action (laying a beamer on the ground and playing with the angle), an action I can reproduce in many different locations always resulting in something slightly different; repeatability and randomness. I also find interesting the idea of transforming radically a simple drawing into something animated that has the potential of modifying a hole space.

What brings the two works together in my opinion is their flowing, cyclic quality but also there tranquility. There's nothing to insistent about them and there is a nice ambivalence in the way you can stare indefinitely at them as well as you can just keep walking, barely noticing them, just like a fireplace or a fish tank.

Links to the videos:
http://www.nealbyrnejossen.com/#!beams-fr
http://www.nealbyrnejossen.com/#!1000-f

My website
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113 km² 2013

Anagramm Enzyklopädie 2013

blicke ziehen 2013

Delfingrau, Marmor und Fels 2013

Die Lücke war nichts, das ich irgendwie wusste 2013

Die Seife 2013

Futterwechselein- richtung 2013

Futterwechselein- richtung
2013

Tamara Hauser

Mentorat: Andrea Wolfensberger

Material: Stricknadeln, Magnete in diversen Grössen, farbige Folien, Stickrahmen, Vorhangstanden, PVC-Schläuche in diversen Grössen, diverse gefundene Kunststoff-, Glas- und Metallobjekte, transparente Plexiglasstäbe, gelaserte Plexiglasteile, gelaserte Glasplatten, Schaumstoffplatten, gelaserte Spiegel, Holzboxen, diverse Leuchtkörper.

Variationen und Etüden eine Installation in Transformation
Die Werkserie «Futterwechseleinrichtung» besteht aus 11 Variationsanweisungen, welche gleichzeitig für die jeweils entstandene Installation titelgebend waren.

Zu jeder Variationsanweisung wird eine Räumlichkeit von unterschiedlicher Grösser und Volumen benötigt.

Aus jeder Variationsanweisung resultieren verschiedene Etüden, welche als einzelstehende Werke betrachtet werden können, jedoch im Kontext der Variationsanweisung gezeigt werden sollen.

Es besteht die Möglichkeit Etüden aus vorhergegangenen Variationen in eine neue Variation zu integrieren oder sie in abgeänderter Form ein weiteres Mal zu zeigen.

Jede Variation benötigt einen abgesteckten Zeitrahmen. Während dem festgelegten Zeitrahmen besteht die Möglichkeit für eine Transformation der Installation.

Folgende Variationsanweisungen wurden zwischen Mai 2013 und Februar 2014 umgesetzt:

FS 13
Variation 0 - When I Finished With It I Started You ("warm-up")
Variation 1 - Keep Holding The Balance (altes Loeblager)
Variation 2 - Keep Holding It (Dachstock Progr)
Variation 3 - Should I Keep Holding On Or Let Go? ("calm-down")
Variation 4 - Keep Playing Around (Atelier)

HS 13
Variation 5 - Put Your Body Language On Display (Remise Zürich)
Variation 6 - Too Bent To Be Straight (Frauenraum Bern)
Variation 7 - Hang In There! (Kunsthaus Langenthal)
Variation 8 - Stand Alone And Lighten Up (Stadtgalerie Bern)
Variation 9 - Face Each Other And Hold Strong. Don't Leave Too Early... (Mo.ë contemporary Wien)
Variation 10 - Take Away Do It Yourself (in den Räumlichkeiten der Hochschule der Künste Bern)

Dokumentation als PDF

Göscheneralp 2013

Horizon des événements 2013

Zeitloser Bummel 2013

2012

7.Februar 2013 2012

9114 bubbles / 6 liters of water 2012

blitzen 2012

Coming Soon! 2012

Das Büro 2012

Digital Crafting 2012

Erscheinen 2012

Haufen 2012

im Moment 2012

L'oeil du sourd est normal 2012

nahtstellen 2012

schultheiss/ zimmermann 2012

The Raven and The Crows 2012

«Deux clés, une petite et une grande.» 2012

2011

0-1, display 2011

0-1, display
2011

Chun Yan Zhang Schmid

Mentorat: Andrea Wolfensberger und Urs Gehbauer

Chun Yan Zhang Schmid

Mentorat: Andrea Wolfensberger und Urs Gehbauer

Experimentalproject, majorproject, HKB, 28.02.2011
Performance, Event Palaver, HKB, 06.05.2011

Installation: Das ursprüngliche Ziel des Projekts war, Geräusche in etwas Sichtbares umzuwandeln. Es handelt sich um eine interaktive Installation, die aus 3 Teilen besteht:
1. transparentes Plastikrohr (H 136 cm, Ø circa30 cm) mit einem Verschluss.
2. Holzsockel (40 cm x 40 cm x 22.5 cm) mit einem Propeller (L 25 cm), Fahrtregler, Arduino, Batterie, Transformator.
3. Computermit dem Programm Max 5, Mikrofon (Sennheisere855).

Je lauter man in das Mikrofonspricht, desto schneller dreht der Propeller und somit wird mehr Aufwind erzeugt, der die Pingpongbälle im Rohr nach oben befördert. Desweiteren kann man die ganze Installation auch als Stimmen-Skulptur bezeichnen.

Alles materialisiert sich: Geräusche, Sichtbares, Bewegung, Transparenz, Strom, Elektrizität, Daten, Schnittstelle, etc.

Material: Aluminiumblech, Plastikrohr, Kabel, System eines Modelhelikopters, Batterie, Arduino, Computer, Mikrofon, Schrauben.

Experimentalproject, majorproject, HKB, 28.02.2011
Performance, Event Palaver, HKB, 06.05.2011

Installation: The original initiation of this project is to transform the sound to view, invisibility to be visible. It’s an interactive installation and basically formed by 3 main parts:
1. Plasticandtransparent tube (H136 cm, Ø around 30 cm) with a closure.
2. Woodenbase (40 cm x 40 cm x 22.5 cm) with Propeller(L 25 cm), Motor, Motercontroler, Arduino, Battery, Transformator.
3. Computer with the program Max 5, Microphone (Sennheisere855).

Therefore, when we talk louder to the microphone, the propeller turns farther and brings more air to flow ping-pong balls higher. Moreover, we can also consider the entire installation as a voice sculpture.

All materialize: sound, view, mouvement, transparency, power, air, electricity, data, interface, etc.

Material: aluminum iron, plastic tube, cables, model helicopter system, battery, arduino, computer, microphone, screws.

Begägnige 2011

Bewitterung 2011

Der Schrebergarten 2011

Eigenarten und Legeordnungen 2011

Eigenheim 2011

Gijón 2011

ohne Titel 2011

Souvenirshop Verkehrt 2011

Strichwort 2011

Weekly Paintings 2011 2011

2010

'Ohne Titel' 2010

Bäume ausreisen 2010

Begehbare Malerei 2010

Catch and Release 2010

Echange Erasmus Berlin 2010

Gastsemester Karlsruhe 2010

Gastsemester Stuttgart 2010

huiles sur toile 2010

Muschelrauschen 2010

Schweiz (landlocked) 2010

Selbststudium in der Malerei 2010

Translation of Aesthetic Relation(s) 2010

Translation of Aesthetic Relation(s)
2010

Chun Yan Zhang

Mentor: Jacqueline Baum and Urs Gehbauer
Mentor(Expert): Marcel Wyler, Beratungen

(1) First meet with Mr. Marco Zbinden (representative of HGC Commerciale), photographed by Alejandra Beyeler me (participant, student from HKB), 3rd February 2012, Vidmarhallen.
(2) Platform & Art Installation, photographed by Alejandra Beyeler, 3rd February 2012, Vidmarhallen.
(3) Before the stage... Conversation with Mr. Alec Von Graffenried, photo shooting: Alejandra Beyeler (participant, student from HKB), 3rd February, Vidmarhallen.
(4) Recording - Conversation with Mr. Alec von Graffenried, photographed by Ida Sons, 3rd February 2012, Vidmarhallen.

Aesthetic Relation(s) in this project, from my personal point of view includes two main aspects: The way to realize the project and what are the contents in the process. Both aspects include: Communication during exchange, relevance between domains, method and strategy, transformation of roles, interactivity between people, transaction interactivity, dialogues, images (documentation of the process), systems within society, bartering of goods and time, etc.
The photo album as a documentation of the process uses the method of visual interpretation to summarize mesh relations between different fields. It functions as the result of my research as well as the beginning of my further develop- ment, which will focus on searching for and experimenting with new instruments and tools for people who will be interested in innovative models.

The initial point of the project is to present and represent the intertwinded relations between four individual fields, that are strongely related: artists, art works, economy and politics through a visual and artistic platform. A platform as well as an art installation will invite its creator, the artist, economists and politicians to sit together and be photographed. This photographic stage which is as well an an art piece which consists out off three standing bathtubs with sitting. The presence of a divers public is crucial to the project and therefore, the process of photo shooting will be in an open public space where wide audience can participate.

Because artists are as well as mediators of art and culture, their mission and responsibility is multifaceted. The artist is one of the most essential medium that spreads art and culture to wide public. Recently due to the transformation of their roles and identities, the function of contemporary artists could be considered as hybrid. Because they regularly transform their roles from artists to project managers as well as mediators from traditional independent practices to varied public communication. They become the leaders and the co-leaders in many fields.

The general method or strategy for realizing a project relates to the requirement of a social system which includes politic and economy as two self-contained parts. Both essential ele- ments can not deal without political and economical forms. Due to this cirumstance, the subtle relationship(s) between the process of a project, politics and economy cause(s) people with political or/and economical background turn into indirect cooperative participants. Nevertheless these identities prdetermine that they are the 'unsung heroes'. People from different fields and practices can come together to build a special 'Family Relationship' through a project.

The process structures the aesthetic relation(s) of family members. In order for translating and interpreting it, the participation to do a of family portrait is absolutely necessary for all members. Due to the characteristic of this concept, the location was chosen in Vidmarhal- len, Bern. As a center for cultural, educational and economical activities, it directly involves people from varied backgrounds. It has a variety of enterprises and cultural workers. It is known as a platform for economy, art and culture with countless opportunities for diverse partnerships in a win-win situation.

A 'Family Photo Album' will be printed with all necessary indications of the process the correspondence and conceptual thoughts.

Transformation of roles through the participation of the project:

1. Art project - Interactive transformation between exclusive and inclusive.
2. Artist - Creator, mediator, communicator, manager, participant, witness.
3. Politicians - Collaborative participants, implementers, witness.
4. Economists Ð Cooperative participants to collaborative participants, implementers, witness.

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Von Autobussen, Rempeleien und nicht angenähten Knöpfen 2010